Lindsey Stirling regresa en septiembre a la Argentina para presentarse con una propuesta única.&nbsp;Reconocida por su extraordinaria habilidad como violinista electrónica, bailarina e intérprete, Lindsey se ha ganado al público mundial con sus espectaculares presentaciones en vivo, que giran constantemente y agotan localidades en recintos icónicos alrededor del mundo.&nbsp;Su visión innovadora le ha valido millones de seguidores en todo el planeta, cuatro álbumes que encabezaron las listas de Billboard y dos premios Billboard Music Awards, incluyendo Mejor Álbum Dance/Electrónico por su tercer disco de estudio, Brave Enough.Autora bestseller del New York Times (y creadora de su propio cómic), Lindsey sintió la necesidad de ir más allá en su séptimo álbum de estudio, Duality, donde se atrevió a explorar una nueva libertad creativa en su composición.&nbsp; <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/14/foto19842_.png">Duality llega como el álbum más audaz a nivel sonoro y emocionalmente complejo de Lindsey Stirling hasta la fecha, una visión artística que reflexiona sobre la sabiduría interior, la fortaleza personal y la naturaleza cambiante de la identidad.&nbsp; &nbsp;Creado por productores y coautores como Graham Muron (Thirty Seconds to Mars, Skrillex) y Lucky West (Walk the Moon, Dreamers), Duality (el séptimo álbum de estudio de Stirling) incluye doce temas que destacan su musicalidad refinada y su talento para crear melodías profundamente expresivas. &nbsp;Duality Tour comenzó en julio de 2024 y ha incluido 76 presentaciones a lo largo del año y pronto la veremos en Argentina cuando se presente el 30 de septiembre en el Gran Rex. &nbsp;&nbsp;

La reconocida violinista, bailarina e intérprete presenta su “Duality Tour” con un show que combina música, danza y una puesta única.

La reconocida violinista, bailarina e intérprete presenta su “Duality Tour” con un show que combina música, danza y una puesta única.

Lindsey Stirling regresa en septiembre a la Argentina 

La artista rosarina SOLCA presenta “HACELA BIEN”, su nuevo single y último adelanto de su próximo disco. Más que una canción, se trata de una declaración donde no pide permiso, no negocia su identidad y se planta con una certeza incómoda para algunos y cautivadora para muchos, abrazando con total naturalidad su forma de sentir y desear.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DW4_I-ICAQq/"></oembed></figure>Compuesta, grabada y preproducida por la propia SOLCA entre 2024 y 2025, la canción nació de un impulso inmediato, casi urgente. En una sola jornada, desde la intimidad de su departamento, dio forma a este track que canaliza una actitud rockera, desafiante y juguetona, históricamente negada a las mujeres dentro de la escena. “HACELA BIEN” no busca agradar, busca decir. Y lo hace a los gritos. &nbsp; “Es un statement de personalidad. No me quiero vender. Soy así: una mina que hace rock y canta sobre cuánto le gustan las minas. ¿Y?”, expresa la artista, dejando en claro el espíritu que atraviesa toda la obra.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=0EseFyLBKkE&amp;list=RD0EseFyLBKkE&amp;start_radio=1"></oembed></figure> La producción y mezcla estuvo a cargo de Lautaro Suárez (JOYSTICK), con quien SOLCA viene trabajando en su próximo disco, mientras que el mastering fue realizado por Billie Gomez, consolidando un sonido potente, directo y sin concesiones.El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Ligia Majul, con idea y producción ejecutiva compartida junto a la propia SOLCA. La pieza audiovisual refuerza el universo estético de la artista, con un equipo creativo que incluye a Bárbara Volpatti en producción, Celso Florance en dirección de fotografía y montaje, y Carla Castelli en dirección de arte, entre otros.

La artista rosarina SOLCA presenta su nuevo single y último adelanto de su próximo disco.&nbsp;

La artista rosarina SOLCA presenta su nuevo single y último adelanto de su próximo disco.&nbsp;

SOLCA grita su verdad en “Hacela bien”, un single crudo, desafiante y sin filtros

La banda Winona Riders presentó “0%”, su quinto álbum de estudio, en el que retoma y potencia el sonido abrumador, inconformista y visceral que la caracteriza.A lo largo del disco, el quinteto construye una narrativa atravesada por tensiones contemporáneas: críticas al mundo actual, reflexiones sobre la fe, el perdón y la culpa, así como también relatos de traición, hartazgo y vértigo. El resultado es una obra que funciona como una radiografía emocional del presente, con una impronta tan combativa como introspectiva.<h4>Un sonido que se expande</h4>Con una base marcada por el rock, pero abierta a nuevas texturas, “0%” incorpora actitud punk, pasajes electrónicos y matices dub que amplían el universo sonoro de la banda. Esta combinación le permite a Winona Riders moverse en un terreno denso, por momentos asfixiante, pero también dinámico y maleable.En ese recorrido, la oscuridad aparece como eje dominante, aunque no de manera estática: fluctúa, se transforma y deja espacio a momentos de mayor luminosidad, donde emergen climas de calma y expansión.<h4>Entre la tensión y la búsqueda</h4>El álbum se sostiene sobre una tensión constante, tanto en lo musical como en lo conceptual. Las canciones exploran la necesidad de nuevos estímulos en un contexto saturado, al tiempo que plantean interrogantes sobre los vínculos, la espiritualidad y las contradicciones del presente.En palabras del propio grupo, “la batalla, hace ya un largo rato, es cuerpo a cuerpo”, una definición que sintetiza el espíritu del disco: directo, frontal y sin concesiones.Con “0%”, Winona Riders no solo reafirma su identidad, sino que también amplía sus límites, consolidándose como una de las propuestas más intensas y desafiantes de la escena actual.

En su quinto disco de estudio, la banda profundiza su identidad sonora con una propuesta intensa que cruza rock, punk y electrónica, atravesada por críticas sociales y reflexiones existenciales.

En su quinto disco de estudio, la banda profundiza su identidad sonora con una propuesta intensa que cruza rock, punk y electrónica, atravesada por críticas sociales y reflexiones existenciales.

