María Codino encuentra su propia fórmula de llegar a todo aquel que alguna vez buscó, tanto para adentro como para afuera, ese algo y esa respuesta intangible sobre la felicidad y sus consecuencias, y lo hace de la mano de lo que más la identifica, la música.&nbsp;Tras el lanzamiento de su primer disco "Tiene que haber un mapa" esta artista porteña oscila entre canciones con tintes profundos, alegres, frescos y melancólicos que representan el sonido indie pop que la caracteriza.&nbsp;Con este trabajo la artista porteña se consolida como uno de los proyectos femeninos más interesantes del panorama independiente, y da salida definitiva a su carrera con siete tracks eclécticos cuyo hilo conductor no es otro que la exploración de latitudes sonoras que atraviesan el alma.<div class="raw-html-embed"><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/4Nurj8APmgekx15HgXOyYB?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></div>Pero previo su presentación este <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://tickets.latangente.com.ar/musica/maria-codino-en-la-tangente">26 de octubre en La Tangente, donde ya podes adquirir tus entradas</a>, hablamos de este proceso con ella en exclusiva para Filo.news&nbsp; donde nos contó cómo es autogestionarse en el camino de la música y cuáles son los pro y los contra de ser independiente.&nbsp;"La verdad es que es todo un camino, yo vengo tocando ya hace bastante años de manera autogestiva porque venía tocando en diferentes proyectos y bandas, entonces vengo como recorriendo un poco la escena", introdujo en la charla con este medio.&nbsp;Y luego expresó sobre la autogestión: "Por un lado es un montón de trabajo, y por el otro está muy bueno porque vas conociendo las herramientas, vas organizándote de acuerdo a la experiencia que vas &nbsp;teniendo y viendo qué funciona y que no. Y hay cierta libertad que brinda que está muy bueno", aseguró.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/10/02/maria12680_.jpg"><figcaption>Foto: Ainara Marino</figcaption></figure>&nbsp;-¿Cómo nació tu amor por la música cuando lo descubriste? &nbsp;"La verdad es que nació desde muy chica, con cero influencias de mi familia, porque en mi familia nadie hace música. Pero desde chica veía cualquier instrumento y tenía ganas como de saber tocarlo, recuerdo entrar a alguna casa de música y ver los diferentes instrumentos, y para mí era como estar en una juguetería, y la verdad es que no tenía a nadie que me enseñe", recordó sobre su propio descubrimiento.&nbsp;"Así que fue un camino desde muy chica. Creo que fue en primer grado que pedí aprender guitarra y fue como algo muy constante en mi vida, la música me acompañó y fue creciendo y acá estoy", expresó con una sincera sonrisa.&nbsp;Producido íntegramente por ella misma, “Tiene Que Haber Un Mapa” puede resumirse como la inquietud activa resultado de cuestionarse el contexto que habitamos. Un LP que toma a la perfección el pulso del mundo post-pandémico: frenético, acelerado, confuso y lleno de contradicciones.-Contame de tu primer disco, ¿Cómo se gestó?&nbsp; &nbsp;"Yo había sacado un EP de cinco canciones que fue lo primero que saque solista, y este año saque el primer disco que se llama “Tiene que haber un mapa” y ya venía adelantando cosas del año pasado, pero este año terminé de componer canciones, producirlas y grabarlas y entonces fue como que el disco se gestó muy en tiempo real" , explicó.&nbsp;"Como que terminé de hacerlo, hice algunas colaboraciones y salió. Siempre trabajé a un ritmo mucho más pausado, macerando las canciones y esta experiencia con el disco fue intensa, hubo momentos de locura, pero la verdad que lo disfruté mucho porque es muy fresco", expresa sobre los siete tracks que podemos escuchar.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CunOBmhvK2A/?hl=es-la"></oembed></figure>Asimismo María nos contó la paradoja del disco, que a primera escucha resulta fresco &nbsp;y reconfortante y sin embargo nació de horas de encierro durante el último verano.&nbsp;"Para el disco por ejemplo me faltaban tres canciones que &nbsp;quería cerrar y este verano en pleno sol de enero me pasaba por ahí días encerrada con la computadora. Me lleve todas las cosas para grabar a las vacaciones y me encerré &nbsp;a pensar melodías, a probar cosas y una vez que pones la energía ahí las canciones van saliendo", nos contó sobre la composición de las canciones que hoy cobran vida cada vez que alguien las escucha.&nbsp;Al tiempo que nos reveló de dónde surge la inspiración para sentarse a escribir una canción: "Soy de escuchar y sacar mucha data de charlas con amigos, me pasa por ahí de escuchar alguna frase y me gusta agarrar esa frase, sacarla de contexto y ponerla en otro lugar, haciendo que por ahí signifique otra cosa", revela sobre las historias sobre el mantel que se sirve en su imaginario.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=cCEuGsvpw40"></oembed></figure>"Y con las melodías, me pasa como que voy caminando y de repente se me ocurre una melodía que me gusta y ahí la grabó con el celular, y voy uniendo como esas cosas, un concepto, que lo suelo anotar y esa melodía y después la voy armando casi siempre con la guitarra", describe sobre la composición.&nbsp;-¿Tenés alguna canción especial? &nbsp;"Si, la canción que por ahí es especial es la última canción del disco que se llama “ataques que calmé”, que no es una canción que compuse ahora, es la que es más vieja digamos y siempre le tuve como mucho cariño porque era una canción muy íntima que la tocaba mucho sola con la guitarra y la tenía pendiente", se sincera.&nbsp;"Pero siempre quise darle una onda más experimental, y siempre era una canción que me guardaba para mí, y en el disco finalmente me animé a darle esa forma y bueno la puse última como yapa de la persona que termine de escuchar el disco se encuentre con esa canción", asegura sobre una de sus canciones favoritas.&nbsp;Hoy la chica que de niña se sumergía en las "juguetería de música" para descubrir los sonidos que más adelante la definirían, que supo empaparse de la escena punk-rock en la adolescencia y que tras mucho trabajo estrenó su primer disco. Llega al encuentro con la gente, este 26 de octubre en La Tangente, luego de girar por el interior y el conurbano del país para entregar sus canciones a quien quiera oírlas: "Lo más lindo de la música y el arte es el intercambio y generar un lazo con otra persona".&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Cxq6z3MPPYR/?hl=es-la"></oembed></figure>Y sobre esta presentación nos adelantó: "Yo vengo de gira y vengo tocando el disco por todos lados, pero presentarlo acá en la Tangente, en Buenos Aires donde de alguna forma se gestó, es muy lindo. Y venimos preparando el show, para que las canciones tengan algo diferente a como suenan en el disco, y que generen una idea de búsqueda y mapa que es el concepto de este trabajo".&nbsp;Además adelantó: "Y también va a haber artistas invitados y un músico que va a abrir el show que lo vamos a anunciar dentro de poquito".&nbsp;Para cerrar nos reveló qué siente cuando escucha que cantan sus canciones y nos dijo: "Es muy lindo, y cuando siento que alguien está cantándolas y siente la letra, y eso que escribí probablemente otro se sienta identificado, eso es muy hermoso. Y es lo mejor de tocar en vivo", concluyó.&nbsp;&nbsp; &nbsp;&nbsp;&nbsp; &nbsp; &nbsp;&nbsp;&nbsp;

La artista acaba de lanzar su primer disco "Tiene que haber un mapa" y prepara su presentación este 26 de octubre, en medio de su gira por el conurbano, y miles de sensaciones nuevas, autogestión y descubrimientos. Sobre esto y más hablamos con ella para Filo.news.&nbsp;

La artista acaba de lanzar su primer disco "Tiene que haber un mapa" y prepara su presentación este 26 de octubre, en medio de su gira por el conurbano, y miles de sensaciones nuevas, autogestión y descubrimientos. Sobre esto y más hablamos con ella para Filo.news.&nbsp;

María Codino nos adelanta su show en la Tangente: "Lo más lindo de la música y el arte es el intercambio"

