Las presentaciones del 17 de septiembre en Orlando y 18 de septiembre en Miami dieron comienzo a esta nueva etapa del tour. Gorillaz desplegó un espectáculo de enorme escala: nuevas canciones, clásicos de toda su trayectoria y el universo visual de Jamie Hewlett convertido en una experiencia audiovisual que atraviesa generaciones.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/Dcb-4FSM7Z9/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;stkn=NTc4MTIwNjQ2YQ=="></oembed></figure> Feel Good Inc., Clint Eastwood, 19-2000, On Melancholy Hill, Rhinestone Eyes, Stylo y Kids With Guns convivieron con el nuevo repertorio de The Mountain, confirmando que Gorillaz no mira únicamente hacia su pasado: continúa expandiendo su propio universo. &nbsp;Fiel a su espíritu colaborativo, y como sucedió desde los primeros shows de la gira de THE MOUNTAIN, Gorillaz continúa invitando al escenario a algunos artistas que participaron de su último álbum, como es el caso de Asha Puthli, reconocida cantante y compositora india vinculada al jazz.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DdmHYUigGIu/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;stkn=NTc4MTIwNjQ2YQ=="></oembed></figure> &nbsp;Esto generó gran expectativa entre los fans argentinos, quienes sueñan con volver a ver a Gorillaz y a Trueno juntos en un escenario. el próximo sábado 28 de noviembre en el Primavera Sound Buenos Aires.&nbsp; Trueno participó del disco “The Mountain”, en el tema “The Manifesto” y ya compartió escenario con la banda, durante la última presentación de Gorillaz en Argentina, sorprendiendo a todos los presentes.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dbn33anMr10/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;stkn=NTc4MTIwNjQ2YQ=="></oembed></figure> En una reciente entrevista con FM LUZU, Damon Albarn elogió al artista argentino: “Es un rapero espontáneo y brillante”A pedido de los fans, septiembre trae el Pack Primavera Friends &amp; Family: ¡4x3 en entradas y abonos! Disponible en <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.enigmatickets.com/event/7755c471-83a1-41a7-ab6a-a42538df09af">EnigmaTickets.com</a> (Los clientes BBVA tendrán hasta 6 cuotas sin interés, durante todas las fases de venta)Abonos y entradas con un 20%OFF para la comunidad de FILO, ingresando el código FILO en ENIGMA TICKETS &nbsp;

El pasado fin de semana marcó el inicio de una nueva etapa de la gira de Gorillaz “The Mountain Tour 2026”, el tramo que recorre Estados Unidos y Canadá y que anticipa el esperado concierto que la banda ofrecerá el sábado 28 de noviembre, en el Primavera Sound Buenos Aires. &nbsp;

El pasado fin de semana marcó el inicio de una nueva etapa de la gira de Gorillaz “The Mountain Tour 2026”, el tramo que recorre Estados Unidos y Canadá y que anticipa el esperado concierto que la banda ofrecerá el sábado 28 de noviembre, en el Primavera Sound Buenos Aires.&nbsp;

Gorillaz: de Miami a Buenos Aires con el show que llega a la Argentina en noviembre

Emanero presenta “Ojo de loca” junto a Bandana, una nueva entrega de Runfla, el formato que el artista viene construyendo como punto de encuentro entre diferentes voces, generaciones y universos de la música popular argentina. &nbsp;En esta oportunidad, el artista convoca a la icónica banda pop argentina, para un cruce que conecta universos y recupera inevitablemente la memoria afectiva de los 2000, pero desde una canción completamente nueva y con una historia que habla en presente. &nbsp;“Ojo de loca” pone en primer plano la intuición, el amor propio y ese sexto sentido que aparece cuando algo no está bien. “Ojo de loca no se equivoca” funciona como el gran lema de una canción sobre reconocer las señales, confiar en lo que uno siente y saber cuándo una historia ya no merece otra oportunidad.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=3T2CuW6BwH4&amp;list=RD3T2CuW6BwH4&amp;start_radio=1"></oembed></figure>La colaboración llega además en un gran momento para Emanero, quien actualmente se encuentra recorriendo escenarios con su “Todo por un Beso Tour”. La gira fue presentada a sala llena en el Estadio Arena de Buenos Aires, alcanzando así su quinto show en el arena, y continuó por distintas ciudades del interior de Argentina y Uruguay. Este año, el tour también marcó un nuevo paso en su expansión internacional con su primera gira por España, donde realizó más de cinco fechas, llevando por primera vez este presente artístico al público español. &nbsp;Runfla: un formato musical que creceRunfla funciona como un formato de encuentros musicales: una propuesta en la que cada entrega reúne a artistas de distintas generaciones, escenas o géneros alrededor de una canción original. Cada colaboración propone una combinación diferente y abre un espacio donde conviven trayectorias, públicos y lenguajes musicales que no necesariamente suelen encontrarse en una misma canción. Con Bandana, el formato suma un nuevo cruce generacional, incorporando a una referencia fundamental del pop argentino a una canción que dialoga con el presente y acerca su historia a nuevas audiencias. &nbsp;

La canción es una nueva entrega de Runfla, el formato que el artista viene construyendo como punto de encuentro entre diferentes voces, generaciones y universos de la música popular argentina. &nbsp;

La canción es una nueva entrega de Runfla, el formato que el artista viene construyendo como punto de encuentro entre diferentes voces, generaciones y universos de la música popular argentina.&nbsp;

Emanero y Bandana presenta su nuevo lanzamiento "Ojo de Loca"