Winona Riders lanza “0%”, su álbum más crudo y combativo

Bestia Bebé vuelve al patio del Konex el próximo sábado 18 de abril con el segundo corte de su nuevo álbum "Si me voy no significa que te quiera menos", que cuenta con la participación de Diego Ibáñez, voz de Carolina Durante.&nbsp;Las entradas se pueden adquirir en la plataforma del Konex y se consiguen desde $20.000, con descuentos de hasta 30% con Comunidad Konex, FutuRock e Indie Hoy.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=-u_Qd4oK_mM&amp;list=RD-u_Qd4oK_mM&amp;start_radio=1"></oembed></figure>La canción cuenta una caída desde adentro. Alguien que deja de buscar excusas y entiende que muchas veces el problema es propio: decisiones que se repiten, errores que vuelven y terminan en el mismo lugar. Desde ahí, la letra avanza sin vueltas, directa.En lo musical, el tema arranca al hueso: guitarra y voz, con un cruce entre Tom Quintáns y Diego Ibáñez que se siente cercano. Después explota en un estribillo pop rock que levanta la intensidad y repite la frase central como si fuera una idea que no se puede soltar.“Si me voy no significa que te quiera menos” fue grabado, producido y mezclado por Felipe Quintans en el estudio Resto del Mundo. Es un nuevo paso en lo que la banda viene mostrando y otro adelanto de lo que será su próximo disco.

El show será el próximo sábado 18 de abril y las entradas se pueden adquirir en la plataforma del Konex y se consiguen desde $20.000.

El show será el próximo sábado 18 de abril y las entradas se pueden adquirir en la plataforma del Konex y se consiguen desde $20.000.

Bestia Bebé vuelve al Konex y presenta "Si me voy no significa que te quiera menos", el nuevo adelanto de su próximo disco

Elena Rose se prepara para dar inicio a su gira latinoamericana, que comenzará el 16 de abril y la llevará por distintas ciudades de la región antes de su llegada a Buenos Aires. &nbsp;El próximo 7 de mayo, la artista venezolana se presentará por primera vez en el país en el C Art Media con Bendito Verano, su álbum debut, en un show íntimo y emocional que invita a dejar atrás el invierno personal y conectar con un verano interno donde la música se vuelve refugio, verdad y libertad.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/13/elena5057_.png"></figure>Su álbum debut Bendito Verano marcó un punto de inflexión en su carrera, superando los 100 millones de reproducciones en Spotify y posicionándola en rankings internacionales como los de Rolling Stone. Además, fue invitada por Ed Sheeran a compartir escenario en Ciudad de México, reafirmando su proyección global. &nbsp;El show en Buenos Aires será un hito: no solo marcará su primera vez en el país, sino también la llegada de una de las voces más personales y sensibles del pop latino contemporáneo, en un momento clave de expansión internacional. &nbsp;

La artista venezolana se prepara para presentar su primer álbum en vivo en una experiencia íntima y emocional.

Elena Rose inicia su gira Latinoamericana y llega con su presentación en Argentina

Laura Pausini deslumbró a su público este fin de semana en el microestadio de Villa Crespo. Para homenajear a la música argentina, la artista italiana invitó a Fito Páez a cantar Mariposa Tecknicolor.<h4>Fotos</h4><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/13/Laura_Pausini_-_Movistar_Arena_-_Bs._As._-_Aregentina_-_Ake_Music_-_@DeeFiora-34802013_.jpg"></figure>&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/13/Laura_Pausini_-_Movistar_Arena_-_Bs._As._-_Aregentina_-_Ake_Music_-_@DeeFiora-34958009_.jpg"></figure>&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/13/Laura_Pausini_-_Movistar_Arena_-_Bs._As._-_Aregentina_-_Ake_Music_-_@DeeFiora-35238583_.jpg"></figure>&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/13/Laura_Pausini_-_Movistar_Arena_-_Bs._As._-_Aregentina_-_Ake_Music_-_@DeeFiora-36008214_.jpg"></figure>&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/13/Laura_Pausini_-_Movistar_Arena_-_Bs._As._-_Aregentina_-_Ake_Music_-_@DeeFiora-38787832_.jpg"></figure>&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/13/Laura_Pausini_-_Movistar_Arena_-_Bs._As._-_Aregentina_-_Ake_Music_-_@DeeFiora-40823462_.jpg"></figure>

Este fin de semana, la italiana demostró que sigue vigente como una de las voces más potentes. Además, invitó a Fito Páez para homenajear a la música argentina.

Este fin de semana, la italiana demostró que sigue vigente como una de las voces más potentes. Además, invitó a Fito Páez para homenajear a la música argentina.

Laura Pausini en Buenos Aires: las mejores fotos de su show

Nota escrita por Lautaro MangasEn un Niceto Club colmado y con entradas agotadas, La Grecia presentó oficialmente Lady Garron e hizo temblar la noche del histórico escenario de Palermo. Con Martín "Chino" Benítez en la voz, Dylan Sorokin y Benjamín Puelles en las guitarras, Joaquín Wittenstein en el bajo y Valentino Wengrovski en la batería, la banda llegó al escenario de Niceto tras un 2025 de puro despegue y para sellar su consolidación como una de las nuevas caras del rock de la escena emergente argentina.La noche comenzó con "Descansar", uno de los hitazos del nuevo álbum y atravesó la discografía completa de la banda. Sonaron temas del primer disco y hasta “Me muero" de los Guasones, banda a la que le abrieron show en alguna oportunidad.Con una identidad que rescata lo más clásico del género, con raíces en el rock barrial e influencias internacionales como The Rolling Stones y AC/DC, la banda tiñó la noche porteña y le dio a su público el rock &amp; roll que habían ido a escuchar. El público no se quedó atrás, el show transcurrió entre pogos y hasta el Chino Benitez se tiró sobre el público para interpretar "Dámelo" uno de los temas que más prendieron a la multitud.El sonido crudo, potente y atrevido de La Grecia parece ir a contramano de la época, más parecido al rock que sonaba cerca de los años 2000, renueva la escena porteña desde las bases y se ubica como una de las promesas del rock nacional. Tras más de una hora de show, la banda cerró con un tema inédito que, prometieron, estará en el próximo disco.La banda nacida en 2022 ya se presentó en Groove, The Roxy Live, Matienzo, Polo Cultural Saldías y formó parte de festivales como Baradero Rock, Festival Saldías Polo Cultural y Medio y Medio. El 2025 lo cerraron con una extensa gira bonaerense y este 2026, además de la presentación en Niceto, cruzaran el charco para tocar por primera vez en Montevideo.&nbsp;Nota escrita por Lautaro Mangas

Después de un 2025 de mucho crecimiento la banda se subió al escenario de Niceto Club para presentar su segundo disco.

Después de un 2025 de mucho crecimiento la banda se subió al escenario de Niceto Club para presentar su segundo disco.