Los años 90 fueron sin duda el momento propicio para que diferentes bandas de géneros dispares pudieran emerger y llevar a la luz el grito de rebeldía que la generación necesitaba. Fue allí que surgieron grandes exponentes de la música, que hoy ya son leyenda, y parte de ese legado se hará presente el próximo 29 de septiembre cuando el Luna Park de inicio a la primera edición del Slam Punk Festival que reunirá a 2 minutos, Jauría, Bulldog y XMF.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/09/19/slam_punk9695_.png"></figure>Allí será la cita para los amantes del Punk Rock que tendrán su momento para disfrutar, y volver a firmar ese contrato invisible con la música que nos marcó, con los hits que nos forjaron y con la seguridad de que la llama está más viva que nunca.&nbsp;Para eso desde Filo.news nos juntamos a charlar con los chicos de Jauría, Mauro Ambesi (Bajo), Raimundo "Ray" Fajardo (Batería) y Sebastián Ambesi (Guitarra) que nos adelantaron cómo viven esta nueva era, y con qué nos vamos a encontrar en el show en el que esperar reunir a las familias desde los más chiquitos hasta los "Tíos locos" para disfrutar el placer del reencuentro.&nbsp;-¿Cómo viven la escena Punk en el día de hoy? ¿Sienten que está un poco olvidada?&nbsp;Mauro: “Para mi es algo que sucede en muchos estilos musicales, no abarcaría solamente el estilo punk. Me parece que a nivel cultural, han pasado un montón de situaciones en las cuales los medios hegemónicos se ocupan de difundir una música que tiene más que ver con lo que escuchan los chicos de hoy en día. Yo creo que el rock en general está pasando un momento de baja, tanto en difusión como en el acercamiento de la juventud. Creo que nuestras generaciones son las que siguen “aguantando” este estilo, porque es lo que escuchábamos y escuchamos y creo que este tipo de eventos y festivales son muy importantes para darle esa inyección al estilo o a la música de rock o al punk rock", comienza diciendo.&nbsp;Ray: "Creo que tiene que ver con que antes la música iba de la mano con la estética y tenía una connotación filosófica, ideológica, tendía siempre a buscar su propia identidad y diferenciarse de lo otro. Y eso se fue trasmutando, fue cambiando. Y &nbsp;hoy el objetivo, tanto artístico como el de la industria musical es muy lineal", analizó.&nbsp;Al tiempo que esbozó: "De todas maneras creo que es muy temprano para hacer un análisis de si este movimiento es positivo o negativo. Yo creo que todo lo que surge nuevo, como nos pasó a nosotros, hay que apoyarlo", aseguró y recordó: “A nosotros también nos pasó al principio cuando empezamos a hacer música que no nos podían encasillar en ningún género y buscábamos cada uno de nosotros generar desde sus propias influencias generar algo distinto”, puntualizó sobre sus comienzos en los 90 junto a la banda “El Otro Yo”. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CmSOFJFDlu0/?hl=es-la"></oembed></figure>Mientras que remarcó: "Nosotros jugábamos con la música, fusionábamos música, escuchábamos de todo y en ese proceso hacíamos música en nuestra propia clave y a nuestra manera", sostuvo. Seba: “Nosotros vinimos con una forma de ser en donde no importa que escuches sino cómo suena nuestro instrumento y lo que podemos sumar a una canción o a un momento musical. Y estoy convencido &nbsp;que todos los que escuchábamos nosotros y la tribu de cada estilo, era eso “la tribu”, porque tenías que ir a comprar el disco, tenías que salir de tu casa para ir a buscar la música esa. y ahí se plasmaba un poco eso de “yo los fui a ver a todos lados” y creo que lo tribal no se va a terminar nunca, el rock no se va a terminar nunca. Puede no estar en el mainstream, en los medios, pero mientras haya un fueguito siempre va a estar latente", augura.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Y9EAwbNZNh8"></oembed></figure> &nbsp;-¿Hay un poco de melancolía con la inmediatez de las cosas que vivimos hoy, o están bien con eso?Ray: “En mi caso no, me parece que la nostálgica y la melancolía no ayudan. Estuvo bueno mientras que sucedió. Pero también hay que adaptarse y poder seguir haciendo lo que queres hacer en &nbsp;los distintos escenarios, con las distintas situaciones que se van dando. Es como todo, el aporte de la tecnología hoy nos da un montón de facilidades también. El punto es como uno hace uso de esas herramientas. Uno no puede ponerse en lugar de víctima y decir: ´Uy va todo tan rápido`, sino que hay que adaptarse y aplicar los mismos conceptos a los tiempos que corren", explicó desde su perspectiva y experiencia ya que no solo imparte sus conocimientos de producción musical a sus alumnos, sino de los múltiples instrumentos que toca.&nbsp;Mauro: “Nosotros como banda cuando tuvimos que sacar el segundo disco “libre o muerto” &nbsp;teníamos una lista de canciones que superaba lo que solía abarcar un disco que generalmente eran 10, 12 canciones, y en ese caso como que nos jugamos un poco más artísticamente y sacamos un disco de 21 canciones que era lo que entraba en el CD, entero. Nosotros le dábamos mucha importancia a lo artístico y a lo que queríamos mostrar.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Cq3cp_3MqQE/?hl=es-la"></oembed></figure>Jauría se formó en 2010 , luego del alejamiento de Ciro Pertusi de Attaque 77 en 2008 y tras un receso, comenzó a grabar música nuevamente. Allí se dio el encuentro con Ray, quién también transitaba el alejamiento de El Otro Yo y ante este precedente, y la misma sintonía, Ciro convoca a Mauro Ambesi para sumar al bajo, a quien conocía del barrio desde 1992. De esta manera el trío comenzó a reconectar con la música y darle forma a la banda que hoy los identifica.&nbsp;<div class="raw-html-embed"><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/16zmcvmmG6mK06WTBrnoVI?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></div>La llegada de Sebastián Ambesi, la cuenta el propio guitarrista que nos dijo: "Para mi entrar a la banda fue re importante, porque no era algo que yo estaba buscando, pero Jauría era seguro que yo iba a estar cerca, por motivos artísticos y por motivos afectivos. Pero creo que &nbsp;la palabra correcta que quizá nos pueda definir es la integridad, porque cuando uno tiene la misma integridad que el otro, no hace falta hablar mucho, es más animal.. Como esto que tienen los perros. Es algo más instintivo que tiene que ver con el mensaje de la banda. &nbsp;Y es lo más lindo en la vida tocar con gente que sentís que tiene mucho que ver con vos y viceversa. Porque son muchas horas compartidas y si esa química no existe, no funciona. &nbsp;Lo recomiendo para cualquiera que quiera agarrar un instrumento y salir a tocar", contó.&nbsp;A la vez que Ray recordó el origen de Jauría y qué fue eso que los unió como hermanos: "Tiene que ver &nbsp;en un principio con cómo cada uno de sus integrantes, como Mauro, yo, Ciro y en su momento Pichu Sermiotti habíamos dejados &nbsp;nuestros proyectos, nuestras bandas para hacer algo nuevo, algo distinto, a nuestro tiempo, a nuestro ritmo", arrancó mencionando.&nbsp;Y sumó: "Y después de un proceso de limpieza, y entender hacia dónde queremos ir y lo que queremos hacer. Y a veces cuando tu vocación se vuelve profesión, es distinto.&nbsp; Entonces nos encontramos los cuatro y hubo buena química, pero sin saber qué queríamos hacer, si era una sola canción, un disco o simplemente juntarnos a compartir experiencias y de repente nos sentimos tan bien, y estaba buenísimo lo que estaba surgiendo, y nos sentimos que volvimos a beber de la fuente que nos hizo definirnos a seguir el camino de la música", enfatizó. &nbsp;Mientras que confesó: "Yo cuando me fui del Otro yo, había decidido dejar de tocar y dedicarme a producir, porque estaba sin esa llama necesaria para volver a conectarme y pertenecer a una banda y subirme a la vorágine de componer, grabar discos, tocar etc. Y con Jauría creo que nos reunió desde ese lugar. Y ese es el motor base del grupo", subrayó.&nbsp;Con dos discos de estudio, el homónimo Jauría (2010) y "Libre o Muerto" (2013) &nbsp;donde hicieron una apuesta musical fuerte ya que lanzaron un cd doble con 21 canciones que presentaron en el Teatro Vorterix, la banda logró atraer a su tribu, sus "mestizos" y mezclar lo mejor de sus influencias musicales, sumando la experiencia y la adrenalina de lo nuevo.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=ZYd8MWFLhGE"></oembed></figure>Mauro: "Yo creo que Jauría puede abarcar en muchos ítems y creo que somos una banda que le hace honor a su nombre y estamos juntos, por determinada cuestión, que en este caso es la música, y también las letras, el mensaje que llevamos y bueno creo que es una banda que más allá de nuestro propios gustos musicales es una banda de rock, pero con muchísimas influencias. Y hay una canción que se llama la Jauría que tiene mucho de lo que queremos transmitir. Como una fusión entre perro y humano. Creo que hacemos música poderosa", comentó.&nbsp;- ¿Qué nos vamos a encontrar en este primer festival de Punk el próximo 29 de septiembre en el Luna Park?&nbsp; &nbsp;Seba: Se van a encontrar con un festival espectacular, sin precedentes, con un grupo de bandas donde cada una tiene su historia, empezando por 2 minutos que es un leyenda del Punk Rock, Bulldog que es otra leyenda a su modo, y Jauría que tiene integrantes que son una leyenda al día de hoy. Además María Fernanda Aldana que también va a estar. Y lo más importante es que es nacional, que es re impórtate remarcarlo", aseguro.&nbsp;Mientras que hizo extensiva la invitación a todas las generaciones: "Y tienen que ir en familia desde los tíos locos, hasta los padres con los hijos, las chicas que iban a ver a los shows de los 90, todos tienen que estar ahí", aseguró.&nbsp; &nbsp;Ray: "Es re importante subir al escenario con estas bandas que hemos compartido tanto y que por primera vez hacemos algo todos juntos, en Buenos Aires y también es una apuesta muy grande de los productores de jugársela en un momento como este, en todo aspecto.&nbsp;Por ultimo Mauro nos confirma eso que todos queríamos escuchar que tiene que ver con la lista de temas que preparan para la presentación: “Si obvio los clásicos no faltan, vamos cambiando, y obviamente que muchos temas de A77aque que los hacemos con mucho amor y mucho respeto, pero con la impronta de Jauría, pero que la gente espera de Ciro, y otros covers que vamos eligiendo”, resaltó.&nbsp;Y Ray concluyó: "Es un festival donde tenes que intentar llegar a todos y hacer algo dinámico y divertido para que sea un gran momento para todos. Resta decir que cataratas de hits y emociones no van a faltar", cerró.&nbsp;La banda que formará parte del exquisito set list del <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://lunapark.ticketportal.com.ar/event?p=7F5CA3B518E369B07529DDFDDAD726A767B86BDFD1504539">Slam Punk Festival este próximo 29 de septiembre en el Luna Park </a>tiene la esencia de estos cuatro músicos que escaparon de su propia vorágine, mientras se encontraban en la cima de las carreras de sus propias bandas, para reencontrarse y volver a encender el fuego de la pasión que los llevó a ser músicos. Pero ésta vez, a otro ritmo, y en otro tiempo, pero con la hermandad, de esas que solo las jaurías comparten y la fuerza de la llama que no se extingue.&nbsp; &nbsp; &nbsp;&nbsp; &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

El 29 de septiembre el Luna Park se vestirá de fiesta y alfileres de gancho para vivir una jornada con los mayores exponentes del Punk Rock argentino. Y en esta nota, Mauro Ambesi, Raimundo "Ray" Fajardo y Sebastián Ambesi nos adelantan cómo preparan su show, entre otras cosas.&nbsp;

El 29 de septiembre el Luna Park se vestirá de fiesta y alfileres de gancho para vivir una jornada con los mayores exponentes del Punk Rock argentino. Y en esta nota, Mauro Ambesi, Raimundo "Ray" Fajardo y Sebastián Ambesi nos adelantan cómo preparan su show, entre otras cosas.&nbsp;

Jauría anticipa su show en la primera edición del Slam Punk Festival  “Cataratas de hits y emociones no van a faltar"

