El primer tráiler de “Había una Vez en Hollywood” muestra una recreación de época que exalta el choque de culturas de la industria del entretenimiento
No hay una época que la cultura progresista norteamericana exalte más que la segunda mitad de los '60, la era del amor libre, protestas en contra de la guerra, y grandes triunfos en la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos.
En esta década de idealismo, 1969 marca el final del sueño. La contracultura generó una reacción violenta por parte del electorado norteamericano, que eligió al ultraconservador Richard Nixon como el presidente que asumió en enero de ese año, mientras que en julio la llegada del hombre a la luna se vivió como una de las grandes victorias de la Guerra Fría - y una reivindicación del excepcionalismo norteamericano.
Desde el ‘67 el movimiento hippie había representado a una nueva mirada política y social que respondía a cambios paradigmáticos como el Mayo Francés y la revolución cultural China, pero en 1969 se derrumbó luego de tres golpes mortales: el comercialismo del festival de Woodstock, el caos del festival de Altamont, y los brutales crímenes de la Familia Manson, una comuna hippie que convirtió a cada uno de los “hijos de las flores” en potenciales asesinos a los ojos del público masivo.
El primer tráiler de “Había una Vez en Hollywood” revela el 1969 resplandeciente y eléctrico de Quentin Tarantino, que narra ese mismo choque cultural dentro de una industria del cine y la televisión todavía estancada en la visión de los Estados Unidos ideales de los años ‘50.
El tráiler empieza con una entrevista a nuestros dos personajes principales: Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), protagonista de la serie “Bounty Law”(“La ley de la recompensa”) y su doble de riesgo Cliff Booth (Brad Pitt). Esta primera escena está ambientada años alrededor de 1963, último año en el que Rick (un personaje ficticio) tuvo trabajo regular en televisión, y busca ser un contraste entre el Hollywood de esa época y el de seis años después.
Un entrevistador (de traje, claro) hace preguntas guionadas a dos profesionales que no pueden demostrar el más mínimo interés en la ridícula serie de cowboys que vemos en algunos flashes. Aunque la TV a color se estandarizó en 1954, hasta 1967 la mayoría de las series se producían en blanco y negro, y estos westerns de bajo presupuesto plagaban las pantallas - el más representativo sería también el último éxito del género, “Bonanza” (1959-1973).
La relación entre Dalton y Booth, actor y doble, está basada en la del legendario Burt Reynolds y su socio Hal Needham, también doble de riesgo, que por una razón u otra vivió durante casi 12 años en la casa de huéspedes de Reynolds.
Burt empezó su carrera en westerns televisivos, como uno de los protagonistas de la clásica “La Ley del Revolver” entre 1962 y 1965, y para fines de esa década estaba, como Dalton, tratando de adaptarse a una industria que ya no parecía necesitar hombres duros. Recién entrados los ‘70s Reynolds se convertiría en ícono de un tipo de cine de acción que recién estaba entendiendo cómo convertirse en una herramienta del establishment.
Reynolds iba a participar de “Había una Vez en Hollywood”, pero su estado de salud se lo impidió y falleció a fines del año pasado. Needham, quien dirigió en los ‘70s algunos de los éxitos más grandes de la carrera de Reynolds, murió en 2013, pero un año antes recibió el mayor honor de su carrera: un Oscar honorario que le entregó, justamente, Quentin Tarantino.
No escuchamos a Margot Robbie hablar, ni se revela nada sobre su personaje, pero desde el momento en que la actriz fue seleccionada se supo a quién iba a interpretar. A pesar de que Rick y Cliff son personajes imaginados por Tarantino, Robbie es Sharon Tate, una de las actrices de moda de fines de los ‘60. En 1967 Tate se había casado con el cineasta polaco Roman Polanski y en agosto de 1969 esperaban su primer hijo.
¿Es un spoiler si pasó en la vida real? La fama de Tate no tiene tanto que ver con su limitada carrera cinematográfica, sino con su brutal asesinato ritual a manos de la Familia Manson en el verano de 1969 - época en la que está ambientada la película.
El elenco de la película incluye a Charles Manson (Damon Herriman, saludando a cámara), a varias integrantes de su familia (interpretadas por actrices como Dakota Fanning y Margaret Qualley, a las que se ve en un breve flash), y a otras víctimas del mismo crimen como el estilista Jay Sebring (Emile Hirsch) así que sin duda veremos el sangriento desenlace de esta historia.
Tarantino podría haber incluído cualquier película de ese año dentro de su producción, pero la elección de un Cinerama no es casualidad. En los años ‘50 y ‘60 la industria del cine estaba desesperada por competir contra la novedad de la televisión, y hacía intentos cada vez más extravagantes por atraer a un público con un espectáculo distinto. Como los protagonistas de la película, Hollywood no tenía idea cómo adaptarse a una cultura que no paraba de cambiar.