Rock & Roll por las venas: La Grecia presentó Lady Garron

"Queríamos vivir de esto y había que hacerlo al extremo", dicen Joan Manuel Pardo y Santiago Luis, todavía con la adrenalina del show en Rock en Baradero 2026. No es una puesta en escena, Camionero realizó cerca de 80 fechas en 2025 con viajes por todo el país y su festival Tracción a Sangre, que integra el arte, diseño y contracultura, fue en franco ascenso, al punto de que en marzo se realizó en el C Art Media junto con la participación de Rocambole.La historia de Camionero se construyó a pulmón desde la zona norte del conurbano. Santiago es arquitecto de profesión y Joan Manuel, profesor de Filosofía, que amaban la música. Se conocieron en el bar Warhol de Olivos, cuando cada uno tenía su banda y sus destinos se unieron: primero fundaron el sello independiente "Cordillera" y posteriormente decidieron formar su banda.&nbsp;"Empezamos a producir bandas del sello durante 2 años y un día pintó: 'Che, si hacemos algo nosotros más allá del sello'. Ya nos habíamos cansado un poco del sello... nos sentamos en la sala y ahí como que explotó, empezaron a salir los temas", contó Joan Manuel.&nbsp;También te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2026/04/04/rock-en-baradero-or-del-pulso-emergente-de-camionero-y-autos-robados-a-la-consagracion-de-la-vela-las-pelotas-y-kapanga">Rock en Baradero: del pulso emergente de Camionero y Autos Robados a la consagración de La Vela, Las Pelotas y Kapanga</a>.Al principio fue puro rock and roll y blues, pero pronto se abrieron a otros sonidos. Lo que nunca cambió fue la intensidad: "Siempre tocamos mucho. Siempre", enfatizan. El festival Tracción a Sangre fue el verdadero punto de inflexión de la banda. Arrancó como una fecha mensual para 500 personas y terminó en Vorterix con cuatro funciones seguidas y el último fue el C Art Media. En ese ciclo se gestó la comunidad Camionera que hoy los acompaña a todos lados.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=tqUg7zL9bkw"></oembed></figure>La identidad de la comunidad es fuerte. De los ciclos de Tracción a Sangre, el público destacaba que habían parches para coser en las camperas y mochilas, así como también Santiago recuerda que, pese a que las entradas físicas ya eran parte del pasado, ellos realizaban algunas personalizadas con el logo de la banda para darle al público. "Queríamos darle a la gente algo para que se lleve. En la primera fecha que hicimos para 500 personas, hicimos 500 parches, los regalábamos y los cosíamos", cuentan sobre estos gestos de pertenencia.Ese vínculo aún hoy lo valoran. "La gente se caía arriba del escenario, revolvían birra y llenaban de birra mientras tocabas. Eso está lindo", recuerdan, convencidos de que la música es también un espacio de familia.&nbsp;Córdoba se podría describir como la "provincia más Camionera". Si bien Joan Manuel y Santiago giran de norte a sur, en auto, y reconocen que es más sencillo al ser un dúo; explican que, hace poco volvieron de la tierra de la Mona Jiménez, y les llevó "16 giras poder llenar el Club Paraguay", que es para 1.000 personas. "Fuimos desde las primeras épocas, a morir", asegura Santiago.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/04/13/CAMIONERO_POR_DIEGO_HOMEZ_39252_.jpg"><figcaption>Camionero: "Queríamos vivir de esto y había que hacerlo al extremo" | Foto: Diego Homez.</figcaption></figure>Actualmente, Camionero prepara su tercer álbum de estudio, que confirmaron que tendrán diez canciones y aún no tienen terminado. Sin embargo, la presentación ya tiene fecha: se presentará el 23 mayo en el Teatro Flores. "Es inminente. Hemos hecho cosas en peores situaciones", aseguran.&nbsp;Camionero es hoy una de las bandas que mejor encarna el espíritu autogestivo del rock nacional, con trabajo constante, cercanía con el público y la convicción de que la cultura se construye colectivamente. "Tratamos de demostrar que se puede sin necesitar de nadie más allá de vos y tu grupo de amigos", concluyen.

Camionero presenta su tercer álbum de estudio el 23 de mayo en el Teatro Flores | Foto: Diego Homez.

El dúo de Joan Manuel y Santiago recorre las rutas argentinas desde hace ocho años. Mientras terminan su tercer disco, que presentarán el 23 de mayo en el Teatro Flores, refuerzan una apuesta propia: "Tratamos de demostrar que se puede".

El dúo de Joan Manuel y Santiago recorre las rutas argentinas desde hace ocho años. Mientras terminan su tercer disco, que presentarán el 23 de mayo en el Teatro Flores, refuerzan una apuesta propia: "Tratamos de demostrar que se puede".

Camionero, del under al ritual: autogestión, ruta y una comunidad que no para de crecer

Alejandro Lerner sorprendió a los vecinos de Palermo al presentarse con su piano en plena calle, para lanzar su nueva canción "Dejame Volver", que ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.El reconocido músico está lanzando su nuevo material que se suma a sus más de 20 discos de estudio de cara a un nuevo encuentro con sus fans el próximo 26 de abril en el Teatro Gran Rex.&nbsp;Desde sus redes Lerner mostró cómo se llevó a cabo la jornada del lanzamiento mundial de la nueva canción e invitó a quienes quisieran a presenciar de una muestra del tema en vivo.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DW7UEHNEcKh/?hl=es-la"></oembed></figure>Dejame volver, es una balada introspectiva que vuelve a traer a escena al mítico artista que en 2025 recibió la máxima distinción oficial que otorga Argentina a un artista nacional como "Personalidad Emérita de la Cultura de la Nación".&nbsp;Este nuevo single anticipa lo que será su próximo álbum, que llega después de 10 años de espera! Y es antesala de su proximo show del 26 de abril en el Teatro Gran Rex.&nbsp;

El artista está presentando su nuevo trabajo "Dejame Volver", mientras se prepara para el encuentro con sus fans este 26 de abril en el Teatro Gran Rex.&nbsp;

El artista está presentando su nuevo trabajo "Dejame Volver", mientras se prepara para el encuentro con sus fans este 26 de abril en el Teatro Gran Rex.&nbsp;

Alejandro Lerner sorprendió a los vecinos de Palermo al presentarse con su piano en plena calle