En la noche del pasado jueves 24 de agosto un calor emergió del suelo del teatro Vorterix y a pesar de las bajas temperaturas, en aquel recinto el microclima desnudó almas y corazones por igual cuando Fernando Ruiz Díaz, Abril Sosa, Juli Gondell y Charles Noguera subieron al escenario para inaugurar la residencia, un formato novedoso de conciertos que se continuarán el 25/8, el 31/8 y el 01/09.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/08/25/WhatsApp_Image_2023-08-24_at_21.11.555942_.jpeg"></figure>Allí, los presentes pudieron disfrutar previamente la experiencia que propone este nuevo, y novedoso formato de recitales especialmente diseñados para introducirse en el mundo de la banda, y descubrir los laberintos de su secreto pasadizo. A la vez que experimentamos en primera persona todo este recorrido al pasado y presente de las casi tres décadas de recuerdos, premios e imágenes, donde predomina un ambiente intimista generando una complicidad con sus seguidores.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/08/25/03_CATUPECU_RESIDENCIA_VORTERIX__(Foto_IGNACIO_ARNEDO)_BP8A00945810_.jpg"></figure>Foto: Ignacio Arnedo | @arnedonacho|Y en este contexto inmersivo fue que Catupecu Machu irrumpió en la escena con "Secretos Pasadizos" de su segundo álbum y se dejó abrazar por un público que canto a la par cada una de las estrofas.&nbsp;No obstante el primer pogo de la noche llegaría en horas tempranas con el segundo tema, un hit que allá por el 2002 no paraba de sonar en las radios locales, "Y lo que quiero es que pises sin el suelo", y su riff inconfundible &nbsp;que puso a vibrar fuerte al power trío del rock nacional, seguido por "Perfectos Cromosomas" y "Plan B" en el que Fer gritaría el nombre de Gaby, mirando al cielo en su estrofa "Y cuando faltas...(Gaby) ¡me haces falta!" y la batería de Abril Sosa sonaría potente, precisa y letal.&nbsp;"Hace muchos años que no suena esta canción", introdujo Fer antes de tocar los acordes de "Eso Espero" , que el público acompaño a viva voz. "En los sueños" llegaría para cambiar las luces del lugar e iluminar de un rojo y azul la escena haciendo de ella un momento mágico.&nbsp;"Este es un show excesivamente emocional, particularmente éste para nosotros. Imagínense que inauguramos este lugar", comentó Fer recordando los comienzos y contando cómo fue que pidieron al arquitecto del teatro que elevara el escenario para que toda la gente pudiera ver bien.&nbsp;"Vinimos a ver el escenario con Gaby y con Abril y el escenario era bajito. Hay que levantarlo, para que la gente pueda ver. Si vos vas al teatro de Flores, que lo hizo el mismo arquitecto que este, viste que vas y si no estas en la vaya de adelante no ves un carajo", relató ante los aplausos de la gente, la anécdota siguió y el frontman de la banda tuvo su momento solo y acústico donde toco, entre otros temas su versión de "Más y más" de Draco Rosa. "La canción de amor más linda del mundo", advirtió.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/08/25/04_CATUPECU_RESIDENCIA_VORTERIX__(Foto_IGNACIO_ARNEDO)_BP8A01828071_.jpg"></figure>Foto: Ignacio Arnedo | @arnedonacho|Durante toda la noche siguieron los éxitos de la mano de: “Eso Vive”, “A veces vuelvo” y “Magia veneno”, que contó con la participación del Zorrito Von Quintiero en bajo. Y el ya clásico instalado por la banda con su duelo de baterías entre Abril Sosa y Julián Gondell que además se uniría para tocar "Viaje del Miedo".&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/08/25/14_CATUPECU_RESIDENCIA_VORTERIX__(Foto_IGNACIO_ARNEDO)_BP8A07804799_.jpg"></figure>Foto: Ignacio Arnedo | @arnedonacho|Un momento épico de la noche se vivió a pura emoción cuando sonó "Para vestirte hoy" que junto a la puesta en escena y el juego de luces crearon una atmosfera inmejorable. Otra de las perlitas de la velada fue el duelo entre Fer y Abril que improvisaron "Calavera deforme", canción del repertorio que no suelen tocar.&nbsp;"Hace como 25 años que no sonaba esta canción. !Che!, no estaba ensayado, pero "Aprile" me había pedido que quería que suene en vivo "Calavera deforme"", explicaba Fer, mientras que Sosa preguntaba: "¿Hay que tocarla, no? " para euforia de los presentes.&nbsp;&nbsp;Otra de las perlitas que improvisó Fer fue una parodia de "Cuando Calienta el Sol" de Luis Miguel de quién dijo: "Che, la rompió LuisMi", no obstante tras entonar, a su manera, el estribillo se tropezó con la pedalera y cayó generando un momento de tensión, que resolvió rápidamente, riéndose y argumentando: "Es catupecu, loco".&nbsp;No obstante los beats de Sosa anunciaban el comienzo del tan esperado "Dale!" pero Fer no lograba dar con la nota de su guitarra, que tras caer, quedó desafinada. Fue ahí que buscó la asistencia mientas se reía de lo ocurrido. Fue ahí que además el vocalista aprovechó para agradecer a todo el equipo técnico que trabaja junto a ellos.&nbsp;"Ustedes nos aplauden a nosotros, pero todos somos "héroes anónimos" y por eso quiero pedirles un aplauso fuertísimo, el aplauso más grande de la noche al equipazo de Catupecu Machu",&nbsp; lanzó.&nbsp;El final se acercaba y mientras Fer intentaba afinar su guitarra la banda optó por sacar un clásico cover de la galera y tocar “Smells like teen spirit” de Nirvana como antesala de la interminable “Dale!” que anticipaba el final de una noche inigualable.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/08/25/17_CATUPECU_RESIDENCIA_VORTERIX__(Foto_IGNACIO_ARNEDO)_BP8A11307427_.jpg"></figure>Foto: Ignacio Arnedo | @arnedonacho|"Yo no quiero que termine esta noche, loco!. Catupecu reencarnó, Catupecu está de vuelta. Paramos un poco en la barrera, esperamos que pase el tren, y yo quiero cruzar por la barrera. Viva la música Argentina, viva el rock argentino, vivan ustedes, estoy muy feliz que hay mucha gente que nos ve hoy por primera vez. Volvimos por ustedes, hasta siempre amores de mi vida", decía Fer para despedirse de la primera noche en Vorterix y resguardarse para volver a hacerlo todo otra vez, éste &nbsp;25-8 y las dos fechas que le siguen para la que solo quedan algunos tickets el día 31-8 y <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.allaccess.com.ar/event/catupecu-machu-residencia">podés comprarlos acá.&nbsp;</a><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CwYEJ3NxpOQ/?img_index=1"></oembed></figure>&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

La banda tuvo su primer concierto, de los cuatro previstos, con entradas completamente agotadas, emoción a flor de piel, invitados, clásicos y temas que hacía mucho no tocaban. Además parodiaron a Luis Miguel y sonó hasta Nirvana, blooper de por medio, y una noche que se grabó a fuego en la tribu que los sigue hace casi tres décadas.&nbsp;

La banda tuvo su primer concierto, de los cuatro previstos, con entradas completamente agotadas, emoción a flor de piel, invitados, clásicos y temas que hacía mucho no tocaban. Además parodiaron a Luis Miguel y sonó hasta Nirvana, blooper de por medio, y una noche que se grabó a fuego en la tribu que los sigue hace casi tres décadas.&nbsp;

Catupecu Machu inauguró su residencia en Vorterix: "Volvimos por ustedes amores de mi vida"