Antes de que aparecieran los músicos en escena, las luces bajaron y solo algunos tonos fríos quedaron iluminando el escenario, donde los instrumentos esperaban a sus intérpretes. Sonidos de agua corriendo inundaron el Teatro Colón y, entre efectos de humo, los músicos ingresaron en fila, cada uno guiándose con una mano apoyada en el hombro del otro. Mientras la sala permanecía en silencio, de a poco ocuparon sus asientos. Con su pelo y su barba blanca tan característicos, Gustavo Santaolalla, recibió ayuda para subir hasta el lugar dispuesto en el centro del escenario. Ahí lo esperaba su ronroco, instrumento que lo acompaña desde hace décadas y que da nombre al álbum de 1998 que esa noche sería uno de los ejes del recorrido. Durante la noche, como a lo largo de toda la gira, Santaolalla estuvo acompañado por un ensamble que transformó permanentemente el sonido. Él pasó por ronroco, charango, guitarra acústica, tubo, percusión, voz y guitarra octava; Javier Casalla sumó violín, viola, charango y armónica; Barbarita Palacios, teclados, glockenspiel, percusión, autoharp y voces; Nicolás Rainone alternó entre violonchelo, guitarra barítono, guitarra octava, ronroco y voz; y Santiago Carregal rotó entre guitarras, charango, autoharp y ronroco.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(3)5907_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure> Los primeros rasgueos del instrumento familiar del charango en “Way Up” colmaron la sala y dieron comienzo a un recorrido por Ronroco y por otras composiciones que marcaron distintos momentos de su carrera. “Gaucho”, “Jardín”, “Desandando el camino”, “Coyita” y “Del pago” fueron sucediéndose y convirtiendo los acordes en imágenes que remitían a paisajes y lugares de la Argentina. En las pausas del repertorio, Santaolalla también se tomó el tiempo para hablar con el público, que lo recibió con aplausos y ovaciones desde la primera interpretación. Contó sobre su interés por la física cuántica y remarcó la importancia de la energía de cada persona presente. Aquella presentación, señaló, no sería la misma sin el público, ni el público sin quienes estaban sobre el escenario. Así los invitó a formar parte y construir juntos ese concierto.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(2)7118_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure> Entre “Sicalis” y “Canto en la rama” aparecieron pequeñas transiciones que continuaron llevando el concierto hacia distintos paisajes sonoros. Primero se escucharon pájaros y luego llegaron el gong y los platillos. Más adelante, Santaolalla revelaría que aquel gong era en realidad una bandeja metálica del hotel Meliá. También tomó un simple tubo de PVC y explicó que, así como distintas culturas originarias otorgaban un alma a los objetos, ese tubo también podía tener una voz propia. Bastó hacerlo sonar para que volviera a transformar el espacio. Una bandeja metálica, un tubo, las cuerdas de un ronroco o un violín podían convivir en el mismo escenario y encontrar, cada uno a su manera, su propia musicalidad.<h4 style="text-align:justify;">Cuando la música también cuenta historias</h4>El recorrido continuó con una fusión entre “Cordón de Plata” y &nbsp;“Ella” para entonces dar paso a “Alma”. Luego llegaron “Iguazú” y “Endless Flight”, dos composiciones que también forman parte de la banda sonora de Babel, la película de Alejandro González Iñárritu por la que Santaolalla recibió en 2007 su segundo Oscar consecutivo a Mejor Banda Sonora, después de haberlo ganado el año anterior por Brokeback Mountain.Tampoco faltó “De Ushuaia a La Quiaca”, el tema instrumental que nació como cortina de uno de los proyectos más ambiciosos que compartieron Santaolalla y León Gieco y que, años más tarde, terminó convirtiéndose en una de las joyas más emotivas del álbum Ronroco. Entre 1981 y 1985, ambos encabezaron un equipo que recorrió el interior del país para buscar, registrar y documentar expresiones de la música y la cultura popular en sus lugares de origen. El proyecto tomó su nombre de los dos extremos geográficos que marcaron aquel recorrido por la Argentina. Entonces llegó uno de los momentos más esperados de la noche. El anuncio de Santaolalla de que se acercaba el bloque dedicado a The Last of Us fue recibido con gritos y ovaciones. Primero sonó “The Last of Us Intro”, luego “All Gone” y finalmente el tema principal de la saga. Gustavo compuso la música del videojuego original de 2013 y años después volvió sobre ese universo para su adaptación televisiva. En el Colón no hicieron falta imágenes de Joel o de Ellie, ni de aquel mundo devastado. Bastaron unas pocas notas para que la referencia apareciera en la cabeza del público. Cada tono, cada pieza, tenía la fuerza de hacer estremecer hasta las butacas aterciopeladas del Colón. Hasta el silencio tenía casi tanto peso como cada acorde y, cuando terminó el bloque, buena parte de la sala se puso de pie para ovacionarlo. Santaolalla, con un gesto enternecedor que repetía cada vez que terminaba una pieza, lanzaba besos al público, juntaba las manos en señal de agradecimiento y luego abría los brazos hacia la sala.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(5)3110_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure> Entre las ovaciones, los músicos también se ponían de pie y lo señalaban a él, como devolviéndole parte del reconocimiento que llegaba desde las plateas. Había una complicidad evidente entre ellos, construida a partir de miradas y pequeños gestos, aunque por momentos cada uno parecía hipnotizado por su propio instrumento. En Santaolalla esa sensación era todavía más marcada. Cada vez que rasgaba las cuerdas del ronroco, parecía fundirse con él, como si el instrumento dejara de ser un objeto para convertirse en una extensión más de su cuerpo.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/22/SantaolallaTeatroColÃ³n_CrÃ©dito_Gentileza_Aspix_ySantaolalla_(1)_(1)7796_.jpg"><figcaption>Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla</figcaption></figure><h4 style="text-align:justify;"> Brokeback Mountain y el cierre de la noche</h4>Después llegaron “Zenda”, “Lela” y “La vuelta”, hasta que Santaolalla habló sobre la importancia que había tenido para él participar de Brokeback Mountain y reflexionó sobre la necesidad de permanecer unidos y buscar una “frecuencia más alta” frente a los momentos difíciles que atraviesan el mundo y, especialmente, a la Argentina. La música de la película cerró el repertorio de la noche. Allí, la guitarra acústica y el pedal steel guitar acompañaron una banda sonora construida alrededor de la inmensidad del paisaje de Wyoming y la soledad de sus protagonistas.&nbsp; Como canta León Gieco en “Pensar en nada”, canción producida por Gustavo Santaolalla, “quizás en la soledad no haya dolor”. Hay algo de ese sentimiento, de sentirse pequeño frente a un mundo inmenso, que también atraviesa muchas de sus composiciones. Pero con Santaolalla como banda sonora, la soledad nunca parece absoluta. Sus sonidos acompañan, contienen y remiten a una identidad profundamente ligada a la cultura argentina y latinoamericana. &nbsp;

Foto: Gentileza Aspix/Gustavo Santaolalla

Junto a su ensamble, el músico criado en Ciudad Jardín repasó gran parte de Ronroco, una obra atravesada por sus raíces argentinas y latinoamericanas, además de composiciones ligadas a Babel, The Last of Us y Brokeback Mountain.

Junto a su ensamble, el músico criado en Ciudad Jardín repasó gran parte de Ronroco, una obra atravesada por sus raíces argentinas y latinoamericanas, además de composiciones ligadas a Babel, The Last of Us y Brokeback Mountain.

Gustavo Santaolalla en el Teatro Colón: un recorrido sonoro entre Ronroco, The Last of Us y el cine