En medio del contexto social, político y económico complejo, David Tagger lanzó "El Poder de los Olvidados", un álbum que nació de un show "especial" que dio el músico en el Hospital Borda en 2023 y que, según él mismo define, le cambió la forma de entender para qué hacer música. A eso, se le sumó el clima de época, atravesado por el avance de la ultraderecha y un corrimiento cultural que también lo llevó a profundizar en el concepto del disco."‘El poder de los olvidados’ nace de un show chiquitito que di en el Borda. Era la primera vez que iba a tocar ahí y no sabía qué iba a pasar. Les habían dicho allá: ‘Viene este chico que toca con León Gieco’… y les chupó un huevo. Ahí sos lo que sos en ese momento. No importa con quién tocaste, ni qué hiciste. Sos lo que pasa en ese momento. Y fue hermoso, porque nos pusimos a cantar cualquier cosa, a divertirnos", recuerda David.Allí, los pacientes lo motivaron a cantar The Beatles en conjunto y, en medio de un momento de alta productividad compositiva, a pensar un proyecto más colectivo. "Empecé a ver que mis canciones podían ser una herramienta para conectar con otros", explica. De ahí, no solo nació la idea de un álbum colectivo sino también "Encuentro Beatle", un ciclo musical que homenajea a la banda de Liverpool con diferentes artistas. En años donde el individualismo gana terreno, David apuesta a lo contrario: el encuentro.&nbsp;También puede interesarte: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://filo.news/noticia/2026/02/16/cosquin-rock-2026-la-noche-en-que-leon-gieco-unio-generaciones-y-fue-ovacionado">Cosquín Rock 2026: la noche en que León Gieco unió generaciones y fue ovacionado</a>"El Poder de los Olvidados" refleja esa lógica, no solo en su origen, sino también en su construcción, ya que es un disco grabado de manera independiente, en su propia casa, que fue creciendo a partir de vínculos, afinidades y cruces generacionales. Cuenta con colaboraciones que van desde Nito Mestre hasta Ciaro Spinetta, pasando por Lula Bertoldi, Gustavo Santaolalla y León Gieco. Se presentará oficialmente el <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://tickets.latangente.com.ar/musica/david-tagger">próximo 4 de junio en La Tangente</a>, en un show que promete ser multitudinario: “Es el solista menos solista del mundo”, define entre risas.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=3PaeUjzdXyo&amp;list=OLAK5uy_nwqYCK0FmyPOkwehQqUWZL90Z45SEyfn4&amp;index=11"></oembed></figure>Detrás del músico y su prometedor presente, hay una historia que también explica el recorrido. David creció en La Boca, en una familia atravesada por el arte y la militancia, donde la música convivía con la precariedad. Autodidacta, aprendió a tocar solo, sacando canciones de oído en una casa donde, como él mismo cuenta, "no había juguetes". "Tenía una pelota, una guitarra de mi vieja y un piano. Era eso o la calle", recuerda."Y en un momento bastante heavy de mi vida, la música fue el refugio", añade. David empezó a sacar canciones de oído sin saber que eso era una virtud: "Pensaba que todo el mundo lo hacía. Tocaba horrible, era insoportable para el resto, pero no podía parar", dice entre risas. A los 15 años, el descubrimiento de Oasis, le cambió la perspectiva. “Los veo en un videoclip, con camperones, vestidos como nosotros en el barrio, y dije: 'Esto se puede hacer desde donde estoy'. Me identifiqué. No era solo la música, era la actitud. Era ver que eran pibes como nosotros y que habían llegado", reconoce, al mismo tiempo que asegura que vivió la vuelta de la banda de Manchester como si no hubiera mañana.&nbsp;Ese origen continúa latente a lo largo de su historia: “Hay momentos donde me sale ese pibito de La Boca que no se imaginaba nada de esto. Un día me invita a almorzar León (Gieco) --que no es poca cosa-- y me dice: ‘Estoy con un amigo’ y era Nito Mestre. Y yo necesitaba decirle a alguien: ‘Boludo, estoy acá con ellos’. No es cholulismo, es de verdad. Hay cosas que todavía no puedo creer”, admite.La relación con León es de amistad y confianza, cada tanto desayunan, almuerzan, intercambian mensajes, un vínculo cerano. Aunque David reconoce que sigue teniendolo agendado como "León Gieco" para no olvidarse del gran músico que es su amigo. La relación con Nito, que llegó por Gieco llevó a que el exSui Generis formara parte de "El Poder de los Olvidados" en la canción "Solo con verte", que grabó en EEUU porque estaba de gira.&nbsp;Junto a Lito Vitale, León y Nito cierran un álbum que cruza generaciones y arranca con Ciaro Spinetta, el nieto del flaco, en "Pienso en los demás"; pasa por voces como las de Maggie Cullen y Mila Andersen de El Plan de la Mariposa con canciones como "Promesas que nunca harás" e "Y nada más", respectivamente. También cuenta con la participación de Raul Ruffino y Willi Piancioli de Tipitos en "Estoy Perdido" y "Nuevo cambio de estación", y Lula Bertoldi de Eruca Sativa en "Sorprendeme al despertar". &nbsp;“No invité por nombres. Invitaba a quien sentía que estaba en la misma sintonía. Y a medida que se sumaba uno, era más fácil que se sume otro. Pero no era una estrategia. Era: tengo esta canción y siento que te puede quedar bien”, señala David.&nbsp;Del álbum también participan el multiinstrumentista Manu Sija en "Pajaro sin destino" y Javier Casalla la canción que le da nombre al disco, aportando su violín. Denominado "el violinista del rock", Casalla supo grabar con bandas como Babasónicos, Bersuit Vergarabat y Bajofondo, una banda de tango electrónico liderada por Gustavo Santaolalla, quien también participa en "En busca de los sueños", la anteúltima canción de su álbum. "Pienso estar acá" es el único tema que no cuenta con la colaboración de un artista, sino que tiene a Tagger en soledad.Sobre el resultado de "El Poder de los Olvidados", David destaca que estuvo atravesado por lo humano y lo analógico: “Está grabado como a la antigua. No sé usar afinadores, no sé hacer esas cosas. Lo que canté es lo que quedó. Se escucha la respiración, el roce de la guitarra".<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=S9BBihudx0Q&amp;list=OLAK5uy_nwqYCK0FmyPOkwehQqUWZL90Z45SEyfn4&amp;index=2"></oembed></figure>Después de la presentación oficial en La Tangente, vendrán fechas en el interior y, más adelante, un nuevo disco que ya está en camino. "Ya tengo un montón de canciones nuevas. Pero ahora quiero tocar este disco. Porque en vivo es otra cosa. Ahí es donde todo cobra sentido", asegura.&nbsp;

David Tagger presenta El Poder de los Olvidados en La Tangente el próximo 4 de junio | Foto: gentileza de prensa.

El Poder de los Olvidados nació después de un show en el Borda. Un álbum que cruza generaciones y se apoya en el encuentro y lo colectivo, en medio de un corrimiento que empuja, cada vez más, hacia el individualismo.

El Poder de los Olvidados nació después de un show en el Borda. Un álbum que cruza generaciones y se apoya en el encuentro y lo colectivo, en medio de un corrimiento que empuja, cada vez más, hacia el individualismo.