El crecimiento de la escena urbana en nuestro país junto a los referentes que hoy en día están siendo reconocidos y mencionados por artistas de todo el mundo vino acompañado de la pata audiovisual cuando empezamos a conocerlos a través de sus canciones, y videos.&nbsp; &nbsp;Estos artistas como Duki, Cazzu, Khea, Neo Pistea e Ysy A, entre muchos otros fueron los primeros que pusieron su confianza en Anestesia, la productora audiovisual fundada por Facundo Ballve y sus hermanos, Antonio y Nicolás, y mientras estos artistas evolucionaban en su área, la productora hacía lo mismo. Y en el día de hoy, con más de 300 videos en su haber es por excelencia la preferida del trap Argentino y ahora busca expandirse en el mercado mundial llevando su sello.&nbsp; <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/08/25/_MG_28031492_.jpg">Foto: Gentiliza Anestesia produccionesFundada en el 2016, Anestesia &nbsp;nació de un deseo de Facundo Ballve que necesitaba materializar su pasión por la fotografía, el cine y la música. Fue ahí que con los recursos que tenía comenzó a grabar videos, encontrando una verdadera vocación que se extendió a una empresa familiar, ya que también forman parte de ella Nicolás Ballve, productor artístico y ejecutivo, y Antonio Ballve, productor ejecutivo de videos y jefe de gestión de la productora. &nbsp;Y con ellos nos reunimos en sus nuevas oficinas, para hablar de todo lo relacionado al arte de hacer video clips y la pronta llegada de Anestesia a Europa y Estados Unidos.&nbsp; &nbsp;“Venimos ahora de filmar en España y de estar un mes allá. Todavía no es que estamos instalados, pero ya estamos laburando mucho. Facu también estuvo trabajando en Estados Unidos y la idea es posicionarnos allá también”, explica Antonio Ballve sobre la reciente expansión y crecimiento de la productora familiar.&nbsp; &nbsp;-¿Cuál es el rol de cada uno?&nbsp; &nbsp;Antonio: “Bueno, Facu es el director, es el alma de anestesia, el que inició todo, y el que conoce a los chicos desde el principio. Nico es el que hace producción ejecutiva, producción general. Algo que al principio, Facu hacia mucho solo, esto de plantear la idea general del video, y bueno hay veces que el artista tiene una idea muy abstracta que hay que bajarla a la tierra, y otras veces plantear los deseos de cada artista, su personalidad etc. Y después estoy yo, que soy el mayor, que estoy a cargo de toda la parte administrativa, legales, financiera”, cuenta para Filo.news. &nbsp;-¿Cómo es trabajar en el exterior? &nbsp;Antonio: “No es lo mismo Miami que Italia, que España, cada región tiene sus reglas y depende mucho de cada territorio pero en general lo que más sentís es que no sos local. De hecho cuando trabajas afuera siempre te apoyas en una productora local. A nosotros nos pasa a la inversa, y cuando viene alguien que tiene que filmar un proyecto que viene de afuera &nbsp;nos pregunta a nosotros cómo son las reglas en nuestro país a la hora del papeleo, permisos y demás”, puntualiza.&nbsp; &nbsp;Al tiempo que remarca el espíritu argentino y la manera en la que ejercitamos, a veces por fuerza mayor, una agilidad laboral que en el exterior no se practica: “En nuestro país lo complicado de llevar adelante un proyecto tiene que ver con los precios, la inestabilidad económica, la inflación. Pero bueno pasa en todas las industrias, convivimos con eso pero a la vez eso también nos da el ejercicio de ser absolutamente resolutivos”, afirma. &nbsp;“Algo que quizá en otros países es difícil de entender. Nosotros tenemos la cintura para salir del caos y de situaciones que en otros lados quizá se presentan como imposibles de resolver y un argentino lo hace”, explica.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/BmHo5_cAynk/"></oembed></figure> &nbsp;Facundo Ballve comenzó a sus 15 años movido por su pasión por la fotografía a incursionar en el mundo del arte. En 2014 inició sus estudios terciarios en la Universidad de Cine, además participaba en las cobertura de eventos de rap junto a Radio doble HH Argentina y allí conoció y entabló una amistad con &nbsp;Alejo (Ysy A), quien lo llevó a grabar su primera producción "Ghetto Life" de La Cofradía, lo que sería su primer videoclip.&nbsp; &nbsp;Luego llegaría "Loca" de Khea, Duki y Cazzu, uno de los primeros videos que hizo visible a la escena de música urbana nacional y sería el puntapié para todo lo venidero.&nbsp; &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/B1FPQUvALMR/"></oembed></figure>Facundo Ballve: “siempre supe que me quería dedicar a algo en donde pudiera conjugar mis dos pasiones. Y bueno como no toco ningún instrumento, ni se rapear ,me fui más para el lado del cine”, comienza diciendo el filmaker favorito del trap local.&nbsp; &nbsp;“Estudie cine y enseguida se unieron esos dos mundo, y ahí empecé a tomar mucha referencia de artistas de afuera, del video clip de afuera. En ese momento miraba mucho a Cole Bennett porque era el que estaba haciendo algo muy parecido a lo que hacía yo, pero con más trayectoria y evolución que yo que recién empezaba. Entonces muchas veces lo tomaba como referencia”, advierte sobre sus primeras búsquedas.&nbsp; &nbsp;“El agarraba artistas que estaban empezando y hacia videos con su cámara y le metía mucha edición, muchos efectos y mucha fantasía y de ahí me inspire para ver cómo podía innovar sin tener tanta herramienta, porque no teníamos nada”, continua.&nbsp; &nbsp;-¿Cómo ves la industria del videoclip &nbsp;y el crecimiento que tuvo?&nbsp; &nbsp;“Acá la industria del videoclip recién empieza, la industria urbana hasta hace poco no existía. Si la había mucho en el pop y el rock, pero nunca el género urbano. Entonces es una industria nueva que ve nacer chicos que se quieren dedicar a esto cada vez más, y eso a su vez genera que productores también empiecen a interesarse por este género”, sostuvo.&nbsp; &nbsp;<blockquote>A mí me gusta mucho Myke Towers, y es con el artista que hoy más me gustaría filmar, después hay un montonazo de artistas con los que quiero trabajar</blockquote>-¿Hay diferencias entre filmar en Argentina que en el exterior? &nbsp;“Y Siento que al estar en Argentina, todos estos artistas que están emergiendo viven en un contexto social de mucha crisis, y eso para la música es muy rico. Hay mucho de este hambre de hacer todo con pasión más que con recursos y eso nos da la gimnasia después para cuando salimos a filmar afuera .donde hay industrias con más estructura, y demás. poder vivirlo de otra manera. Con sus ventajas y sus desventajas”. &nbsp;“Después en lo que respecta a filmar en el exterior, te encontrar con más herramientas y locaciones nuevas. Nosotros filmamos mucho en Buenos Aires y filmamos en muchos lugares que inevitablemente tenemos que repetir en nuestros videos”, que ya suman 300 con la productora.&nbsp; &nbsp;“Y bueno yo siento que hay una diferencia en cada lugar en donde vamos a filmar. España es muy distinto a Miami, son muy parecidos a nosotros, pero también con sus ventajas y desventajas, pero por ejemplo filmar en Barcelona te da la ventaja que tenés la playa cerca y enseguida tenés la nieve, la montaña hay mucha variedad de locaciones y equipo. Acá lo que más escasea es la capacidad de equipo técnico que tenemos”. &nbsp;-¿Con qué artista te gustaría trabajar?&nbsp; &nbsp;“A mí me gusta mucho Myke Towers, y es con el artista que hoy más me gustaría filmar, después hay un montonazo de artistas con los que quiero trabajar”, aseguró.&nbsp; &nbsp;-Hablemos un poco de la intimidad de los artistas, ¿hay algún tipo de celos o pedido especial cuando hacen los feats, no sé cantidad de planos a cada uno y demás? &nbsp;Se ríe y contesta muy seguro: “No, cero incluso a &nbsp;mí me gusta, y creo que es fundamental las colaboraciones para que la industria crezca, en todos sus ámbitos. E incluso me gusta que los artistas con los que yo trabajo le den a su vez trabajo a otros porque es la manera de que esto crezca y nos beneficie a todos”, responde.&nbsp; &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CYaJa8tgygs/?img_index=1"></oembed></figure>-¿Es importante la letra de una canción a la hora de hacer un video? &nbsp;“Sí, no siempre va a ser determinante. Es algo en lo que te podes apoyar, como no. Si te querés apoyar, seguramente te de un montón de posibilidades que muchas veces nos pasa que nos topamos con la traba de que algunas canciones hablan de lo mismo, así que no siempre es determinante porque hay muchas cosas que te pueden disparar para hacer un video”, explica y agrega: “desde el deseo del artista de hacer algo que no tenga nada que ver con la canción o la instrumental. Pero si muchas veces los artistas te piden que tomes como referencia a la letra, pero otras veces no le damos ni bola y hacemos otra cosa”, remarcó.-¿Cómo haces para no aburrirte y no repetirte en los videoclips? &nbsp;“Es difícil, pero la inspiración esta en todos los aspectos de la vida, veo mucho cine, otros videos, fotos, museos, las redes sociales. Siento que hoy es tan necesario innovar y buscar hacer algo nuevo que cualquier cosa que aparezca relacionada al arte, o no necesariamente, nos puede disparar una idea. Y siento que a partir de ahí, es un trabajo en equipo, yo laburo mucho con mi hermano, Nico y Carmen, una de las chicas que está en el equipo creativo y a partir de ahí vamos construyendo".&nbsp;"Hay proyectos en los que escucho una vez la canción y ya me surge una idea, y hay proyectos en los que nos trabamos y estamos meses dilucidando para donde queremos encararlo, y ahí recurrimos a referencias, a pinterest a un montón de cosas. Por suerte hay muchas herramientas", asegura.&nbsp; &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CW1ldRRgD4o/?img_index=5"></oembed></figure>De todas maneras resaltó: “Nosotros trabajamos mucho a base de ideas propias y eso nos complica porque no tenemos forma de mostrar lo que queremos hacer, porque no encontramos referencias, y ahí el artista tiene que confiar, porque siempre tratamos de trabajar con ideas originales, que nos surjan a &nbsp;nosotros, más allá de la inspiración que podamos tomar de otros lugares”, puntualizó.&nbsp; &nbsp;"Y también para tratar de escaparle a el tema del plagio, hoy con las redes hay muchas personas que están pendientes de si te copiaste o no de algo y cuidamos mucho eso", asegura. &nbsp;-¿Cuánto influiste vos como filmaker en el desenvolvimiento de los artistas delante de cámara? &nbsp;“Bueno yo siento que es un aporte de todos, los artistas hoy están creciendo mucho y todos estamos en el camino de buscar cosas nuevas, ideas nuevas, entonces los artistas tratan de no estancarse. Y al mismo tiempo hay un trabajo muy fuerte de ellos en su trayectoria”, explica.&nbsp; <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/08/25/IMG_93979633_.jpg">Foto: Gentiliza Anestesia produccionesPor nombrar a algunos dijo: “Duki, Lit Killah no son los mismos que hace cuatro años. Hoy se desenvuelven mucho mejor delante de cámaras, se visten mejor, cantan mejor, respiran mejor y hay un montón de cosas que evolucionaron. Y por otro lado un poco nosotros crecimos, como productora, junto a ellos entonces siento que hay un voto de confianza, y yo también, de la misma manera aprendí un montón. No sé, Cazzu tiene ideas nuevas o se mueve mejor en cámara y yo aprendí a como filmarla y aprendí también a mostrarla como a &nbsp;ella le gusta verse. Es un ida y vuelta”, aseveró.&nbsp; &nbsp;“Solemos estar dentro de un círculo bastante cerrado, porque nos cuesta agarrar artistas por una cuestión principalmente de tiempo entonces ya nos entendemos muy bien con cada uno y medio que ese crecimiento que tuvimos en conjunto, se nota”. Mientras que agrega: “Y no solo el producto final, sino también el equipo en general, porque sabemos que los artistas están cómodos y vienen tranquilos sabiendo que los vamos a cuidar y demás”. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/B_nffWhjp9G/"></oembed></figure>-Bueno 300 videos llevan realizados y la pregunta es ¿todo se puede hacer o hay limitaciones?&nbsp; &nbsp;“No todo se puede hacer, pero siempre tratamos de ante alguna idea media loca, intentar encontrarle la vuelta, en general el artista cuando trae una idea, muchas veces nos topamos con problemas, o bien de tiempos, o de plata, que &nbsp;no nos dejan hacerla como &nbsp;ellos quieren, entonces estamos un poco acostumbrados a buscarle la vuelta para lograr lo que el artista quiera, pero dentro de las posibilidades que tenemos y las herramientas que tenemos”, afirmó.&nbsp; &nbsp;-¿En qué sos obsesivo cuando filmas? &nbsp;“Soy obsesivo, principalmente en el artista, en que se sienta cómodo y tranquilo es lo que &nbsp;a mí más me importa en set. Con lo cual eso es algo que me atormenta desde la post producción hasta la pre producción. Trato de que el artista esté contento y a gusto con lo que estamos haciendo porque al fin y al cabo es lo que va a acompañar su canción. Y hacer algo que a ellos les guste", resalta.&nbsp; &nbsp;“A partir de ahí hay un montón de cuestiones en las que soy más riguroso, por ejemplo en los tiempos, trato de no extenderme con los tiempos para no generar malos momentos, un poco en el orden, me gusta que los rodajes estén ordenados, ya tenemos una experiencia que a mí me gusta que se muestre en el set. Porque también trabajamos con artistas nuevos, y más allá que nos movemos en un círculo, hay artistas que van a apreciando. Por ejemplo hace poco trabajamos con Tiago, Trueno, María y a mí me gusta que se vea que todo está ordenado, que trabajamos profesionalmente”, puntualizó.&nbsp; “Después en rodaje pasa de todo, pero se trata de reducir al mínimo la posibilidad de errores”. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CWMNZxWPXDT/?img_index=1"></oembed></figure>-¿Alguna anécdota que recuerdes?&nbsp; &nbsp;“Hay varias, por ejemplo “Tumbando el Club” en su momento o “Wacha” &nbsp;que vino toda la escena a aparecer en ese video que era una fiesta .O ahora con el último de los chicos del espacio, son rodajes que tienen sus complejidades, por el cuidado que tenés que tener con las locaciones, que nadie se entere que estamos filmando con los artistas ahí”, explicó.&nbsp; “Cuando hicimos el rodaje de” Tumbando el Club”, que los chicos eran más chicos nos pasó que se filtró y se nos metieron como 200 pibes a querer sacarse &nbsp;fotos, en “Estuve ahí” de Acru terminamos todos en la comisaria porque teníamos un arma de fuego. En el primer video que hicimos de Lit Killah que fue su primer video de Destroy también nos detuvieron los policías, porque estábamos en una locación que no se podía usar”, recordó.&nbsp; &nbsp;Y nos relató una infidencia sobre “Wacha” un video que tuvo sus complejidades: “En wacha por ejemplo de Duki y Khea y vino toda la escena y lo hicimos en cuarentena y fue un quilombo meter a la gente en un country y fue in delirio total, éramos como 90 personas en una casa, los vecinos denunciando, nosotros tratando de meter a los artistas por la guardia del country y en el rodaje se nos metieron algunos chicos del barrio y querían sacarse fotos y yo de repente no sabía si era gente que estaba con nosotros o gente del barrio y la pase mal", aseguró.&nbsp; &nbsp;Ya para cerrar la charla ¿Cómo se gana plata con un video? &nbsp;“Con el tiempo, es difícil vivir del video clip en argentina, en nuestro caso hace poquito pudimos hacer una diferencia que nos permitió mudarnos y abrir estas oficinas, pero costo mucho, desde estabilizarse, poder armar el equipamiento. Hay mucha inversión. Por eso es con el tiempo y con la calidad de trabajo. Nosotros sacamos más rédito por la cantidad de videos que de un presupuesto individual de cada uno”, contó para este medio.&nbsp; &nbsp;También te puede interesar:<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/musica/Facundo-Ballve-la-mente-audiovisual-de-la-escena-urbana-argentina-20220503-0050.html"> "Facundo Ballve, la mente audiovisual de la escena urbana argentina"</a>-¿Cuál crees que es la técnica o estilo que diferencia a Anestesia de los demás?&nbsp; &nbsp;“Nosotros cuidamos mucho la imagen, yo de hecho estudie fotografía, más que dirección y soy fotógrafo desde chico y le presto mucha atención a eso y como se ve el video clip. En su momento había mucho esto del movimiento de cámara, yo manejaba la cámara con mis manos, tenía un estabilizador chiquito y una cámara chiquita que la manejaba yo, entonces había mucho de cómo respondía a los movimientos del artista, me entendía muy bien con los artistas en ese sentido y ellos ya veían moverse la cámara y te dabas cuenta", revela.&nbsp;"Hoy con el crecimiento de las producciones y demás, no me deja siempre tener la cámara en la mano, usamos muchas veces equipos operados por otras personas, pero bueno siempre la dirección de para donde vamos es mía. Pero no la tengo más yo, de hecho así nació el shot buy Ballve, porque justamente la cámara la tenía yo. Hoy se mantiene porque quedo con el sello, pero hoy tenemos más herramientas” concluye.&nbsp;

¿Quéres saber cómo se hace un video?, ¿Hay celos entre los artistas?, ¿Cuáles fueron los videos más caóticos a la hora de hacerlos? Esto y más en esta nota exclusiva para Filo.news donde el reconocido filmaker revela todo lo que queres saber de la escena urbana.&nbsp;