Gustavo Santaolalla construyó su propio paisaje sonoro en el Teatro Colón

La 21.ª edición del San Pedro Country Music Festival reunirá a más de 450 músicos, 70 bandas y una destacada delegación internacional que incluye por primera vez a cuatro referentes de la cuna del género en Estados Unidos.El circuito de la música country vuelve a hacer escala obligada en la provincia de Buenos Aires con una propuesta de 30 horas de espectáculo en vivo, San Pedro se transformará nuevamente en el epicentro sudamericano del género en un evento con entrada libre y gratuita. &nbsp;&nbsp;Durante tres jornadas consecutivas, el festival ofrecerá una grilla ininterrumpida que combina artistas de amplia trayectoria, bandas emergentes y representantes históricos.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/21/16882_.jpg"></figure>Presencia internacional y desembarco desde NashvilleEl punto culminante de esta edición será el debut en Argentina de cuatro figuras clave de la escena estadounidense procedentes directamente de Nashville, Tennessee: Morgan Myles, Mark Mackay, Savannah Rae y Hobo Cane. &nbsp;&nbsp;A la comitiva norteamericana se sumarán proyectos artísticos de distintos puntos del continente y Europa, completando un mapa internacional con presencia de Chile (6 bandas), Estados Unidos (4), Uruguay (2), Brasil (2) y Austria (1), junto a una nutrida representación de provincias argentinas. &nbsp; Además de los shows en vivo, la programación incluirá el clásico Encuentro Nacional de Line Dance, programado para la mañana del domingo, donde escuelas y bailarines de todo el país se darán cita para desplegar sus coreografías habituales.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/21/sanpedro_(8)4179_.jpg"></figure><h4>Grilla día por día</h4>ViernesDesconectados, Bluesberry Band, Creedenciales, Tanna &amp; The Drifters, Leyendas, Carlos Arcuri &amp; La Ariel Arbath Band, Rebeca Caldera, The Reason, Clan Farsante, Peces del Desierto, Alex Bluegrass Band, Walter Palurdo, Los Solitarios, Quadruple Trouble, Sanfolk, Sierra Ferrets, Frank Jacket y Los de Rio Seco, Las Liebres, La Blue's Ayres Band, King Bee, Billy La Rocka, Johnny &amp; June Experience, Rock Idols, 7 Pistones Country Rock y The Rey Band. &nbsp;&nbsp;SábadoNo Way, Hot Picking Brothers, Greentongues, Claudio Kleiman, Deltaboys, La Rockabilera del Sur, The Rhythm Gamblers, Gabriel Gratzer, Michelle Luna y Los Agrotóxicos, Cherry Collins, Henry y Juanita Donati, Walter Dominguez, Renegades Country Band, Country Gruñon, Mila Barcala, Ochenta.90, Angry Zeta, Sangre de Toro, Yulie Ruth y Las Ruedas del Sur, Fernando Goin, Cat Lion, Adoração Country, Savannah Rae, No Bull Country Music y Mark Mackay.&nbsp;DomingoSimonetta, Tumbleweed, Nati Bravo, Tinta de Uba, Negráss String Band, Rodeos Honky Tonk, Fer Couto's &amp; The Wandering Souls, Tommy Lira, Far West, Orlando Curti &amp; The Groove Seekers, Mistysa, Pasto Loco, Kurt's Friends, Melody &amp; Co., Los Mentidores, Hobo Cane, Adrian Tigen, Tennessee, Countruck Band, Morgan Myles, y Cierre con Artistas Presentes junto a Morgan Myles Band. &nbsp;&nbsp;

La edición contará con artistas internacionales provenientes de Chile, Estados Unidos, Uruguay, Brasil y Austria, además de músicos llegados desde distintas provincias argentinas.

La edición contará con artistas internacionales provenientes de Chile, Estados Unidos, Uruguay, Brasil y Austria, además de músicos llegados desde distintas provincias argentinas.

De Nashville a San Pedro: el festival de country más grande de Sudamérica vuelve con entrada libre y gratuita

Q'Lokura el fenómeno más convocante de la música popular argentina, desembarcará nuevamente en La Plata para dar un show en el Estadio UNO con una puesta en escena impactante.Será una verdadera fiesta de baile, celebración y encuentro donde Q'Lokura revalidará su liderazgo indiscutido en los grandes escenarios. La previa estará a la altura de esta noche histórica, con una apertura a puro ritmo a cargo de las bandas invitadas The Logiocos, Lemon Champ y Sin Ensayo. &nbsp;Un despliegue monumental encabezado por la banda que incluirá momentos sorpresa y un recorrido musical a fondo, desde sus grandes clásicos hasta los lanzamientos de su nueva etapa.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/21/q_lokura5088_.png"></figure>La cita será el próximo 10 de octubre a partir de las &nbsp;18:00 h donde ademàs de una jornada musical habrá una propuesta gastronómica de primer nivel y múltiples actividades en el predio, configurando el marco de la fiesta cuartetera más grande del año en la ciudad.Podes conseguir las entradas <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://alltickets.com.ar/evento/q-lokura-vuelve-a-la-plata">haciendo click acà.</a>&nbsp;

La banda que revolucionó el cuarteto argentino llega a La Plata por segunda vez, impulsada por la productora ToProd, para vivir una noche sin precedentes.

La banda que revolucionó el cuarteto argentino llega a La Plata por segunda vez, impulsada por la productora ToProd, para vivir una noche sin precedentes.