“Ahí no importa con quién tocaste”: David Tagger, de un show en el Borda a un disco colectivo que cruza generaciones

“He visto” es la primera canción que la banda da a conocer de su próximo material discográfico que viene con aires nuevos. Con una sonoridad poderosa relata, como una suerte de cronista, diferentes postales de nuestros días: los pájaros, la libertad, los sueños, el corazón, la hermandad, la claridad y los infiernos. Esos días pasan en busca de "ese rato de paz…" &nbsp;El videoclip acompaña esta esencia mostrando el contraste de diferentes personajes entre lo que son y lo que quieren ser. Atravesados cada uno por su realidad, anhelan ser o hacer diferente, para finalmente, tal vez, encontrar ese rato de calma.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Ptm5FU2Xwyc&amp;list=RDPtm5FU2Xwyc&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Tras su última obra “Quién Autoriza?” (2023), un disco como forma de resistencia, con todo su poderío discursivo y musical. La Chancha Muda ofrenda esta canción que formará parte de su próximo álbum a salir en mayo.&nbsp;Un lanzamiento que anticipa luminosidad sin dejar de lado su lírica profunda y la fuerza que los caracteriza. &nbsp;

Con una sonoridad poderosa relata, como una suerte de cronista, diferentes postales de nuestros días: los pájaros, la libertad, los sueños, el corazón, la hermandad, la claridad y los infiernos. Esos días pasan en busca de "ese rato de paz…". Escuchala acá.&nbsp;

Con una sonoridad poderosa relata, como una suerte de cronista, diferentes postales de nuestros días: los pájaros, la libertad, los sueños, el corazón, la hermandad, la claridad y los infiernos. Esos días pasan en busca de "ese rato de paz…". Escuchala acá.&nbsp;

La Chancha Muda presenta “He visto", primer adelanto de su próximo disco que saldrá en mayo

Tobika atraviesa uno de los momentos más destacados de su carrera y lo reafirma con el lanzamiento de “Dos Horas”, su nuevo single. Luego de su debut en el Lollapalooza Argentina y del impacto viral de “Chika Hippie”, el artista continúa expandiendo su universo musical con una propuesta cada vez más definida.La canción nace a partir de una experiencia personal: una cita que no salió como esperaba y una espera bajo la lluvia que se extendió más de lo previsto. A partir de esa escena cotidiana, Tobika construye un relato cargado de deseo, incertidumbre y tensión emocional.<h4>Una historia nocturna entre frustración y deseo</h4>“Dos Horas” se sitúa en una noche que funciona como escenario emocional. La narrativa avanza entre la frustración por lo que no fue y ese impulso de seguir adelante, incluso cuando algo ya no encaja del todo.El single logra transformar una situación simple en una experiencia intensa, donde conviven la sensualidad, la ironía y una impronta callejera que conecta con vivencias generacionales.<h4>Un sonido que mezcla lo urbano y lo orgánico</h4>En lo sonoro, Tobika profundiza su identidad artística al combinar géneros urbanos con matices nocturnos y elementos orgánicos. La base rítmica sostiene el relato mientras las texturas y climas acompañan la tensión de la historia.Este cruce de influencias refuerza su sello personal, en el que dialogan lo emocional y lo cotidiano con una estética contemporánea.<h4>Un 2026 clave para su crecimiento</h4>El lanzamiento de “Dos Horas” llega en un momento clave para el artista, que viene de presentarse ante más de 1.100 personas en el Auditorio de la Usina del Arte, marcando el inicio de una nueva etapa en vivo.Además, Tobika ya confirmó su gira 2026, con fechas en Uruguay (8 y 9 de mayo), La Plata (17 de mayo), Rosario (21 de mayo) y Córdoba (22 de mayo).Con este nuevo single, el artista continúa consolidándose dentro de la escena, apostando por un sonido propio que conecta con una generación que encuentra en estas historias nocturnas un reflejo de su propia experiencia.

Tras su paso por festivales y el anuncio de su gira 2026, el artista argentino lanza una canción que combina lo urbano con climas nocturnos y una narrativa atravesada por el deseo y la frustración.

Tras su paso por festivales y el anuncio de su gira 2026, el artista argentino lanza una canción que combina lo urbano con climas nocturnos y una narrativa atravesada por el deseo y la frustración.

Tobika presenta “Dos Horas”, su nuevo single inspirado en una cita fallida

Saramalacara acaba de presentar Mataderos, su segundo álbum de estudio y el trabajo que consolida su salto a la escena global del cloud rap y el rage contemporáneo. Editado a través de Interscope Records, el disco reúne a algunos de los productores más influyentes del sonido actual y marca una nueva etapa en su evolución artística.Grabado en Los Ángeles durante 2025 y con producción ejecutiva de Evar y Dayvan, el álbum cuenta con 17 canciones donde Sara expande su universo sonoro sin perder su identidad: atmósferas etéreas, melancolía y melodías suaves que ahora se combinan con la energía filosa del rage.<h4>Un puente entre Mataderos y el mundo</h4>El concepto del disco gira en torno a una tensión central: el regreso simbólico al barrio de Mataderos, donde creció, y su presente en las grandes ligas de la música global.“Me parecía importante irme tan lejos de casa, hacer un disco con una major y aun así ponerle el nombre de mi barrio”, explicó la artista. “Siento que mi música también habita ese intermedio, entre lo under y lo mainstream”.Esa dualidad atraviesa todo el proyecto, tanto en lo sonoro como en lo conceptual, y también en su forma de comunicarse: desde el regreso a plataformas como Facebook hasta el desarrollo de su universo digital con el vlog @saraonline333.<h4>Un equipo de productores de elite</h4>Para Mataderos, Saramalacara trabajó con figuras clave del sonido vinculado al colectivo Opium, como F1lthy, Lucian y Ojivolta, además de colaboradores destacados de la electrónica y el pop experimental como Dylan Brady y Casey MQ.El resultado es un sonido que dialoga con referentes como Playboi Carti, Kanye West y FKA Twigs, pero con una impronta local que lo diferencia.<h4>Nostalgia, barrio y expansión sonora</h4>El eje emocional del disco aparece desde el inicio con “SEÑAL DE DIOS”, el single principal producido por F1lthy y Lucian, donde la artista recorre los restos de una relación en un clima oscuro y despersonalizado.A lo largo del álbum, temas como “DESPACIO” y “CREO QUE NOS PODEMOS IR” trazan su ascenso dentro de la industria, mientras que “EN LA OCULTA” se convierte en uno de los momentos más íntimos, con recuerdos de adolescencia y rituales barriales.La identidad de Mataderos atraviesa todo el trabajo: desde referencias sensoriales como los frigoríficos en “MILLIES PER DAY” hasta la evocación de la infancia en “MTD DREAMS”. En paralelo, tracks como “IK U GONNA DIG THIS” suman una energía lúdica y experimental, ampliando el rango sonoro del disco.El cierre con “TENEMOS PIEL” y “UNO ATRÁS DE OTRO” sintetiza el espíritu del álbum: una mezcla de cloud trap, sensibilidad emo y actitud desafiante.<h4>Un paso clave en su carrera</h4>Con 25 años, Saramalacara ya se posiciona como una de las figuras más innovadoras de la escena argentina. Tras el reconocimiento de Heráldica, incluido entre los mejores discos latinos de 2024 por Rolling Stone, Mataderos lleva su propuesta aún más lejos.El álbum no solo reafirma su lugar en la música local, sino que la proyecta como una artista con alcance global, capaz de moverse entre géneros y escenas sin perder su identidad.<h4>Tracklist de Mataderos</h4> COSAS MALAS EN LA OCULTA SEÑAL DE DIOS TAX FREE GASTANDO RACKS EN DESIGNER MILLIES PER DAY NO TENGO CLASE IK U GONNA DIG THIS ENCIMA DE MI MTD DREAMS CREO QUE NOS PODEMOS IR TIERRA CON CRISTAL DESPACIO 1PM 3FACES FREESTYLE TENEMOS PIEL UNO ATRÁS DE OTRO