Facundo Ballve junto a su productora Anestesia nos cuentan todos los secretos detrás de los videoclips de la escena urbana

Facundo Ballve cuentan todos los secretos detrás de los videoclips de la escena urbana

CHUECO la primera sitcom realizada por y para Latinoamérica cuenta con el protagónico de Darío Barassi, Consuelo Duval y Agustín “Soy Rada” Aristarán&nbsp; que nos traen una historia para toda la familia que ya se encuentra disponible en la plataforma de Disney con sus primeros 13 episodios de 30 minutos que conforman la primer temporada.&nbsp;Pero para adentrarnos en este ambicioso proyecto hablamos con Darío Barassi, quien encarna a Juan Gustozzi, un viudo que quedo a cargo de sus tres hijos y que recibe de herencia a un peculiar mono llamado CHUECO.&nbsp; &nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/07/25/image0043327_.png"></figure>Foto: gentileza de DisneyLo primero que quise saber es si ser papá fue un plus para aceptar este proyecto, y desde el set de grabación, nos contó en exclusiva para Filo.news cómo eligió este nuevo trabajo: “Bueno vos sabes que un poco si, a mí me paso que había hecho ya una experiencia con Disney cuando hice Aladín, que mi hija no la pudo ver, y que el contenido que hago no se si es muy apto para mi hija. Y la verdad que en esta oportunidad si me imagino sentado en mi casa y verlo todos en familia”, comenzó contándonos sobre la nueva serie.&nbsp;Y reveló: "Y de hecho cuando estábamos grabando vino Emilia (Su hija mayor) con las amigas del colegio y fue una experiencia maravillosa, fue descomunal verlas flasheadas, primero con el &nbsp;proceso de lo que es el mundo de la tele, y el mundo Disney, y después se volvieron locas con CHUECO", aseguró.&nbsp;Además se refirió al contenido de la serie que apunta a el núcleo familiar en una comedia blanca: "Creo que falta un poco el contenido para toda la familia, y me parece que con CHUECO, venimos a traer eso de volver a ver algo todos en familia, que sea empático, entretenido, novedoso, con un sello latinoamericano que eso también me gusta", puntualizó.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/07/25/Chueco_Ep9-62988_.jpg"></figure>Foto: gentileza de DisneyMientras que se refirió a sus compañeros de elenco: "Este proyecto es con Consuelo Duval, que es una figura muy conocida en México, los chicos son talentosísimos y de verdad hay humor para los padres, porque Chueco es un poco picante, pero después todas las situaciones son muy amenas para pasar un buen rato entre todos", sostuvo.&nbsp;<blockquote>Chueco está absolutamente vivo y es radiante, tiene una personalidad magnética y nos tiene a todos enamorados</blockquote>Chueco, que recordamos ya se encuentra disponible en la plataforma de Disney está protagonizada por Darío Barassi, Consuelo Duval, Maryel Abrego, Santiago Torres y Pato Alvarado Loza y además cuenta con la voz de Agustín "Soy Rada" Aristarán presenta la historia de Juan un viudo, profesor de música que queda a cargo de sus tres hijos, Delfina, Martín y Vicente y con la ayuda de Amanda, su ama de llaves, intenta sacar adelante la familia que se ve completamente alterada con la llegada de Chueco, un simio tan simpático como travieso que se instala a vivir con ellos debido a una herencia.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=uPxF6Ngz-14"></oembed></figure>-¿Qué te paso cuando te dijeron que ibas a protagonizar pero con un mono?&nbsp; &nbsp;"No me cayó nada bien", expresa entre risas y suma: "hay un dicho que siempre dicen en el mundo de la actuación que es que nunca agarres un proyecto donde hay una mascota o niños porque te roban el protagonismo``. Y la verdad es que fue muy divertido, y no, no me paso para nada, hablando en serio" reitera sobre la propuesta.&nbsp;"A mi apenas me ofrecieron Chueco no tuve dudas. Ya cuando me contaron que era la primera serie hecha &nbsp;por y para Latinoamérica, ya eso era tentador. Y era un lindo desafío, no tuve ninguna duda", aseguró.&nbsp;"Y obviamente me gustó esto de lo familiar, porque uno creció viendo sitcoms como “Grande Pa” o “La Novicia Rebelde” o “ALF” y hay algo de ese código de comedias que me atraía mucho, y que hoy no hay", puntualizó.&nbsp;Al tiempo que completó: "Entonces me parecía genial &nbsp;que sea un animal, con la personalidad que tiene CHUECO, y me pareció muy novedoso. Y cuando lo conocí &nbsp;por primera vez fue una locura porque del modo en que esta hecho, es un puppet mecánico electrónico, hizo que sea muy fácil para interactuar con él porque tiene todas las expresiones y detalles que lo hacen muy real. Chueco está absolutamente vivo y es radiante, tiene una personalidad magnética y nos tiene a todos enamorados", expresó.&nbsp;¿Cómo funciona CHUECO?&nbsp;En la serie, Chueco cobra vida a través de la técnica de puppetronic, una combinación de elementos de puppet, animatronic y manipulación directa que le dio una impronta única a la producción en todas las instancias del proceso creativo.&nbsp;Es un títere real, tangible, con presencia física en el set, que a su vez presenta elementos electrónicos. Su participación en cada una de las escenas se da por el resultado de un trabajo necesariamente colaborativo.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/07/25/image0051850_.png"></figure>Foto: gentileza de DisneyEn las grabaciones, el puppetronic era operado por un equipo de seis personas que manipulaban sincrónicamente las distintas partes del cuerpo y las expresiones faciales del personaje, de manera coordinada. Mientras algunos movían la cabeza y las extremidades del títere directamente en el set de grabaciones, otros operaban los elementos del rostro (ojos, cejas, párpados y pómulos) a distancia, mediante control remoto.Para lograr una “actuación” convincente, los operadores de Chueco ensayaban frente a un espejo para cada escena, logrando la coordinación eficaz de los elementos clásicos de títere con los electrónicos.&nbsp;Además la manipulación de Chueco en las distintas escenas requirió la construcción de un set de grabación con características especiales. Por un lado, se construyó íntegramente en altura, con pasadizos por debajo de la escenografía que permitían el desplazamiento de los titiriteros durante las escenas.&nbsp;A su vez, contaba con módulos movibles en el piso que facilitaban la adaptación de los escenarios, creando la posibilidad de hacer “agujeros” para las necesidades específicas de la manipulación del títere. ¿Un dato extra? Manipular a Chueco demanda un gran esfuerzo físico, ya que los elementos de animatronic del títere lo vuelven pesado. Los titiriteros lo manipulaban en intervalos de apenas 5 minutos. &nbsp;Barassi nos contó también cómo fue la relación con sus compañeros que vinieron de México a instalarse en el país para grabar la sitcom.-¿Cómo es la relación con tus compañeros de elenco y cómo fue la bienvenida al país? &nbsp;"A Consuelo un poco la conocía y la verdad es que pegamos una empatía de complicidad instantánea, porque también con Chueco había que formar un tridente ahí de cómo era el vínculo", comentó sobre la relación con la actriz mexicana.&nbsp;"Los chicos que hacen de mis hijos, son increíbles. Y fuera del set de grabación nos llevamos muy bien, yo quería anfitrionarlos porque vienen de México, y me agarraron en la primera temporada con una hija muy chica, así que hice lo que pude. Pero nada son unos divinos, y los tres chicos son talentosísimos", aseguró.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/07/25/Chueco_Ep13-397284_.jpg"></figure>Foto: gentileza de Disney &nbsp;-¿Cuáles fueron los pro y los contra que tuviste en este proyecto? &nbsp;"Bueno trabajar en Disney implica un nivel diferente, desde el trato, las escenografías, el vestuario todos es alucinante. Y todas las áreas laburan bárbaro realmente se nota que cuidan muy bien la calidad de sus productos y están en todos los detalles. Y no pasa muy a menudo tener este nivel de calidad e inversión que cada vez que entro al set me sorprendo", señaló.&nbsp; &nbsp;"Y como contras la verdad es que no tuve, porque si había algo que me preocupaba era el tema del código del humor latinoamericano que por ahí no se entendiera en nuestro país, pero fluye bárbaro y la interacción de actuar con CHUECO era otra de las cosas que me preocupaba y la verdad es que resultó ser muy ameno y fácil porque realmente está vivo, te mira, te habla, te devuelve, se conecta con vos.", manifestó.&nbsp;"Después bueno el tema de llevar adelante un protagónico fue un miedo, en una comedia blanca, pero donde manejamos el humor con temas de actualidad y hay ironía y doble sentido en un punto, pero sin perturbar a los más chicos, es como un guiño para los adultos y que ellos también se puedan divertir. Chueco tiene picardía, fuma habanos, le gusta salir, toma whisky hay ahí un código de grandes si se quiere", remarcó.&nbsp;Para cerrar la entrevista le pregunté ¿Qué es lo más difícil de despedirse de un proyecto?&nbsp; &nbsp;- "Alguien una vez me dijo que yo soy bueno para irme de proyectos en el momento justo. Y en este proyecto en particular, siento que todo el equipo tenemos como el deseo de que CHUECO dure en el tiempo, indistintamente de las temporadas que se hagan. Y siento que esta sitcom no va a pasar de moda, porque se habla de cosas que son universales así que siento que se puede ver hoy y dentro de cinco años y va a estar actualizada y se va a entender perfectamente, cerró.&nbsp; &nbsp; &nbsp;&nbsp; &nbsp;&nbsp;

El actor habló con Filo.news sobre la experiencia de hacer la primera serie para Latinoamérica y que además tiene como protagonista a un mono.&nbsp;

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Darío Barassi nos cuenta cómo fue hacer CHUECO la nueva sitcom de Disney: "Era un lindo desafío, nunca dudé"

El cineasta que supo ser el más joven de nuestro país debutando con tan solo 21 años con su primera serie, charló con Filo.news sobre sus nuevos proyectos, cómo es filmar afuera y lanzó una fuerte crítica hacia las remakes. Además contó cuáles son las películas que todo cinéfilo debe ver.&nbsp;

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Mariano Hueter el exitoso director argentino habló sobre el boom de las remake: “Me parece que falta un recambio generacional "