Q'Lokura vuelve a La Plata con un show histórico en el Estadio UNO

Los primeros gritos llegaron antes que ella. Sobre el escenario de Deseo, su banda ya ocupaba sus lugares mientras que detrás de ellos, un gran telón proyectaba dos manos en posición de rezo sosteniendo una vela. Entonces apareció Blair, el proyecto artístico de Julieta Ordorica: peluca rubia, vestido claro, detalles de encaje y una imagen angelical pero inquietante con la que comienza la historia de Bar Scorpios. Como en el álbum, todo parecía delicado antes de empezar a romperse.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8161.JPG3740_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> “Rabia del corazón” abrió la noche y dejó uno de los primeros guiños personales del show. Después de cantar “se me gastó el amor a los 22”, Blair aclaró entre risas “25, casi”. Faltaban apenas unas horas para la medianoche y para su cumpleaños, en una fecha que ya tenía clima de cierre y comienzo de una nueva etapa. &nbsp;A “Rabia del corazón” le siguieron “Rothmans”, “Opuesto complementario” y “Yo &amp; Yo”. Las tres últimas recuperaron canciones de Llorando en la fiesta, su primer álbum, pero encontraron un lugar natural dentro del relato. En ese comienzo todavía dominaba una Blair que representaba lo luminoso, aunque debajo de esa superficie empezaba a insinuarse algo lúgubre que terminaría por salir. Y mientras el personaje avanzaba en su transformación, el público cantaba prácticamente cada palabra. Incluso cuando el micrófono de Blair tuvo problemas durante un momento del show, las voces continuaron por encima de la música. La cantante se tomó entonces un momento para hablar con sus fans. La despedida de Bar Scorpios tenía algo de cierre y también de transición, el final de una etapa compartida entre una artista y una audiencia que hizo propio ese universo.Parte de esa conexión puede encontrarse en sus letras. Blair escribe sobre sentimientos profundos desde frases simples, sin esconderlos detrás de demasiadas capas. Y quizás allí esté una de las razones por las que las canciones regresaban desde el público casi con la misma fuerza con la que salían del escenario. Luego de “Todo lo que tengo”, Blair bajó por un momento la intensidad del show. En “Dejar de ser yo” se sentó al teclado para interpretar una de las canciones más melancólicas del repertorio, con una cadencia íntima que por momentos se acercaba a una plegaria. En “Mi suerte”, pidió que el público levantara las luces de los celulares, y la sala se llenó de pequeños puntos blancos sobre las cabezas. &nbsp;Después llegó “Novios imaginarios”, otra visita a Llorando en la fiesta. Para esa canción, Blair tomó su característica guitarra con forma de corazón, antes de volver de lleno al universo de Bar Scorpios con “Intenté salvar a Dios”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8169.JPG9146_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> El quiebre llegó con “Pecados Brutos”, la pieza en la que la artista sumó a la escritora Mariana Enríquez. La colaboración nació también de un punto de encuentro entre ambas por la fascinación por el terror y lo onírico, dos elementos que forman parte del concepto del disco. La cantante abandonó el escenario y en el telón comenzó a proyectarse el diario que aparece en el videoclip mientras la voz en off de Enríquez recitaba el texto. Poco a poco, el público empezó a acompañarlo. Lo que originalmente formaba parte de una pieza audiovisual se convirtió en una oración colectiva dentro de Deseo. Blair regresó con su característico pelo negro, flequillo recto, vestido rojo y tacos, dejando atrás la imagen angelical del comienzo. Si la primera parte había estado dominada por aquello que parecía puro y sagrado, ahora llegaba el descenso hacia lo oscuro. &nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8181.JPG8434_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure>El nuevo capítulo comenzó con “Entre caníbales”, su versión de la canción de Soda Stereo que ya había llevado a una sesión para Spotify. La elección no interrumpió el relato sino que, por el contrario, su clima permitió entrar definitivamente en una segunda mitad donde el personaje dejaba ver aquello que hasta entonces había permanecido contenido.&nbsp; &nbsp;Llegó después “Carne Viva”, grabada originalmente junto a Dillom. Su presencia dentro del álbum profundiza justamente ese imaginario crudo y sombrío que atraviesa la obra. En Deseo, la canción acentuó el contraste con aquella figura luminosa que había aparecido al principio.&nbsp; &nbsp;“Padre muerto” y “Otra noche en los 70” mantuvieron uno de los juegos más inquietantes del universo de Blair donde melodías pop animadas y pegadizas conviven con letras mucho más oscuras. La segunda, además, significó otra regresión a Llorando en la fiesta, pero encajó naturalmente dentro de Bar Scorpios por esa misma tensión entre lo alegre y lo perturbador, una dualidad que aparece con frecuencia. Cuando finalmente empezó a sonar “Bar Scorpios”, la canción que da nombre al disco, la historia entraba en su último acto. La protagonista parecía quedar atrapada por el peso de aquello que había intentado esconder: la culpa, el pecado y una redención que nunca termina de llegar. El tramo final continuó con “Hombre Roto”, canción que en el álbum cuenta con la participación de Santiago Motorizado y suma uno de los registros más melancólicos del proyecto. Después llegó “Mañana hablarán de mí” antes de alcanzar uno de los momentos más intensos de la noche. Aunque “Sola” aparece al comienzo de Bar Scorpios, en Deseo quedó reservada para uno de los últimos momentos del show. El cambio de orden reforzó su peso dentro del cierre de la historia donde Blair terminó tendida sobre el piso del escenario mientras el público repetía “Nací sola, crecí sola, me siento sola, moriré sola”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8180.JPG8751_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> Más que la letra de una canción, la frase funcionó como un mantra colectivo, repetido por toda la sala mientras la protagonista sufría en soledad, una imagen que condensa buena parte del universo de su último álbum. Ya no quedaba mucho de aquella chica de pelo rubio que había iniciado la noche frente a unas manos en oración. No hubo demasiado tiempo para permanecer en ese clima. “Nunca lo van a entender” llevó el final hacia el punk, con guitarras más crudas, una energía acelerada y los gritos característicos con los que Blair rompe la melodía durante la canción. Pero antes, la artista pidió el pogo más grande de la noche y el centro de Deseo se abrió inmediatamente para formar una gran olla.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8165.JPG4763_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure> Después de casi todo un show construido alrededor de un lenguaje religioso, la última comunión tomó la forma de cuerpos saltando y chocando en el medio de la sala. &nbsp;<h4>El próximo capítulo de Blair&nbsp; &nbsp;</h4>Con esta etapa terminada, Blair ya trabaja en la composición de su tercer álbum de estudio, el proyecto que marcará su próxima elección musical. Después de construir en Bar Scorpios un universo atravesado por el cine, la religión, el terror y una narrativa que excedió a las canciones, ahora la expectativa queda puesta en descubrir qué forma tomará su nuevo relato.&nbsp; &nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/19/IMG_8177.JPG7568_.jpeg"><figcaption>Foto: @triplab</figcaption></figure>

La artista repasó su segundo disco con una puesta conceptual, cambios de personaje y un cierre punk ante una sala llena en Buenos Aires.

La artista repasó su segundo disco con una puesta conceptual, cambios de personaje y un cierre punk ante una sala llena en Buenos Aires.