La artista argentina presenta su segundo álbum de estudio, grabado en Los Ángeles junto a productores clave del sonido Opium y la escena experimental. Con 17 tracks, fusiona cloud rap, rage e identidad barrial en un proyecto que marca un punto de quiebre en su carrera.

La artista argentina presenta su segundo álbum de estudio, grabado en Los Ángeles junto a productores clave del sonido Opium y la escena experimental. Con 17 tracks, fusiona cloud rap, rage e identidad barrial en un proyecto que marca un punto de quiebre en su carrera.

Saramalacara lanza “Mataderos”, su disco más ambicioso y con proyección global

"Loco tu forma de ser" es el adelanto del primer disco en VIVO de SER, “La Vida Baila Live Session”. &nbsp;Un proyecto audiovisual grabado a 5 cámaras en mano en Buenos Aires (Argentina), el cual se irá revelando canción a canción.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=FiDm9wKNdI0"></oembed></figure>Un tema que cantamos todos, ahora en versión SER, uptempo y en vivo. Contará con invitados deluxe: Willy Rangone de Los Cafres y Fapeto de Choque Urbano.

Se trata del adelanto del primer disco en VIVO de SER: “La Vida Baila Live Session”.&nbsp;

Se trata del adelanto del primer disco en VIVO de SER: “La Vida Baila Live Session”.&nbsp;

SER reversiona el clásico del rock nacional: “Loco tu forma de SER” de Los Auténticos Decadentes

El artista certificado platino y nominado al Latin Grammy Manuel Turizo presenta APAMBICHAO, su nuevo álbum de estudio bajo el sello La Industria INC, una producción que combina latin pop y latin urban para celebrar la identidad cultural de Colombia a través de su música, sus tradiciones y la esencia vibrante de su gente.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=sL_bM_TJG14&amp;list=RDsL_bM_TJG14&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Con APAMBICHAO, Turizo construye un proyecto profundamente inspirado en las raíces de su país. El álbum captura la energía de las calles colombianas, sus colores, su gastronomía, los raspados que se venden en cada esquina, la autenticidad de su gente y la atmósfera tropical que define gran parte de su identidad cultural. A lo largo de quince canciones, el artista presenta una narrativa sonora que mezcla romance, ritmo y una fuerte conexión con el Caribe.En el universo de Turizo, Apambichao es un estado emocional, un mood que invita a vivir con flow propio y sin pretensiones.El primer sencillo del álbum, “Apambichao”, en colaboración con Maluma, ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. La canción marca el tono del proyecto con una propuesta que mezcla sensualidad, ritmo y el espíritu festivo que caracteriza el sonido contemporáneo colombiano.El focus track del álbum, “Te hacen falta dos”, se estrena acompañado de un video oficial que refleja la esencia del proyecto en una pieza audiovisual llena de color, movimiento y referencias visuales a la cultura colombiana, reforzando el concepto artístico del álbum.El lanzamiento de APAMBICHAO también llega acompañado de una serie de visualizers que amplían el universo visual del proyecto, incluyendo “Dos Lunas”, “Cumbia Playera” junto a Emilia, “No me mientas así” con Dei V, “Sunset en la Sanse” junto a Dálmata, “Te creo”, “La Buena Mujer” con Luis Alfonso, “Plo plo plo”, y “Mi loca” con Xavi, entre otras piezas que acompañan el lanzamiento del álbum.Con APAMBICHAO, Manuel Turizo continúa consolidando su posición como una de las voces más influyentes de la música latina contemporánea, presentando un proyecto que conecta con sus raíces mientras expande su propuesta artística a nuevas dimensiones sonoras. &nbsp;

En el universo de Turizo, Apambichao es un estado emocional, un mood que invita a vivir con flow propio y sin pretensiones.

En el universo de Turizo, Apambichao es un estado emocional, un mood que invita a vivir con flow propio y sin pretensiones.

Manuel Turizo presenta su nuevo álbum “Apambichao”, un homenaje musical a Colombia