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Freeks, la nueva serie de Disney + ya está disponible con todos sus episodios para maratonear este fin de semana y adentrarnos en esta historia llena de rock, amor y misterio.Protagonizada por Guido Pennelli, Julián Cerati, Alan Madanes, Pablo Turturiello y Gastón Vietto que encaran a 5 chicos que forman parte de "Freeks" una banda de rock que tendrá su saltó a la fama, luego de un incidente viral y que su líder Gaspar (Pennelli) fuera acusado de robo y abandone la agrupación.Tras estos incidentes los chicos afrontaran las mieles del éxito abrupto, mientras que Gaspar se embarcará en la búsqueda de la verdad y encontrar al verdadero culpable de haberse quedado con la recaudación de la banda.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=yLGMD_oHyLk"></oembed></figure>Y sobre esto y algunas cosas más, fue que charlamos con sus protagonistas que al contrario que en Freeks tienen una química increíble. Lo primero que quise saber fue qué significaba para cada uno de ellos la música y si tuvieron que aprender a tocar algún instrumento para llevar adelante sus personajes.-¿Es verdad que les tocó para la serie tocar instrumentos que no son los que habitualmente tocan?El primero en tomar la palabra es Guido Penelli que comienza diciendo: -"Si, mira mi instrumento principal, si se quiere, es la batería, porque es lo primero que empecé a tocar de chico. Pero entre los &nbsp;6 y los 10 ya descubrí la guitarra y &nbsp;me encantó. Ósea que se puede decir que es mi segundo instrumento", sostuvo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/30/DSC_43187836_.jpg"></figure>Guido Penelli | Foto gentileza Disney+"Y cantar también, siempre canté un poco desde chico. Y si, hemos grabado las voces de todas las canciones, que son 7 que se estrenan en simultáneo con la serie", cuenta sobre el soundtrack que ya está disponible en todas las plataformas para disfrutar del álbum que contiene temas como: “Torcer el rumbo”, &nbsp; “Quieres de mí”, “Estaré aquí”, “Brujería”, “Solo tú”, “Ya no hay vuelta atrás” y “Será lo que será”, donde los chicos despliegan todo su talento.<div class="raw-html-embed"><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/20berej5rI67IMUVwkgEgt?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></div>Por su lado Alan Madanes nos contó: "Yo toco varios instrumentos, toco piano, guitarra, bajo, batería, esos cuatro típicos clásicos de bandas los manejo, pero no soy bajista, y para la serie no solo tuve que ser un bajista, sino que además darle toda la impronta que eso necesitaba", explica sobre su personaje que además se embarcará en un triángulo amoroso.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/30/DSC_42681200_.jpg"></figure>Alan Madanes | Foto gentileza de Disney+"Y mi personaje Ludovico es especial, viste para mí es como el arquero, el que más gana. Pero fue lindo la verdad porque nos pasaba mucho en los ensayos que intercambiábamos entre nosotros los instrumentos y nos poníamos a jugar", aseguró sobre el intercambio de roles con los que jugaban entre escena y escena.Gastón Vietto, a su vez, habló de la experiencia de hacer Freeks y el permitirse disfrutar para crear: "Es que al final termina siendo una experiencia hermosa. Y también tenemos, no te digo facilidad, pero el animarnos a estar con un instrumento nuevo, adaptarnos a la esencia de ese instrumento y del músico que lleva ese instrumento. Es todo un desafío porque uno no solo tiene que tocar sino creerse, en mi caso ser un baterista", completa en consonancia con lo dicho por sus compañeros.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/30/DSC_41871961_.jpg"></figure>Gastón Vietto | Foto: gentileza de Disney+Y cierra: "Y bueno uno como actor también le va poniendo sus condimentos de la personalidad del papel que nos tocó".No obstante, Julián Cerati, el único de los chicos que no tenía tanta experiencia a nivel musical expresó: "Bueno a mí me toca el Arpa del Congo", dice bromeando para sumarse a la charla, pero acá en la serie me tocó la guitarra, pero que igual es muy parecida", sostiene haciendo tentar a sus colegas.Alan interrumpe para poner paños fríos en la charla y destacar el trabajo de Juli, que le toca un papel, un tanto antipático, y con Ulises será la contrafigura de Gaspar: "Yo quiero decir que el trabajo que se mandó Juli, de haberse bancado a todos estos músicos que somos pesados, y todo lo que tocamos y querremos cambiar y mover", arrancó puntualizando.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/30/DSC_40794261_.jpg"></figure>Julián Cerati | Foto: gentileza de Disney+Y elogió y destacó la labor de su compañero: "Juli hizo un trabajo espectacular, y más allá de su personaje se metió a pleno con la guitarra. Nosotros empezamos a ensayar dos meses antes de que tocáramos realmente, y cuando llego el momento de grabar a Juli se lo veía de otra manera, y se veía el crecimiento de cuando arrancamos a como finalmente llegó a la grabación", reconoció.Julián: "Yo nunca me dediqué a la música, estudie canto, guitarra, pero siempre por el lado interpretativo y se suma lo musical cuando lo interpretativo lo requiere. Y los pibes me dieron muchísimo aguante, muchísimas clases, y bueno se trata de gozarlo también y de disfrutar y yo me lo tomé así".Y si de música hablamos les pregunté a los chicos si a la hora de componer a sus personajes se inspiraron en alguien en especial y los actores no escatimaron en responder y asombrarse entre ellos de los nombres elegidos.Una vez más, Guido tomó la palabra y relató el proceso que realizó de observación y estudio de la personalidad e impronta de Michael Hutchence, que tras hablarlo con el director tomó como inspiración para darle una forma a Gaspar, su personaje.-Sí, bueno en mi caso, lo hablamos con uno de los directores y hablamos mucho sobre Gaspar, sobre el personaje, y a quien tenía yo como referencia. &nbsp;Y &nbsp;el cantante de INXS fue a quien yo tome como referencia. Él me decía bueno, visualiza uno y vamos a encarar por ahí", explicó.Mientras que hizo la salvedad: "Hablamos mucho de él, vimos documentales, y obvio que Gaspar no era igual a Michael Hutchence. Pero también buscamos en qué cosas se podía diferenciar mi personaje de él".Allí, Gastón comentó que Gaspar tomo muy bien el agarre de la guitarra y la postura del músico: "Cabe destacar el agarre de la guitarra, no es un dato menor", ahí nos contaron que Guido es zurdo y se planteó la idea de que aprendiera a tocar con la derecha, pero finalmente quedó descartado.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/30/DSC_5231_B6696_.jpg"></figure>Alan sumó lo suyo y contó cuáles fueron sus inspiraciones: "Yo me metí en el mundo de los bajistas, y a tratar de jugar a pleno ese rol, viste de estar un poco más atrás. Yo siempre en los proyectos musicales que encaré, personales o en la vida estuve más al frente con la guitarra cantando y entonces me metí a ver, desde las cosas más locas, &nbsp;de saltos y las cosas que quería meter", cuenta.En esa línea confesó que músico llamó su atención: " Flea de los Red Hot Chilli Peppers me pareció una buena data para jugar. A mí me gusta el rock más clásico como AC/DC yo seguí mucho a Cliff Williams que es el bajista de la banda &nbsp;y él está en una impronta mucho más tranquila".Y sobre la interpretación que necesitaba para darle vida a Ludovico agregó: "Y en el juego que tengo con Gaspar o con Ulises para cantar, obviamente estudie a Paul McCartney para ver como jugar con los micrófonos. Tenemos muchas escenas donde jugamos así y encaré al número 1, humilde el pibe como para decir arranquemos con algo”, dice riéndose y gestualizando ser el número 1.Sin embargo, Gastón contó que para él el proceso fue diferente ya que su personaje atraviesa otras cuestiones personales y se enfocó en eso: "Yo sinceramente no tomé a ningún referente, porque creo que por más que Juani sea baterista, no sé si tiene un alma de baterista, se entiende"."No es un hambre de baterista, viste, y no es porque no quiera, sino porque va a un lado más sutil, se va amoldando y a medida que a la banda le van pasando cosas él también se va como amigando con esto de hacerse conocido. Pero el pibe va por otro lado, en realidad, a él le gusta hacer música y capaz que es el instrumento que ahora tiene y es el baterista, pero Juani, mi personaje no se sube a la actitud de decir “soy el baterista de Freeks”", remarcó.-¿Y Juli en lo interpretativo en quién te inspiraste?&nbsp; &nbsp;-"Bueno me pasa un poco lo mismo que a Juani, creo que con otro objetivo, otra meta, pero Ulises no sé hasta donde la pasión es lo que lo mueve, sino que es un medio para alcanzar eso que quiere alcanzar", analiza sobre su personaje."En mi caso la guitarra lo ha tomado de muchas personas y ha aprovechado esa habilidad para poner en juego sus objetivos. Que en este caso pasan por otro lado, quizá su sueño no es tan colectivo", advierte adelantando un poco la naturaleza de Ulises."Es un sueño más personal y de una carencia propia, y el vehículo de la banda lo ayuda a llegar a esa meta. Entonces no creo que haya un solo músico es un poco la excusa que usa para lucirse él y llegar adonde quiere llegar y absorbe de todo los lugares que puede. Pero creo que el músico de él sería Ricky Martín", dice causando las carcajadas y sorpresa de sus colegas.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=5PYTPAe9sq0"></oembed></figure>Freeks ya está disponible en la plataforma de Disney+ con sus 13 episodios para que le des play y no pares hasta llegar a la verdad, escuchando además una música increíble ya que en la serie suena desde Soda Stereo hasta los Enanitos verdes y tiene dos covers de estas bandas tan emblemáticas de la escena musical latinoamericana.&nbsp;Además completan el elenco &nbsp;Marcelo de Bellis (“Ricardo”), Malena Ratner ( “Nina”), Julia Tozzi ( “Gisela”), Agustina Cabo (“Isabella”), Pablo Sultani (“Oso”), Tupac Larriera &nbsp;(“Mauricio”), Malena Narvay (“Charo”), Santiago Stieben ( “Blas”), Yamila Safdie (“Camila”), Mariana Torres (“Laura”) y Alejandro Müller (“Enzo”). &nbsp;&nbsp;&nbsp;

Guido Pennelli, Julián Cerati, Alan Madanes &nbsp;y Gastón Vietto nos cuentan en exclusiva para Filo.news cómo crearon a sus personajes, y que tan importante es la música en sus vidas. Además nos hablaron de la química que se creó en el grupo y que tiene Freeks de Flea, Michael Hutchense, Paul McCartney y Ricky Martin.&nbsp;

Guido Pennelli, Julián Cerati, Alan Madanes &nbsp;y Gastón Vietto nos cuentan en exclusiva para Filo.news cómo crearon a sus personajes, y que tan importante es la música en sus vidas. Además nos hablaron de la química que se creó en el grupo y que tiene Freeks de Flea, Michael Hutchense, Paul McCartney y Ricky Martin.&nbsp;

Freeks: hablamos con sus protagonistas que nos contaron en qué músicos se inspiraron