De la plegaria al pogo: Blair despidió Bar Scorpios con un show agotado en Deseo

Blair despidió Bar Scorpios con un show agotado en Deseo

Diego Torres sale de gira con "Mi norte y mi sur", un disco que lo marcó y lo dejó pensando aún cuál era cada uno de esos puntos cardinales a nivel emocional. Habla de distintos tipos de amor, del paso del tiempo, de los vínculos que dejan huella y de esas historias que terminan sin una despedida.&nbsp;“A veces estamos, nos sentimos que estamos arriba, a veces estamos abajo y en el medio nos cuesta tanto encontrar ese equilibrio”, resume el cantautor que ahora va a girar por Miami y Puerto Rico. Si bien prometió "conquistar" el norte, no se olvida de la Argentina: visitará el interior de la provincia de Buenos Aires, Santa Fe, Mendoza, La Pampa, Neuquén y cierra en la Ciudad de Buenos Aires, no sin antes pasar por Uruguay.El álbum también propone un recorrido musical amplio, con diferentes sonidos, arreglos y participaciones. Una mezcla que el cantante reivindica como parte de su identidad artística. “Me encanta esa mezcla, me identifica, me hace sentir libre dentro de la música. La música es eso”, sostiene.Fueron años movilizantes para Diego Torres, en el último tiempo se encontró con la muerte de amigos muy cercanos. De allí, nació "Sin despedida", canción que compuso a partir del fallecimiento de Mila Yankelevich, quien era cercana a su familia y estudiaba en la misma escuela que su hija Nina. Contó cómo las pérdidas recientes también modificaron su forma de ver la vida y sus conversaciones Nina.&nbsp;<h4>Diego Torres: "La vida son momentitos y no nos olvidemos que pasan muy rápido"</h4>—¿Cuál es el norte y cuál es el sur de Diego Torres?—Yo creo que pasa más por puntos cardinales emocionales. A veces estamos, nos sentimos que estamos arriba, a veces estamos abajo y en el medio nos cuesta tanto encontrar ese equilibrio. Trabajo para eso, para tratar de encontrar ese equilibrio, esas ganas, ese estímulo. Creo que por eso “Mi norte y mi sur” me identificó como el trovador. Vamos, con la brújula y vamos donde sea.Es un disco que tiene muchos sonidos, arreglos, participaciones, de voces de otros lugares, de otros géneros. Me encanta esa mezcla, me identifica, me hace sentir libre dentro de la música. La música es eso.—¿Qué querías contar con ese recorrido del disco?—Habla de los amores de repente de diferentes maneras, de diferentes amores. Hablamos del tiempo, porque hay una canción que le hablo al tiempo como si fuera una persona ("El tiempo"). Hablamos de ese corte abrupto que a veces la vida tiene, que no llegamos a tener una despedida, cuando la vida no nos da esa posibilidad. Hablamos de un amor nuevo que nos llega a nuestra vida y nos cambia y nos estimula, como puede ser “Mi norte y mi sur”. Hablamos de ese amor que ha pasado por nuestra vida y a lo mejor ya se fue y ha dejado una marca y una huella imborrable, como en “Vas a quedarte”. Hablamos de los amuletos...<h4>“Sin despedida”, la canción que nació de una pérdida</h4>Dentro de ese recorrido aparece “Sin despedida”, una canción particularmente movilizante. El disparador fue una pérdida inesperada de Mila Yankelevich, que atravesó de cerca al cantante por la relación con su familia.&nbsp;La canción la escribió junto a Valentina Rico y Facu Monty, hijo del músico Yaco Monti. Fue, cuenta, una tarde de mates entre los tres.—¿Cómo nació “Sin despedida”?—En realidad la canción me inspiró la muerte de Mila Yankelevich. Yo la conocía, como conozco a la familia Yankelevich de toda la vida. Mi papá era muy amigo de Samuel Yankelevich, el papá de Gustavo. Lo conozco a Gustavo de toda la vida. Lo conozco a Tomás, conozco a Sofía, que eran los padres de Mila. Iba al mismo colegio que mi hija.Con la muerte inesperada de Mila, una chiquita hermosa, realmente nos pegó mucho a todos los que estuvimos alrededor y que tenemos hijos también. Así que un poco el disparador de eso que sucedió fue escribir esta canción “Sin despedida”.—Hace poco también se fue el Negro Rada y subiste un mensaje muy lindo a redes, donde uno de los videos era confesándote con él. ¿Cómo lo atravesaste?—Si yo me iba a confesar, me iba a confesar con el Negro Rada. ¿Con quién? ¿Con quién te vas a confesar?¿Quién mejor que él para entenderte? Por suerte no se escuchan los pecados, pero me dice 300, imaginate la cantidad de pecados que le habré contado.&nbsp;El Negro era una persona hermosa, además de un artistazo. Era lindo verlo. Ese encuentro fue en Uruguay, una vez que fui a hacer unas actividades y estaba ahí en la ventana y en los camarines, fue imperdible ese momento natural que se dio.El Negro va a ser una gran ausencia, pero nos deja un gran legado.—Fue un año complicado.—También este año perdí un gran amigo mío del colegio, que en 10 meses una maldita enfermedad se lo llevó y era un compañero de la vida, desde el colegio, del trote, de todo. Fue un baldazo de agua fría para mi grupo de compañeros del secundario. El querido Arturo Fresco, así se llamaba...&nbsp;—Es difícil ver partir a una persona de tu edad...—Sí, además inesperado. El tipo era un toro, superdeportista, un guerrero. Y vivir esta situación donde muchos amigos, compañeros, soldados, como le quieras decir, se empiezan a ir, es como que la vida te va dando una señal como diciendo, "Ey, mirá, valorá, valorá las cosas a tiempo".La vida son momentitos y esto también lo hablaba con mi hija hace poco, que por más que tenga 13 años, trataba de transmitirle eso: "No te pierdas los momentitos de la vida". "Nina, no te pierdas cuando estás con con con tu familia, con tus afectos, con amigas. Fíjate bien lo importante".—Que importante, porque vemos la muerte a lo lejos y cuando se acerca es cuando empezamos a disfrutar estos momentitos.—Es que Nina se encontró con la muerte a través de lo de Mila. Después pasó lo de mi amigo... Entonces, fue un tema de conversación y todo lo que le pasó a ella por dentro, de vivirlo. La vida son son momentitos. Yo sé que a veces nos cuesta todo mucho, las situaciones difíciles, cargamos muchas cosas sobre la mochila, pero dejemos un espacio para esos momentitos porque todo pasa muy rápido.Tal vez, ahí está la brújula de “Mi norte y mi sur”, no tanto en encontrar un punto fijo sino en aceptar que hay momentos en los que estamos arriba, otros en los que estamos abajo y que el desafío está en seguir avanzando, incluso cuando la dirección cambia.

Diego Torres habló de la gira internacional de “Mi norte y mi sur”, su último álbum, y de aquello que lo atraviesa: los amores, las despedidas que nunca llegan, la muerte, su hija Nina y la necesidad de aprender a disfrutar el presente. “La vida son momentitos y no nos olvidemos de que todo pasa muy rápido”, resumió en diálogo con Filo.news.

Diego Torres habló de la gira internacional de “Mi norte y mi sur”, su último álbum, y de aquello que lo atraviesa: los amores, las despedidas que nunca llegan, la muerte, su hija Nina y la necesidad de aprender a disfrutar el presente. “La vida son momentitos y no nos olvidemos de que todo pasa muy rápido”, resumió en diálogo con Filo.news.

Diego Torres: “Mi norte y mi sur”, la muerte, los amores y por qué “la vida son momentitos”