Kany García, una de las cantautoras más respetadas y consistentes de la música latina, presenta Puerta Abierta, su décimo álbum de estudio. Este nuevo proyecto marca un momento clave en su carrera: un trabajo construido desde la reconexión con lo emocional, la honestidad artística y una conversación íntima entre quien es hoy y la niña que fue.Puerta Abierta es un álbum de 11 temas que conecta distintas generaciones a través de una mezcla de géneros. El álbum incluye influencias tropicales en “Amor Bonito” con Juan Luis Guerra, así como una colaboración con tintes de corrido norteño en “La Mala Era Yo” con Yuridia. También cuenta con participaciones destacadas de Nathy Peluso en “Gatita” y Rawayana en “La Culpa”.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=YGIC9rxjqBI&amp;list=OLAK5uy_n0YF6LlCS5tq2IDkVohZ2VTarcGTPJvyU&amp;index=1"></oembed></figure> Tras el lanzamiento de los tres primeros singles del álbum, “Tierra Mía”, “La Mala Era Yo” con Yuridia, y “Amor Bonito” con Juan Luis Guerra, este nuevo proyecto expande el universo emocional y narrativo que comenzó a tomar forma en esos temas. Si su álbum anterior, GARCÍA, llevó su apellido y fue percibido como su proyecto más íntimo, Puerta Abierta es, en palabras de la propia artista, el que verdaderamente nace desde su interior. “Hay momentos, conversaciones o situaciones que te empujan a hacer cosas que quizás no te habías atrevido antes", comparte García. “Con mi disco anterior, mucha gente sintió que era muy personal por llevar mi apellido. Pero este, honestamente, es el que más se acerca a lo que soy por dentro.”En el corazón de Puerta Abierta hay una idea sencilla pero poderosa: Kany adulta hablándole a su versión más joven. Introducida desde el teaser del álbum a través de un diálogo imaginado con “Kany”, su niña interior, la artista reflexiona sobre identidad, resiliencia, ternura y autoconocimiento. En ese primer teaser, le dice a su niña interior: “No te olvides de ti. Ámate profundamente.”Esa arquitectura emocional forma todo el proyecto. García describe Puerta Abierta como la unión entre “mi corazón de niña y mi mente de adulta”, un espacio donde la memoria se convierte en la narrativa y el pasado se revisita no solo desde la nostalgia, sino desde la claridad.A nivel sonoro, el álbum también representa un regreso a sus orígenes. Profundamente conectado con su sensibilidad puertorriqueña, Puerta Abierta la reconecta con las texturas, ritmos y códigos emocionales que definieron su relación con la música desde el principio. Aunque en proyectos recientes exploró nuevos territorios sonoros, aquí vuelve a centrar la composición y la carga emocional que siempre han caracterizado su voz.“Tierra Mía”, el primer adelanto del álbum, reflejó ese regreso inmediatamente. Construida alrededor del sentido de pertenencia, la memoria y la preservación de la cultura, la canción se convirtió en un retrato emocional de su hogar a través de su inconfundible narrativa. Su video, filmado en Puerto Rico, reforzó esa intimidad con imágenes de lo cotidiano, la infancia y la identidad isleña.Con “La Mala Era Yo”, junto a Yuridia, García profundiza aún más hacia lo interno, explorando la responsabilidad emocional, el desamor y la madurez desde un diálogo entre dos de las voces más poderosas de la música latina. La canción introduce la primera colaboración del álbum y amplía su temática inicial: cómo lo personal se convierte en un lenguaje compartido.El focus track del álbum, “Amor Bonito”, junto al icónico artista dominicano Juan Luis Guerra, es una canción de amor alegre, con tintes tropicales, y una colaboración que Kany García había soñado durante años. Con una base de calidez y simplicidad, el tema se desarrolla como un merengue pambiche, una versión más lenta, sabrosa y relajada del ritmo tradicional, con cada detalle cuidadosamente considerado, hasta la grabación de toda la percusión en la República Dominicana. La colaboración surgió de un proceso creativo cercano entre García y Guerra. Captura un tipo de amor más maduro y duradero, moldeado por el tiempo, el esfuerzo y una conexión profunda, reflejado en su coro: “Un amor bonito, como los de antes, de ese milagrito que ha llegado para quedarse… ay un amor bonito, que sabe a festejo, a noches de luna, a copas de vino y a colchón viejo.”A lo largo de Puerta Abierta, García reafirma lo que ha definido su carrera por casi dos décadas: transformar experiencias profundamente vividas en canciones que conectan de inmediato con otros. Pocos artistas en la música Latina han logrado sostener ese nivel de conexión sin perder su esencia como compositores.Ganadora de 7 Latin Grammys, García ha construido una carrera única en la música latina, donde la intimidad de sus canciones sigue expandiéndose junto con su impacto global. Su catálogo supera el billón de reproducciones en Spotify, acumula más de 3.7 mil millones de vistas en YouTube y reúne una comunidad de más de 14 millones de seguidores en redes sociales. Más allá de los números, se mantiene como una de las pocas cantautoras contemporáneas capaces de llenar grandes arenas en Estados Unidos, América Latina y Europa a través de la fuerza de su narrativa.Kany posee una habilidad poco común para conectar con audiencias en grandes arenas y en entornos íntimos, gracias a su musicalidad, su precisión emocional y la autenticidad de sus experiencias.Esa conexión seguirá creciendo este año con una de las giras más ambiciosas de su carrera. Su nuevo tour mundial comienza el 17 de abril en Ciudad de México y llegara a Argentina el 27 de agosto en el Arena.<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.movistararena.com.ar/show/c8a9f0ef-0692-42f0-b28d-3c95f5c45071"> Entradas acá.</a> &nbsp;

La ganadora de 7 Latin Grammy’s regresa a sus raíces con un proyecto marcado por la memoria, la identidad y un diálogo imaginado entre su yo adulto y la niña que aprendió a contar historias.&nbsp;

La ganadora de 7 Latin Grammy’s regresa a sus raíces con un proyecto marcado por la memoria, la identidad y un diálogo imaginado entre su yo adulto y la niña que aprendió a contar historias.&nbsp;

Kany García abre su capítulo más personal con “Puerta Abierta”, su décimo álbum de estudio

Reality Awaits, el séptimo álbum de estudio de The Strokes, está previsto para salir el 26 de junio a través de Cult Records/RCA Records. Mientras tanto "Going Shopping" ya está disponible. Grabado en Costa Rica con el productor Rick Rubin y finalizado alrededor del mundo, Reality Awaits marca la primera música nueva de la banda desde el muy aclamado The New Abnormal de 2020 y las extensas giras globales que lo siguieron.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DW1mzHJESfl/"></oembed></figure> The Strokes tocarán en festivales importantes de todo el mundo esta temporada, incluyendo este fin de semana y el próximo en Coachella, además de fechas como cabezas de cartel en Bonnaroo, Outside Lands, el Summer Sonic 2026 de Japón y más.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=zgaLAliC3-8&amp;list=RDzgaLAliC3-8&amp;start_radio=1"></oembed></figure> The Strokes son una banda de la ciudad de Nueva York. Desde su debut en 2001, su querida discografía ha definido el sonido de una generación. &nbsp;

Se trata del séptimo álbum de estudio de The Strokes y está previsto para salir el 26 de junio.

Se trata del séptimo álbum de estudio de The Strokes y está previsto para salir el 26 de junio.

The Strokes anuncia su nuevo álbum: "Reality Awaits"