La noche de anoche fue una jornada muy especial para JMENA que se presentó en el Teatro Ópera en la primera de las dos fechas pautadas que dan inicio al "Mala Sangre Tour", su último, y más personal disco, colmado de canciones que le dan un giro a su vida llevándola de regreso a su infancia y a sus relaciones amorosas de entonces y más actuales.&nbsp;"Este disco me llevo mucho tiempo, yo también espere cuatro años, y les agradezco muchísimo porque este disco fue un volantazo para mi musicalmente", diría a modo de despedida de una noche inolvidable que comenzó pasados apenas unos minutos de las 20:30 del martes 13 de junio con el corte que también da inicio al disco "Los Locos".&nbsp;También te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2023/03/28/j-mena-presento-mala-sangre-con-una-pelicula-necesite-volver-a-mis-raices">"J MENA presentó "Mala Sangre" con una película: "Necesité volver a mis raíces""</a>Allí enfundada en un mono negro con algunas transparencias, JMENA apareció con toda la potencia escénica y una voz impecable para entregarle a las más de 1800 personas presentes su alma en carne viva.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/14/JMENA_-_OPERA_DIA_1_-79687_.jpg"></figure>PH: Julieta MarilynDesplegando a su actriz, la cantante que estuvo acompañada por ocho bailarines, que personificaron a sus fantasmas, y fantasías, continuó con "Cariño resentido" y "San Valentín", donde se batió entre el "bueno y el malo", para completar las primeras tres canciones inaugurales.&nbsp;Pero además de "Mala Sangre", JMENA no dejó de cantar los hits de sus anteriores discos y fue allí que mechó "Se acabó" y "Corazón de cemento", siempre con la excelente coreografía de Daiu Farji.&nbsp;El primer momento emotivo, de los varios que tendría la noche, llegó con la descarnada "Mi funeral", donde la artista cantó a corazón abierto una balada de las más personales que realizó hasta el momento y que la audiencia ovacionó. Más adelante volvería los clásicos y sonaría "La Tonta", que acompañó con un baile irónico haciendo alusión a la canción.&nbsp;Seguidos por :"ADN"; "Ya Quisieran"; "Dos Corazones"; "Quién empezó"; "Puta"; "Taxi Boy" y "QLO", que cerrarían el cuarto tramo del show que la interprete encaró como si fuera una historia de vida.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/14/JMENA_-_OPERA_DIA_1_-276425_.jpg"></figure>PH: Julieta Marilyn“Una muy buena amiga. Éramos vecinas. Fue su idea. Ella me protegió, me cuidó, ella sabía todo de mí”, se escuchó en off mientras la imponente pantalla subtitulaba las frases y el enardecido público anticipaba lo que se venía...&nbsp;“Un día me mintió y me rompió el corazón. Nunca pude perdonarla. Nunca”, continuó la voz de Jmena que lanzó: “Porque las buenas amigas no se cogen a los maridos de sus amigas”, sentenció la artista para dar paso a "La Araña", el primer corte de "Mala Sangre" que tanta repercusión tuvo por su sincera versión del engaño y traición que sufrió por parte de Gianinna Maradona y Daniel Osvaldo.&nbsp;Tras el esperado y celebrado tema, llegaría la emoción de la mano de "Mi Felicidad" donde su hijo Momo, abriría la puerta presentándose con la máscara que utilizó en el video que grabó junto a su mamá, para recibir el caluroso aplauso del público y el abrazo de la cantante que correría a su encuentro.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/14/JMENA_-_OPERA_DIA_1_-84910_.jpg"></figure>PH: Julieta MarilynCompletamente tomada por la emoción Jmena le cantó a su hijo, entre lágrimas la canción que le escribió, y que las miles de personas asistentes al show acompañaron con sus cánticos a flor de piel. Pero Momo se quedaría un rato más sobre el escenario, ya sin la máscara, y en un impecable traje para ser parte de "Oro", donde se animó a cantar algunas estrofas y cerrar con el festivo y esperanzador "Lo que tenga que durar".&nbsp;Allí, y mientras resonaban los acordes murgueros del tema, la cantante fue a buscar a Mary, su histórica y popular niñera que la acompaña desde que era chica y hoy cuida a Morrison, y a otros integrantes del equipo que fueron parte fundamental del show que desde hace cuatro meses vienen craneando.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/14/JMENA_-_OPERA_DIA_1_-251274_.jpg"></figure>PH: Julieta MarilynNo obstante, y tras la primer despedida de la noche, el público quería más y Jmena lo sabía, así que tras algunos minutos las luces volverían a encenderse y la cantante llegaría con "Flor de Involución" y se animaría a realizar el cover de "Music", de Madonna que le quedó tallado a su voz, ya que comparte el mismo color que la reina del pop.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/14/JMENA_OPERA-102270_.jpg"></figure>PH: Julieta MarilynFinalmente el Ópera se tiñó de verde y para despedirse, está vez de verdad, como si fuera una superheroína Jmena abriría por última vez en la noche la puerta y con sus bailarines interpretaría "La Cobra", el hit que la llevaría a lo más alto de su carrera y que ya es un himno para el fandom.&nbsp;La ovación abrazaría a la cantante que hizo un show diferente, personal e impecable y daría el pie para que le dijera algunas palabras de amor y agradecimiento para los presentes, y con ello también la posibilidad a la artista de dejarse colmar por la emoción que contuvo durante toda la noche.&nbsp;"Este disco me llevo mucho tiempo, yo también espere cuatro años, y les agradezco muchísimo porque este disco fue un volantazo para mi musicalmente", arrancó diciendo y agregó: &nbsp;"Me fui muy fiel a mí misma. Porque yo tenía muchas ganas de hacer esto, y de traer esto al escenario con este, que es un show diferente", remarcó.&nbsp;"Con historias, con hombres, estos fantasmas de mi vida que me hacen la mujer que soy hoy, y agradecer de corazón porque en algún momento de este tiempo pensé que no me iba a volver a pasar esto (de volver a cantar). Así que simplemente si yo les tengo que decir algo, un consejo, es que se animen, que sean honestos y fieles, con ustedes primero y hagan siempre todo desde el corazón", expresó feliz por su presente.&nbsp;Ya para finalizar dejó un mensaje para todas las mujeres y sostuvo: "Tengo un cariño especial por las mujeres solas con chicos, porque somos invencibles, somos realmente invencibles, a mí me lo dijo Momo, y me lo tatué, y así lo creo y así voy por la vida", concluyó feliz.&nbsp;"Mala Sangre Tour" tendrá su segunda, y última fecha en CABA, en el día miércoles 14 de junio, con entradas completamente agotadas en el Teatro Ópera.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

La cantante volvió al punto de partida y se presentó en el Teatro Ópera en una noche completamente agotada, colmada de emoción teatralidad y la potencia de su música.&nbsp;

La cantante volvió al punto de partida y se presentó en el Teatro Ópera en una noche completamente agotada, colmada de emoción teatralidad y la potencia de su música.&nbsp;

JMENA volvió a los escenarios con un show único y muy personal: "Estoy con los fantasmas de mi vida, que me hicieron quien soy"

JMENA volvió a los escenarios con un show único y muy personal

La espera llegó a su fin para los fans de “Entrelazados” que estrenó su segunda temporada completa para Disney+ y ya podemos revelar qué fue lo que pasó, tras el final que dejó a todos con la boca abierta.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CrfOou7Mqbi/"></oembed></figure> &nbsp;Ahora, en esta segunda parte que consta de 7 episodios que ya podés ver enteros en el servicio de streaming, nos encontramos no solo con muchas respuestas, sino que con un nuevo enigma, nuevos personajes, nueva música y una línea temporal que &nbsp;ahora se ubica en los años 70`s y por supuesto con mucho más de Las Sharps interpretadas por Carolina Domenech (Allegra), Clara Alonso (Caterina) y Elena Roger (Cocó) con quienes hablamos en exclusiva para Filo.news. &nbsp;Allí las protagonistas de esta historia nos cuentan cómo se reencontraron en esta segunda temporada y como encararon a sus respectivos personajes. La palabra inicial la toma la talentosísima Elena Roger, quien interpreta a Cocó una mujer rígida, exigente y difícil de permear de la que conoceremos su historia y sus comienzos en el mundo artístico.&nbsp; &nbsp;“A mí me gustó mucho esta temporada porque &nbsp;vemos a una Cocó que sigue teniendo algunos conflictos, pero también sigue tratando de mejorar y relacionarse mejor con la familia. Sobre todo con su hija y su nieta”, comienza diciéndonos sobre la evolución de su personaje.&nbsp;<img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/02/COCÃ_-_Elena_Roger1327_.jpg"> Elena Roger (Cocó Sharp) | Foto: Gentileza DisneyAl tiempo que remarca: “Aunque comete todavía muchos errores. Pero me gusta que también en esta temporada se pueda conocer un poco ese pasado, y por qué, o más bien la esencia que tiene esta Coco y lo que le sucedió”, explica y puntualiza: “Porque en realidad no hay nada que le haya sucedido para que ella sea de la manera que es. En realidad Coco es de esa manera y por eso suceden determinadas cosas”, resumió sincera sobre la historia de “la mayor de las Sharps”.&nbsp; &nbsp;Asimismo señaló que en esta temporada disfrutó mucho el poder centrarse en la Cocó más adulta: “En la temporada anterior yo tenía &nbsp;a Coco que se dividía en dos épocas. Entonces había un conflicto para mí, como actriz, de tener que ser distinta de una época a la otra. En este caso me pude liberar un poco de eso, porque no había una comparación. Entonces fui a la Coco más adulta, que es a la que yo más me parezco, a lo que soy yo ahora. Y en ese caso fue como más fácil”, señaló con una sonrisa.&nbsp; &nbsp;No obstante, y al contrario de lo que planteó Elena Roger, Caro de Dominich aseguró que a ella le costó muchísimo más en esta temporada entender, en un principio, a Allegra, su personaje: “Me pasó con Allegra que me encantó volver a leerla cuando nos dieron los primeros libros”, Comienza diciendo para este medio y revelo: “Pero lloraba mucho porque me constó entender por qué Allegra, de la nada el novio le desaparece y se pone con el otro, fue raro. Y también como en “modo espectadora” me preguntaba ¿por qué hizo esto?”, señaló sobre el cambio de su personaje.&nbsp; &nbsp;De todas maneras comentó que fue solo al principió ya que la trama encuentra estas respuestas, y su mayor desafío en esta segunda parte fue mostrar a una chica, que en medio de una decisión difícil, fuera lo más honesta y justa posible: “Para mí fue crucial la sinceridad con la que se expresa mi personaje, me pareció súper interesante y me hizo en cierto modo, perdonarla”, admitió.&nbsp; &nbsp;“Y Eso me parecía muy importante generar en la gente, que entiendan el por qué Allegra reaccionó así, por qué hizo lo que hizo y quería mostrarla bien sincera y honesta y sobre todo honesta con ella, porque ella tuvo que duelar también esto que de la nada el novio le desaparece y no tiene ni idea donde está y el mejor amigo, que ella lo confundió, y todo ese proceso me parece súper interesante de verlo y de interpretarlo también”, puntualizó sobre la trama y los eventos que pasa su personaje a medida que avanzan los capítulos. &nbsp;&nbsp; &nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/02/ALLEGRA_-_Carolina_Domenech8297_.jpg"></figure>Carolina Domenech (Allegra Sharp)| Foto: Gentileza DisneyAdemás Caro sumó: “Al mismo tiempo cuida a su amigo, no es que de la nada aparece Marco y ella automáticamente se olvida de Felix. En esta temporada, y en este proceso, ella lo tiene muy presente a su amigo en muchas situaciones, y lo cuida mucho”, remarcó mientras que resaltaba el poder de la amistad y el valor que le da, algo que comparte al 100% con Allegra.&nbsp; &nbsp;También te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2023/05/29/entrelazados-2-hablamos-con-kevsho-el-purre-y-santiago-achaga-sobre-la-2da-temporada-y-cuales-fueron-sus-escenas-favoritas">"Entrelazados 2, hablamos con Kevsho, El Purre y Santiago Achaga sobre la 2da temporada y ¿Cuáles fueron sus escenas favoritas?"</a>“Me gusta también esto que la relación entre Felix y Allegra está en varios momentos de tensión y arreglo y la importancia que ella le da a la relación con él, y ser sinceros. Así que me gustó mucho. Ya que para mí los amigos son de las cosas más importantes en la vida, entonces poder contar esta historia junto con Kevsho, que es uno de mis amigos más íntimos, y contar ese lado de las relaciones, y demostrar que con sinceridad y hablando se puede llegar a un lugar más copado y hacer crecer los lazos”, aseguró.&nbsp; &nbsp;Clara Alonso, quien interpreta a Caterina, mamá de Allegra e hija de Cocó Sharp también nos contó cómo fue el proceso de armar a este personaje que presentará conflictos con ambas generaciones y cómo es trabajar junto a Elena Roger y Caro: “Creo que estos tres personajes, estas tres mujeres son diferentes, pero las une la historia, los genes y el amor por el arte, por ellas mismas. Y es importante que tanto Caterina, como Allegra, como Cocó se mantengan fuertes y mantengan sus propias características que las hacen particulares y que las separan de las demás para que se pueda desarrollar la trama de la historia”, comienza diciendo para Filo.newsC <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/02/CATERINA_-_Clara_Alonso7702_.jpg">Clara Alonso (Caterina Sharp) | Foto: Gentileza Disney+Y añade: “Creo que las tres, tanto Caro, como Ele, como yo, también tenemos nuestras tres personalidades fuertes &nbsp;y nuestras particularidades que nos ayudaron a poder darle vida, fortaleza y &nbsp;sensibilidad a estos personajes. Así que es toda una aventura estar con ellas y compartir set y rodajes”, aseveró sobre sus colegas.&nbsp; &nbsp;La continuación de Disney Entrelazados comienza con Marco viajando en el tiempo al año 2021 gracias al brazalete. Fascinado por ese nuevo mundo que se abre ante sus ojos, buscará quedarse en ese tiempo con Allegra. Mientras tanto, las Sharp reciben una oferta imposible de rechazar para llevar la obra “Años Luz“ a otro nivel, algo que no será fácil de lograr, ya que se pondrán en juego varias revelaciones del pasado que quedaron sin resolver desde el incendio en 1994. Marco colaborará con las Sharp, pero también deberá averiguar a contrarreloj por qué el brazalete lo llevó hasta 2021 y qué tiene que resolver allí, descubriendo en el proceso un peligro desconocido que encierra este misterioso objeto. &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=dFtsDuykYko"></oembed></figure> &nbsp;Bajo esta nueva trama, quise saber cuáles fueron las escenas favoritas de ellas a la hora de grabar esta temporada.&nbsp; -Caro: “Yo recuerdo una que estamos grabando con Clari y con Elen, y no sé porque con Clari estábamos muy tentadas. Mientras que Elena estaba muy concentrada. Y siento que también eso muestra mucho nuestras personalidades”, arranca recordando y comenta con una sonrisa: “Pero Elen se deja jugar muchísimo en el set, y esa vez estaba como muy metida en la escena porque tenía mucho texto y yo con Clari solamente teníamos que hacer caras y fue muy hermoso porque nos mirábamos y no podíamos para de reírnos”, señaló. <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/06/02/entrelazados7603_.png">“Pero eso me pareció maravilloso de poder permitirnos eso en el set de “estamos trabajando, pero estamos jugando también”, diferenció.&nbsp; -Clara: “Yo recuerdo mucho las escenas musicales que se ven más hacia el final, fueron una fiesta. Tiene un despliegue muy Disney y haberlas hecho con ellas, y con un montón de artistas en el escenario, fue un lujo. Disfruté un montón toda esa parte, porque mi personaje en la primer temporada no tenía, porque estaba más alejada de los escenarios dedicándose más a la escritura. En esta temporada se me permite explorar estos lugares, así que fue una alegría y los disfruté un montón”, sostuvo contenta.&nbsp; &nbsp;Y si, porque si algo tiene Entrelazados es música, y en esta segunda parte nos encontraremos con tres canciones originales interpretadas por distintos integrantes del elenco —“Ahora”, “Allá voy”, y “Contigo en la vida” — así como covers de tres reconocidos hits: “Piano Man” de Billy Joel, “De mí” de Charly García y “Summer Nights”, de la obra de teatro musical Grease.<div class="raw-html-embed"><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/3RFSxWixi4AsRCa2NveYZ1?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></div>Para cerrar Elena Roger nos cuenta que la esencia de la serie tiene que ver justamente con cómo estamos entrelazados en la vida y como nos vinculamos con el pasado y el presente: Es muy interesante poder conocer ese pasado que une a otros personajes. Y es tan interesante verlos, y ver como un pasado también en el presente se vincula &nbsp;con gente que tiene que ver con el pasado de alguna manera”, expone.&nbsp; &nbsp;“Y eso, si te pones a pensar es algo que nos sucede todo el tiempo. Esto de encontrarte con alguien que de repente es el hijo de tal y por ahí los abuelos se conocían, como que de alguna manera estamos entrelazados”, finalizó."Entrelazados 2" protagonizada por &nbsp;Carolina Domenech (“Allegra”), José Giménez Zapiola “El Purre” (“Marco”), Kevsho (“Félix”), Elena Roger (“Cocó”) y Clara Alonso (“Caterina”) que llega con nuevos viajes en el tiempo, nuevos personajes y más música, romance y aventura. ya está disponible en Disney+.&nbsp;Además los nuevos episodios de la serie cuentan con el regreso de Rodrigo Pedreira (“Franco”), Benjamín Amadeo (“Diego” en 2021), Lucila Gandolfo (“Lucía”), Berenice Gandullo (“Bárbara” en 2021), Manuela Menéndez (“Caterina” en 1994) y Manuel Ramos (“Diego” en 1994), con la participación especial de Favio Posca (“Mike”). Además, se suman al reparto Santiago Achaga (“Franco” en 1975), Toti Bengoechea (“Cocó” en 1975), Rocío Hernández (“Paloma”), Betina O’Connell (“Lucía” en 1975), Regina Lamm (“Abuela Allegra”), Pietro Gian (“Antonio Resco” en 1975), Beto de Carabassa (“Pedro” en 1975), Miguel Abud (“Pedro” en 1994 y 2021) y Agustina Benavides (“Clara”). &nbsp; &nbsp;&nbsp;