VIOLENCE INSANE IN A BEAUTIFUL WORLD, el nuevo álbum de ROGER TAYLOR, legendario compositor, músico y cantante de QUEEN, ya está disponible a través de Columbia.El nuevo single de Roger es A BEAUTIFUL WORLD FEATURING THE NDLOVU YOUTH CHOIR, cuyo videoclip fue creado en colaboración con los reconocidos ecodiseñadores VIN + OMI y muestra tanto la belleza del mundo natural como el dramático deterioro del planeta.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=0axXPlYURok&amp;list=RD0axXPlYURok&amp;start_radio=1"></oembed></figure>La canción y el videoclip tuvieron su estreno mundial durante el desfile ANARCHY de VIN + OMI, que marcó el inicio de la British Fashion Week. El evento también contó con el debut de Roger sobre la pasarela. Las fotografías del desfile están disponibles &nbsp;aquí.VIN + OMI son reconocidos internacionalmente por su labor pionera en la moda sostenible y la innovación textil. Su trabajo transforma residuos vegetales, materiales reciclados y otros recursos habitualmente desaprovechados en diseños de alta calidad y visión de futuro. Su enfoque destaca la responsabilidad ambiental y el compromiso social, demostrando cómo la creatividad puede abordar de manera directa los desafíos ecológicos y sociales. Más información sobre su filosofía y trabajo acá“En realidad, está en el título de la canción: qué mundo tan hermoso tenemos; no lo arruinemos. Ha sido fantástico colaborar con VIN + OMI. Realmente admiro su compromiso con la sostenibilidad y sus esfuerzos por hacer del mundo un lugar mejor.”, afirma Roger sobre la colaboración.Si bien VIOLENCE INSANE IN A BEAUTIFUL WORLD no es un álbum conceptual, sí tiene una temática general que atraviesa toda la obra. Como explica Roger: “Parece que en este momento hay una gran dosis de locura. La violencia en el mundo parece estar tan mal como siempre, en cualquier época, y sin duda durante toda mi vida. Es algo horrible, hay muchísima violencia irracional. Y también parece que estamos destruyendo el planeta: plásticos en el mar, ya saben, además de todas estas terribles guerras por todas partes y el odio que nace de las diferencias religiosas.”VIOLENCE INSANE IN A BEAUTIFUL WORLD es el séptimo álbum de Roger Taylor en una carrera solista que se remonta a 1977 y es su primer trabajo desde OUTSIDER (2021), el aclamado álbum que alcanzó el Top 3 y recibió elogios tanto de la crítica como de los fans. Para celebrar su lanzamiento, Roger volverá a los escenarios con sus únicos conciertos en el Reino Unido durante 2026.La gira VIOLENCE INSANE IN A BEAUTIFUL WORLD, las únicas fechas de Roger en el Reino Unido este año, comenzará en Newcastle el 21 de septiembre. Los fans que reserven el álbum con anticipación recibirán acceso exclusivo prioritario a la venta de entradas. Posteriormente, la gira pasará por Edimburgo, Birmingham, Manchester, Swansea y finalizará en el legendario Roundhouse de Londres.***Maluma y Shakira se reencuentran en “Agua”, un merengue que juega con fuegoEn menos de un mes, el nombre de Maluma ha aparecido junto a los dos íconos femeninos más grandes que ha dado la música en la última década. Primero fue Beyoncé, que lo invitó a “Cuerpo (Tumbao)” para la edición conmemorativa de B’Day. Ahora con Shakira, con quien la estrella latina vuelve a encontrarse en “Agua”: “Nos fuimos mundial con la reina”.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=2-NkuLjtGNY&amp;list=RD2-NkuLjtGNY&amp;start_radio=1"></oembed></figure> “Agua” es un merengue sensual que cruza la energía tropical con una producción contemporánea. La química vocal entre los dos vuelve a ser el centro de la narrativa, esta vez alrededor de una metáfora sencilla y eficaz: por más agua que necesiten, cuando están juntos, todo termina convertido en fuego. Es una canción de tensión, coqueteo y complicidad, que reconoce el ADN de sus primeras colaboraciones sin quedarse en la nostalgia.&nbsp; La relación artística entre Maluma y Shakira empezó con “Chantaje”, siguió con “Trap” y “Clandestino”, y pasó también por el remix de “La Bicicleta” junto a Carlos Vives, un recorrido que dejó varios de los grandes éxitos de la música latina. Shakira fue una de las primeras artistas de alcance global en apostar por Maluma cuando su carrera internacional apenas comenzaba, y esa cercanía se ha sostenido con los años. Hace poco volvieron a compartir tiempo en el criadero de caballos del artista en Medellín, lejos de los estudios y las cámaras.&nbsp; Dentro de Loco X Volver, “Agua” aporta una dimensión sonora nueva al proyecto. El lanzamiento estará acompañado por un videoclip dirigido por Hannah Lux Davis, una de las realizadoras más reconocidas del pop internacional. La pieza construye un universo donde el agua funciona como hilo conductor: reflejos, superficies líquidas, brillo, movimiento y baile sostienen una tensión permanente entre los dos artistas, en una narrativa pensada para convertirse en uno de los momentos audiovisuales más fuertes del álbum.&nbsp; Con dos de los nombres más determinantes de la música latina reunidos otra vez, Agua llega como uno de los lanzamientos más relevantes del universo Loco X Volver y como un capítulo más de una historia compartida que ya se cuenta en años, no en canciones.&nbsp; Shakira, por su parte, continúa su racha de éxitos tras su actuación estelar interpretando su éxito mundial «Dai Dai» en el espectáculo inaugural del descanso de la final de la Copa Mundial de la FIFA, visto por 2000 millones de personas en todo el mundo. «Dai Dai» ha sido aclamada como la canción más importante del año a nivel internacional, manteniéndose durante 7 semanas en el número 1 mundial. El vídeo de la canción ha superado oficialmente los 1000 millones de visualizaciones en YouTube y Shakira es la artista femenina más vista de la plataforma, consolidando aún más su estatus de icono global. A finales de este mes, Shakira subirá al escenario del Shakira Stadium para su residencia en Madrid —con todas las entradas agotadas—, para la cual se han vendido más de 500.000 localidades. Con motivo de esta esperada residencia, Shakira presentó «Es Latina»: una plataforma cultural de un mes de duración en Macondo Park que rinde homenaje a artistas españoles y latinos de los ámbitos de la música, la moda, el arte, la literatura, la gastronomía y la danza. ***Elvis Crespo y Beéle unen ritmos para poner al mundo a bailarEl merengue se encuentra con los sonidos urbanos y el pop contemporáneo en una explosiva colaboración.Dos generaciones, dos estilos y una misma invitación a celebrar. Elvis Crespo y Beéle unen fuerzas en “Pa’ Bailar”, una vibrante colaboración que fusiona los metales y la percusión del merengue clásico con elementos de la música urbana y el pop contemporáneo.La inconfundible energía tropical de Elvis Crespo se encuentra con el característico estilo vocal de Beéle en una canción concebida para la pista de baile. Con una producción que conecta la esencia del merengue con sonidos actuales, “Pa’ Bailar” crea un punto de encuentro entre generaciones y demuestra la capacidad de la música tropical para evolucionar sin perder su identidad.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=_oCrIGbeDno&amp;list=RD_oCrIGbeDno&amp;start_radio=1"></oembed></figure> La colaboración con el artista colombiano Beéle fue una de las primeras canciones que Crespo escuchó como parte de esta nueva etapa musical y, desde el primer momento, el coro llamó su atención. Producida por Andy Clay, Jay Simon y JC, “Pa’ Bailar” fusiona la esencia del merengue con un sonido fresco y actual. “Pa’ Bailar” captura la química y la intensidad de una celebración nocturna en la que los problemas quedan afuera y la música toma el control. Desde sus primeros acordes, la canción invita a dejar atrás las preocupaciones y entregarse al ritmo, llevando la energía de cero a mil. Con esta colaboración, Elvis Crespo y Beéle unen dos generaciones de la música latina en una canción que invita a celebrar, bailar y llevar la energía de cero a mil.&nbsp;&nbsp;

El nuevo álbum de Roger Taylor, legendario compositor, músico y cantante de Queen, Maluma y Shakira, Elvis Crespo y Beéle son los nuevos lanzamientos en la música. Escuchalos acá.

El nuevo álbum de Roger Taylor, legendario compositor, músico y cantante de Queen, Maluma y Shakira, Elvis Crespo y Beéle son los nuevos lanzamientos en la música. Escuchalos acá.