El próximo 2 de mayo a las 21hs, el predio de Tecnópolis será escenario de “Leyendas de México lll”, un evento imperdible que reunirá a grandes exponentes de la música romántica y tropical mexicana en una noche cargada de nostalgia, emoción y clásicos inolvidables. El público podrá disfrutar de un show único que revive canciones que marcaron generaciones, con artistas icónicos que siguen vigentes en toda Latinoamérica.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DWbkTw0jiZm/?img_index=1"></oembed></figure>Los shows estarán a cargo de:&nbsp;BXS BryndisHerederos del legado del histórico Grupo Bryndis, esta formación mantiene viva la esencia de la balada grupera romántica. Con una trayectoria que nace de una de las agrupaciones más influyentes del género —ganadora del Latin Grammy—, BXS continúa interpretando clásicos como “Otro ocupa mi lugar” y “Te vas con él”, conectando con el público a través de letras profundas y melodías cargadas de sentimiento. Su estilo fusiona cumbia, balada y música regional mexicana, consolidándose como referentes del romanticismo latino. Grupo MojadoOriginarios de Tamaulipas, México, Grupo Mojado es una de las bandas más versátiles del movimiento grupero. Con más de tres décadas de trayectoria, han sabido combinar balada, cumbia, pop y ritmos tropicales, logrando éxitos como “Piensa en mí” y “Te felicito” , tema que incluso alcanzó reconocimiento internacional. Su música ha trascendido fronteras, llevándolos a escenarios de América y Europa, y consolidándolos como un grupo que conecta con el amor, el desamor y las emociones más profundas. Grupo ToppazFundado en 1987 en Nuevo León, México, Grupo Toppaz es uno de los pilares del género grupero y de la llamada “cumbia pegassera”. Con un estilo caracterizado por el uso de teclados electrónicos y una fusión entre lo tropical y lo romántico, alcanzaron gran popularidad con temas como “Celoso” y “Rosas rojas”. Su música ha trascendido generaciones y fronteras, siendo especialmente fuerte en países como México, Argentina y Estados Unidos, donde mantienen una base de fans fiel que sigue coreando sus clásicos. Sonora TropicanaReconocida por su energía en vivo y su repertorio festivo, Sonora Tropicana es una agrupación que mantiene viva la esencia de la música tropical bailable. Con un estilo que invita al público a cantar y bailar, han logrado posicionarse como una propuesta ideal para eventos multitudinarios, combinando clásicos del género con una impronta moderna que conecta tanto con generaciones históricas como con nuevos oyentes. “Leyendas de México lll” promete ser mucho más que un show: será un viaje musical a través del tiempo, donde el público podrá reencontrarse con canciones que forman parte de su historia. Las entradas pueden conseguirse <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://linke-arte.com/arg/es/leyendas-de-mexico-3">acá.</a>

El próximo 2 de mayo a las 21hs, el predio de Tecnópolis será escenario de “Leyendas de México lll”, un evento imperdible que reunirá a grandes exponentes de la música romántica y tropical mexicana.

El próximo 2 de mayo a las 21hs, el predio de Tecnópolis será escenario de “Leyendas de México lll”, un evento imperdible que reunirá a grandes exponentes de la música romántica y tropical mexicana.

Leyendas de México lll: Una noche de clásicos, recuerdos y puro sentimiento llega a Tecnópolis

Después de un exitoso 2025, el artista emergente RÁU presenta su nuevo single “Un osito de peluche de Taiwán”, una versión con mucha potencia en clave pop rock del clásico de Los Auténticos Decadentes. El lanzamiento cuenta con la licencia y autorización de su autor, Jorge Serrano, y propone una reinterpretación con impronta contemporánea. Con un enfoque actual y una identidad muy definida, RÁU transforma la canción en un tema con mucha personalidad que refuerza su búsqueda sonora.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=LX9tde8hwts&amp;list=RDLX9tde8hwts&amp;start_radio=1"></oembed></figure> La canción explora el conflicto emocional entre el amor y el anhelo. Sobre una base de pop rock más intensa y dinámica, en donde genera un contraste interesante con la letra original, que utiliza imágenes idílicas para expresar la tensión interna de las relaciones afectivas. El single cuenta con la participación de destacados músicos internacionales: Aaron Sterling en batería —reconocido por su trabajo con Taylor Swift, John Mayer, Lana Del Rey y Sabrina Carpenter—, Martín Delahaye (Julieta Venegas, Beto Cuevas) en bajo y la producción de Peter Akselrad (Lali, Benjamín Amadeo, Mau y Ricky). Las sesiones fueron grabadas entre Nashville, Los Ángeles y Buenos Aires. El lanzamiento está acompañado por un videoclip de tono lúdico en el que un gigante oso persigue a RÁU por las calles y su casa, funcionando como una metáfora visual de la dualidad emocional que atraviesa la canción. RÁU es el proyecto del músico, productor y compositor Felipe Raúl González, radicado en Buenos Aires. Su propuesta fusiona pop alternativo y rock con una sensibilidad cinematográfica, inspirada por artistas como Gustavo Cerati, Charly García, Lorde y Billie Eilish.

&nbsp;El lanzamiento cuenta con la licencia y autorización de su autor, Jorge Serrano, y propone una reinterpretación con impronta contemporánea. Escuchala acá.

&nbsp;El lanzamiento cuenta con la licencia y autorización de su autor, Jorge Serrano, y propone una reinterpretación con impronta contemporánea. Escuchala acá.

RÁU interpreta el hit de los 2000: “Un osito de peluche de Taiwán”

Después de cuatro años, Maroon 5 confirmó su regreso a la Argentina. El esperado reencuentro con el público local será el próximo 3 de septiembre en el Hipódromo de San Isidro, con producción de DF Entertainment.La banda estadounidense, una de las más exitosas del pop global de las últimas décadas, vuelve en el marco de una gira internacional que los tiene recorriendo Estados Unidos y Europa.<h4>Entradas: preventa y venta general</h4>Las entradas estarán disponibles en dos etapas. La preventa comenzará el 14 de abril a las 10:00 horas, mientras que la venta general se habilitará el 16 de abril a la misma hora. La compra se realizará únicamente a través de la plataforma All Access.<h4>Un nuevo disco y un regreso a sus raíces</h4>El show llega tras el lanzamiento de "Love Is Like", el octavo álbum de estudio de Maroon 5, editado en agosto del año pasado.Este trabajo marca un retorno a las formas esenciales de sus inicios, con la composición colectiva como eje del proceso creativo. Además, incluye colaboraciones con artistas del mundo del rap como Lil Wayne, Sexyy Red y Lisa.<h4>Más de dos décadas de hits</h4>Con más de 20 años de trayectoria, la banda construyó una carrera sólida que combina pop, rock y funk. Ganadores de tres premios Grammy y con más de 100 millones de discos vendidos, su impacto global es indiscutido.Su repertorio incluye clásicos como “This Love”, “Sunday Morning”, “She Will Be Loved”, “Moves Like Jagger”, “Payphone” y “Sugar”, canciones que siguen vigentes y acumulan más de 30 mil millones de reproducciones en plataformas digitales.En 2023, el grupo también lanzó su residencia en Las Vegas, “M5LV”, que se extendió hasta 2025 con gran éxito de ventas y el respaldo de la crítica especializada.<h4>Una relación consolidada con el público argentino</h4>Maroon 5 visitó la Argentina por primera vez en 2008 con un show en el Luna Park. Desde entonces, regresaron en 2012, 2016 y 2022, consolidando un vínculo fuerte con el público local.El show del 3 de septiembre se perfila como una nueva oportunidad para revivir esa conexión y repasar en vivo una carrera llena de éxitos.Con una trayectoria que los posiciona como una de las bandas más importantes de su generación, su vuelta al país promete ser uno de los eventos musicales más convocantes del año.

La banda liderada por Adam Levine regresa al país tras cuatro años con un show en el Hipódromo de San Isidro. Presentarán su último disco y repasarán todos sus hits.

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