Tras el estreno de la segunda temporada, hablamos en exclusiva con sus protagonistas que nos revelaron cómo fue reencontrarse y cuáles fueron sus escenas favoritas.&nbsp;

Tras el estreno de la segunda temporada, hablamos en exclusiva con sus protagonistas que nos revelaron cómo fue reencontrarse y cuáles fueron sus escenas favoritas.&nbsp;

“Entrelazados 2” : Carolina Domenech habla sobre la segunda temporada: “Me costó mucho perdonar a Allegra”

Alejandro Sanz regresó a nuestro país con su gira “Sanz en Vivo” de la cuál agotó las 7 fechas previstas entre Córdoba, Rosario y Buenos Aires. Y en su primera noche en la ciudad, frente a un estadio completamente sold out, el compositor español desplegó sus éxitos que mezcló con su etapa musical más reciente.&nbsp;Foto: cortesía de Dale Play<img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/05/12/MZA091481925_.jpg">Foto: cortesía de Dale Play&nbsp;Pasadas las 21:00 hs del día viernes 5 de mayo, Sanz subiría al escenario vestido con un traje rojo, el pelo platinado y unos lentes oscuros para abrir el show en el Arena con “No es lo Mismo”, seguido de “Lo que fui, es lo que soy” que se desprende de su primer disco “Viviendo de prisa”, y “Deja que te bese”, flamenco que originalmente cantó a dúo junto a Mark Anthony y que en esta ocasión lo hizo con uno de sus músicos.&nbsp;Así como “Looking for Paradise” donde la voz de Alicia Keys fue entonada por su corista, Karina Pasian. Acto seguido &nbsp;llegaría el primer medley de la noche, con “El alma al aire / Regálame la silla donde te esperé / Hoy llueve, hoy duele”. E igual destino tomarían algunas de sus más representativas canciones como “Amiga mía”, “La fuerza del corazón”, “Mi soledad y yo”, “y Si fuera ella”, y “Cuando nadie me ve” que sufrieron sus acotaciones en un popurrí que Sanz eligió para diferentes momentos de la velada.<img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/05/12/MZA092195311_.jpg"> Foto: cortesía de Dale Play“Sanz en Vivo”, que ya ha anunciado y realizado más de 30 fechas en este 2023 en México, Chile, Colombia, Perú, Ecuador y España trae un show completamente renovado donde el madrileño mecha la nostalgia de sus clásicos de la primera hora, allá por los años 90`s con su trabajo más reciente “Sanz”, su último disco de estudio, nominado en la categoría “Álbum del año” en los Latin Grammy 2022 y que además fue el disco más vendido en unidades físicas del 2021 en España.&nbsp; &nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Cr40zt4OYAl/"></oembed></figure>En cuanto a la puesta en escena, el cantante jugó con los colores donde primaron el verde, el azul y el rojo acompañados por un fuego que representaba el calor del público que a medida que pasaban las canciones pedía más. “Nunca he sido muy elocuente, y esta noche mucho menos”, decía el cantante sumergido en una inmensa emoción que lo embargó en varios momentos de la noche.&nbsp; &nbsp;<blockquote>“Dicen que los ingleses inventaron el fútbol, puede ser pero la pasión, la pasión se inventó aquí”.</blockquote>Como no podía ser de otra manera, el piano tuvo su espacio con “¿Lo ves?” ya casi encarando las últimas canciones de la jornada musical, y la lista, que venía presentando en los diferentes países, tuvo su modificación cuando Sanz entonó el track de “El Alma al aire”: “Llega, llegó soledad” dedicada a Buenos Aires. "Porque tengo porteño el corazón", afirmaría sonriente.&nbsp; &nbsp;<img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/05/12/MZA091119540_.jpg">Foto: cortesía de Dale PlayEl mundial no quedó exento de las palabras de Alejandro que contó la felicidad que sintió luego de que Argentina se consagrara campeona del mundo y dijo: “Lo viví como si fuera propio”, comentó en medio de los miles de aplausos y ovaciones del público al tiempo &nbsp;que agregó: “Dicen que los ingleses inventaron el fútbol, puede ser pero la pasión, la pasión se inventó aquí”, arrojó tras el vitoreo del estadio de Villa Crespo.&nbsp; <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2023/05/12/MZA092852281_.jpg"> Foto: cortesía de Dale PlayLa sorpresa de la noche llegaría junto al homenaje que el madrileño de 54 años le realizó a su contemporáneo Joaquín Sabina, tras entonar “Contigo” que el ferviente público cantó a viva voz dedicándole aquellos párrafos desgarradores al artista que hizo propia la versión.&nbsp; &nbsp;Ya la noche llegaría casi a su final con “Una que sepamos todos” y sonó el hit que puso el estadio de pie con “Corazón partío”; “Les juro que me voy, no me creen”, jugaba el artista para anunciar que estábamos llegando a la despedida. &nbsp;Sin embargo quedaría un poco más y tras un momento orquestal, las luces volvería a encenderse para &nbsp;la versión acústica de “Viviendo de prisa” que Sanz tocó generando un momento de intimidad, a pesar de las más de 15 mil personas, y realizar el último medley de la noche con: Mi soledad y yo / Y, ¿Si fuera ella? / Ese último momento que anticiparía, ahora sí llegaría la despedida final, luego de dos horas de shows que engalanaron a casi tres generaciones que lo acompañó en la primera presentación, de las cinco que llevará adelante en la ciudad de Buenos Aires.&nbsp; “No me hagan llorar”, repetía, Sanz tras decir…”Hasta luego, y nunca adiós”.&nbsp;&nbsp;

Más de tres generaciones disfrutaron el regreso del cantautor que vuelve a su segunda casa para abrazar al público argentino con el show que viene presentando en su gira “Sanz en vivo” de la cual agotó cinco fechas en el estadio de CABA.