Roger Taylor, Maluma y Shakira, Elvis Crespo y Beéle: los estrenos de la semana

Jamiroquai volvió a pisar un escenario argentino con un show en el Hipódromo de San Isidro producido por DF Entertainment. En plena gira latinoamericana y con su primer álbum en casi una década en camino, la banda recorrió más de treinta años de canciones y dejó en claro que su regreso no mira solamente hacia atrás: hay un nuevo capítulo en marcha para una historia que marcó a varias generaciones y todavía tiene mucho por delante. Esa historia también podía leerse frente al escenario. Entre quienes esperaban desde 2017 volver a verlos en vivo y quienes tenían por primera vez la oportunidad de hacerlo, distintas generaciones se reunieron para recibir a Jay Kay y volver a experimentar ese cruce cálido e irresistible de funk, disco, soul y acid jazz que convirtió a Jamiroquai en una de las bandas británicas más singulares de las últimas décadas.Los primeros compases de “(Don’t) Give Hate a Chance” alcanzaron para cambiar el clima del Hipódromo. El bajo tomó el control, Jay Kay puso el cuerpo y esa energía luminosa y festiva que atraviesa la música de Jamiroquai hizo el resto. En cuestión de minutos, el predio entero se había convertido en una enorme pista de baile a cielo abierto. A partir de ahí, “Little L” mantuvo el pulso bien arriba y “Seven Days in Sunny June” abrió paso a “Space Cowboy”, uno de esos clásicos en los que alcanza una línea de bajo para reconocer inmediatamente el sello Jamiroquai. Con Jay Kay recorriendo el escenario y una banda ajustadísima detrás, el repertorio avanzó sin nostalgia ni solemnidad: canciones separadas por décadas sonaron como partes de una misma conversación. Ahí está, quizás, una de las claves de la vigencia de Jamiroquai. El funk futurista de sus comienzos, la sofisticación disco de sus grandes hits y el sonido más expansivo que los llevó a conquistar el pop mundial siguen conviviendo con absoluta naturalidad. “Alright” y “High Times” continuaron ese recorrido antes de que el presente se hiciera lugar entre los clásicos. “Disco Stays the Same” fue la encargada de traer el presente de la banda al escenario. La canción, adelanto de su esperado noveno álbum de estudio, encontró su lugar entre los clásicos sin romper el pulso de una noche construida alrededor del movimiento. Y si el comienzo había dejado claro que la noche estaría gobernada por el groove, la segunda mitad convirtió esa promesa directamente en una sucesión de clásicos. “Travelling Without Moving” abrió paso a “Canned Heat” y “Cosmic Girl”, antes de que “Love Foolosophy” terminara de llevar al Hipódromo hacia ese territorio en el que un concierto de Jamiroquai se parece cada vez más a una fiesta. El cierre tenía una protagonista inevitable. “Virtual Insanity” cumple 30 años en 2026 y, sin embargo, pocas canciones podían sonar más pertinentes para despedir la noche. Aquella mirada inquieta sobre un futuro atravesado por la tecnología conserva su potencia, pero también aquello que convirtió a Jamiroquai en un fenómeno global: la capacidad de hacer bailar incluso mientras invita a mirar con otros ojos el mundo que nos rodea. Esa tensión entre celebración y reflexión atraviesa la música de Jamiroquai desde sus comienzos y sigue viva en su presente. Treinta años después de “Virtual Insanity”, con música nueva en el repertorio y una banda que todavía encuentra en el escenario su hábitat natural, Jay Kay sigue mirando hacia adelante. El futuro ya llegó. El funk, por suerte, sigue intacto. &nbsp;

A nueve años de su última visita al país, la banda británica liderada por Jay Kay volvió a encontrarse con el público argentino en el Hipódromo de San Isidro con un show que recorrió más de tres décadas de música. Una noche que reunió pasado y presente de una banda que llevó el funk y el acid jazz a la cima del pop mundial.&nbsp;

A nueve años de su última visita al país, la banda británica liderada por Jay Kay volvió a encontrarse con el público argentino en el Hipódromo de San Isidro con un show que recorrió más de tres décadas de música. Una noche que reunió pasado y presente de una banda que llevó el funk y el acid jazz a la cima del pop mundial.&nbsp;

La banda más ondera demostró que el groove está intacto: Jamiroquai en Argentina

Underworld llega a Buenos Aires el próximo 26 de noviembre para presentarse en Mandarine Park, en una fecha que marca el regreso a la Argentina de una de las formaciones esenciales de la música electrónica británica.A lo largo de su extensa trayectoria, Rick Smith y Karl Hyde desarrollaron un lenguaje propio que atravesó la electrónica, el techno y la cultura de clubes, construyendo una propuesta que mantiene una fuerte presencia tanto en los grandes escenarios como en los espacios más experimentales de la escena. Su llegada a Buenos Aires se suma a una etapa de renovada actividad para el dúo, que continúa llevando su música a escenarios de todo el mundo.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=rAOHJqJMYDA"></oembed></figure>Las entradas estarán disponibles exclusivamente a través de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://venti.live/eventos">Venti</a> , a partir del viernes 18 de septiembre - con todos los medios de pago. Además, habrá 6 cuotas sin interés con Galicia.Para la fecha en Argentina se suma una propuesta imperdible encabezada por Mariano Mellino, hoy entre los DJs con mayor convocatoria del país, y el legendario Javier Zuker. El lineup se completa con el live set de Varese, uno de los más interesantes de la escena local, y Balaciano abriendo la pista al atardecer.Underworld está formado por Rick Smith y Karl Hyde. Más de 30 años después de su incomparable primer álbum, dubnobasswithmyheadman , y de su himno eufórico que marcó a toda una generación, Born Slippy (Nuxx), el dúo continúa creciendo y consolidándose.El 2025 marcó un renacimiento moderno para el grupo, que ya cuenta con más de 40 años de trayectoria. Su debut en Boiler Room superó el millón de visualizaciones en sus primeros cinco días y la reciente reedición de sus primeros siete álbumes de estudio se tradujo en un ingreso directo de todos ellos en los primeros puestos de los rankings de discos, un logro que ningún otro artista había conseguido antes.Con una gira por Estados Unidos en 2025 con entradas agotadas, innumerables presentaciones como headliners en festivales y colaboraciones continuas con talentos fundamentales de la escena como Brutalismus 3000, KETTAMA y KI/KI, la trayectoria artística de Underworld y la intensidad de sus shows en vivo consolidan su lugar tanto en la historia como en el futuro de la música electrónica.

Underworld llega a Buenos Aires el próximo 26 de noviembre para presentarse en Mandarine Park, en una fecha que marca el regreso de una de las formaciones esenciales de la música electrónica británica.

Underworld llega a Buenos Aires el próximo 26 de noviembre para presentarse en Mandarine Park, en una fecha que marca el regreso de una de las formaciones esenciales de la música electrónica británica.