El Cinerama es una especie de precursor del IMAX. Pantallas gigantescas, curvas, que recibían imágenes de tres proyectores distintos en simultáneo. “Krakatoa, al Oeste de Java”, estrenada a mediados de mayo del ‘60, es un ejemplo del “cine catástrofe” muy de moda en esa época, y una de las últimas películas comerciales exhibidas en este formato. Por supuesto, es malísima, pero si alguien le puede encontrar un valor extra, es Tarantino.
El resto de los cines que se ven a través del auto que se desplaza a lo largo de la avenida Hollywood Boulevard son otras reliquias de la época que Tarantino restauró de forma meticulosa.
La cadena “Pussycat Theatre” proyectaba películas pornográficas en continuado durante todo el día - es más, durante los ‘70s subsistió durante 10 años con un solo film: “Garganta Profunda”. El cine fue reconstruido en el mismo espacio en donde se encontraba originalmente y que hoy ocupa el Hologram Theater. Las dos películas en cartelera, “Babette” y “The Turn On” son reales.
El otro cine, el “Vogue”, está pasando la película “The Night they Raided Minsky’s”, una comedia musical de William Friedkin (“El Exorcista”) que tiene mucho de Tarantino. El cine existió hasta 1995 y hoy es una tienda de recuerdos de Hollywood.
Hoy recordamos a Bruce Lee como el protagonista de clásicos de las artes marciales como “Operación Dragón” y “Puño de Furia”, pero el inicio de su carrera se dió en la serie de superhéroes “El Avispón Verde”, de 1966, en la que Lee (aquí, el actor Mike Moh) interpretaba a Kato, el Robin (y a la vez el Alfred) del protagonista.
En 1969, como se puede ver en la película biográfica “Dragón”, Lee estaba viviendo una frustración similar a la de Dalton. Los productores solo querían que haga el mismo personaje del “Avispón Verde”, y el sentía que estaba desperdiciando su potencial y fallando a su cultura. Con pocas participaciones en televisión se había resignado a ser coreógrafo de artes marciales e instructor en su tiempo libre.
La secuencia que vemos podría ser parte de la filmación de “The Wrecking Crew” (“La Mansión de los Siete Placeres”) la última película de la serie de Matt Helm (Dean Martin), patético intento de replicar la saga de James Bond con un protagonista norteamericano. Esta película se filmó a fines de 1968, Sharon Tate hizo uno de los papeles más importantes, y Lee fue el coreógrafo ¿pero por qué estaría usando su vestuario de Kato?
A pesar de lo que dice Bruce, lo de registrar las manos como un arma letal no es real, sino un slogan promocional que usaban los boxeadores de décadas anteriores para promocionarse, así que Booth tiene toda la razón al aclararle a Lee que cualquiera puede ir a la cárcel por matar a otra persona en una pelea.
En el veloz montaje que cierra el tráiler vemos escenas de liberación hippie, casi dignas de un musical, alternadas con la vida retro de Dalton, que en esta imagen está bailando en “Hullabaloo”, un programa de variedades de corta vida que se dió entre 1965 y 1966.
Detalles como este y ciertos anacronismos que Tarantino jamás se permitiría dan a entender que mucho del tráiler es parte de la historia de Dalton y Booth previa al verano del ‘69. La entrevista, por supuesto, la filmación, con Lee, probablemente, esta aparición también y sin duda la escena final, que parece mostrar un punto bajo en la vida de Dalton, emocional y quebrado, recordándose a sí mismo que es "Rick fuckin' Dalton".
Es imposible hablar de una película de Quentin Tarantino sin detenerse su banda sonora. Aunque este tráiler no se basa tanto en la música como otros anteriores del mismo director, junta un puñado de clásicos de la época.
El primero es “Straight Shooter” de “The Mamas and the Papas”. Un clásico menor de la banda que parece referirse a nuestros héroes, ya que es una expresión que puede referirse a alguien que dispara un arma de forma precisa o a un tipo que habla frontalmente. Las dos se aplican.
La segunda canción, la que eleva el montaje final, es “Bring a Little Lovin" de Los Bravos. Tarantino ama usar bandas que mezclan rock y ritmos latinos, con debilidad por el flamenco pop, como demostró con los covers de Santa Esmeralda en “Kill Bill” y esta canción de uno de los precursores de Gipsy Kings.
El tráiler de “Había una vez en Hollywood” demuestra que el 1969 de Tarantino es una recreación fiel, pero en ese hiperrealismo se esconde la búsqueda temática de un hombre que cada vez se siente más alejado de su tiempo, y que ya no es inmune a críticas (sean válidas o no) sobre su uso de la violencia, su visión infantil de los conflictos raciales y la fetichización de sus personajes femeninos.
Ninguna de sus películas se puede considerar realmente moderna, ya que aún las ambientadas en la actualidad evocan a otra época. QT jura que esta será su anteúltima película ¿se animará "Quentin Fuckin' Tarantino" con la última a visitarnos en el presente?
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