Underworld llega a la Argentina

Doppel Gangs, el proyecto artístico de Simón Saieg Pascual, presenta “ZZZimón”, un nuevo álbum que representa un momento de transformación personal y musical. Producido íntegramente de manera digital e independiente, el disco profundiza en la búsqueda electrónica del artista y propone un viaje entre la energía de las pistas de baile, la cultura rave y una mirada íntima sobre su propia historia.Lejos de las poses, “ZZZimón” recupera el costado más raver de Saieg y entiende a la pista como un espacio de encuentro, conexión y celebración colectiva. Sintetizadores, texturas electrónicas y sonidos digitales construyen un universo que busca dialogar directamente con su generación.El álbum también funciona como una fotografía de un momento personal clave para el artista: el nacimiento de su hijo y la reconexión con su propia infancia. En ese cruce entre ser padre y volver a mirar al niño que fue, aparece un Simón dispuesto a jugar, crear y hacer “diabluras” desde una perspectiva completamente atravesada por el presente.<h4>De Daft Punk a Skrillex: las influencias detrás de “ZZZimón”</h4>El sonido del disco recorre diferentes referencias de la música electrónica. La reivindicación del espíritu festivo de Daft Punk convive con paisajes más oníricos vinculados a artistas como Aphex Twin, Four Tet y Moby, mientras que la potencia de Skrillex aparece como otra de las influencias que atraviesan la propuesta.Dentro del álbum se encuentra “FIFA”, una colaboración junto a Lali que cruza los universos de ambos artistas en un track de fuerte impronta electrónica. La canción apuesta por bajos contundentes y una energía pensada directamente para la pista de baile.“ZZZimón” también cuenta con la participación de Joven Breakfast en “ORCA” y Fiah en “Esta Canción”, dos colaboraciones que amplían el recorrido sonoro del álbum.<h4>La montaña: del disco a la pista</h4>La nueva etapa de Doppel Gangs no queda solamente en las canciones. El concepto de “ZZZimón” también se conecta con la montaña, un ciclo que lleva al artista a recorrer distintos espacios en formato DJ set.La propuesta busca poner en diálogo la velocidad y la energía digital de las grandes ciudades con la naturaleza. En ese universo, la montaña aparece como símbolo de hogar y refugio, mientras que la música funciona como punto de encuentro entre ambos mundos.Así, la montaña se convierte en la extensión del universo de Doppel Gangs fuera del estudio: un espacio donde las canciones se transforman en experiencia colectiva y el proyecto encuentra una nueva forma de encontrarse con su público.<h4>De Perras on the Beach a Doppel Gangs</h4>Antes de construir este universo, Simón Saieg Pascual fue conocido como Simon Poxyran y lideró Perras on the Beach, banda fundamental de la escena indie argentina que publicó discos como “Chupalapija” y “Flow de Cuyo”.Más adelante comenzó su recorrido solista con “Saieg”, un álbum que abrió una etapa de mayor exploración personal y sentó las bases para las búsquedas que luego desembocarían en Doppel Gangs.Con este proyecto publicó el EP “ZZZ” y el álbum “ATLAS”, trabajos que profundizaron una identidad atravesada por distintas experiencias y cambios en su vida.A ese recorrido musical se sumaron otros proyectos vinculados al cine y la actuación. Saieg participó como actor en “Blondie” (2023) y “Verano Trippin” (2025), además de trabajar en las bandas de sonido de “3000 km en bicicleta” (2025) y “Casi todo bien” (2026).Ahora, con “ZZZimón”, el artista reúne parte de ese recorrido y lo lleva hacia un territorio atravesado por la electrónica. Un disco producido en su propia computadora que convierte experiencias personales, referencias musicales y cultura rave en un nuevo capítulo de su universo artístico.

El proyecto de Simón Saieg Pascual se mete de lleno en la cultura rave con un álbum producido íntegramente de manera independiente. Paternidad, infancia, tecnología y fiesta se cruzan en un trabajo que también cuenta con colaboraciones de Lali, Joven Breakfast y Fiah.

El proyecto de Simón Saieg Pascual se mete de lleno en la cultura rave con un álbum producido íntegramente de manera independiente. Paternidad, infancia, tecnología y fiesta se cruzan en un trabajo que también cuenta con colaboraciones de Lali, Joven Breakfast y Fiah.

Doppel Gangs presenta “ZZZimón”, su disco más íntimo y electrónico

Referentes del rock, el pop y la música urbana compartirán escenario con proyectos que destacan por su propia personalidad y una impronta auténtica en un panorama donde suele parecer que todo está inventado. Ese cruce será uno de los ejes de la octava edición del Harlem Festival, que reunirá a 34 artistas durante dos jornadas en el Predio Estación Belgrano en la Ciudad de Santa Fe.En diálogo con Filo.news, BB Asul, La Grecia, La Valenti y Sakatumba hablaron sobre el desafío de condensar sus repertorios, tocar frente a públicos que quizás todavía no conocen sus canciones y aprovechar el festival como una vidriera para ampliar sus audiencias.<h4>BB Asul: de la composición para otros artistas a su propio universo</h4>Además de desarrollar su carrera como cantante, BB Asul, nombre artístico de Isabela Terán Lieban, construyó un recorrido como compositora. Participó en la escritura de canciones de Lali como “Fanático”, “No me importa”, “Lokura” y “Plástico”, incluidas en el álbum No vayas a atender cuando el demonio llama.En septiembre de 2026 publicó Miss Universo, un disco atravesado por el rock, el pop y una instrumentación más pesada. El álbum incluye participaciones de Lali, Massacre y Taichu, mientras que la canción que le da nombre al proyecto funciona como una síntesis de esta nueva etapa de su carrera.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_798415138_18127306057808604_2485055881239713949_n9555_.jpg"><figcaption>Foto: VideoClip "Miss Universo" (@bbasul)</figcaption></figure>&nbsp;Su llegada al Harlem tendrá, además, un significado particular. BB Asul ya había participado del festival haciendo coros para otros proyectos, pero esta vez se presentará al frente de su propia banda y con un repertorio más personal. Además, la artista resaltó la oportunidad para trasladar su propuesta fuera de la Ciudad de Buenos Aires.Al abordar la transición de un recital de hora y media a un bloque más acotado en un festival, Ia cantante explicó la importancia de la precisión:<blockquote>"Es elegir las canciones que siento que son por las que vinieron, así que voy a llevar las mejores".</blockquote>Para quienes todavía no conocen su música, la artista eligió “Miss Universo” como puerta de entrada a su discografía.<h4>La Grecia: una nueva generación que recupera el rock clásico</h4>La Grecia nació en Buenos Aires en 2022 y está integrada por Martín “Chino” Benítez en voz, Dylan Sorokin y Benjamín Puelles en guitarras, Joaquín Wittenstein en bajo y Valentino Wengrovski en batería. El grupo se formó a partir de la amistad entre sus integrantes y tomó como referencia tanto al rock argentino como a figuras internacionales del género.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_729283247_17987660895006576_5830276683539679834_n5143_.jpg"><figcaption>Foto: Redes Sociales (@lagrecia__)</figcaption></figure>Después de publicar su disco homónimo en 2024, la banda profundizó ese camino con Lady Garrón, editado en 2025. El álbum fue presentado en Niceto Club y algunas de esas interpretaciones quedaron registradas posteriormente en un EP en vivo. Canciones como “No quiere mi amor”, “Descansar” y “Dámelo” forman parte de esta etapa de crecimiento.Para sus integrantes, participar del Harlem representa la posibilidad de compartir escenario con músicos que forman parte de sus propias referencias:<blockquote>"Es un sueño estar en estos festivales compartiendo con artistas que admiramos tanto y pagar el derecho de piso que corresponde por ser una banda que está emergiendo".</blockquote>Al hablar sobre la diferencia entre tocar en espacios pequeños y presentarse en un festival, respondieron con humor que ahora “podés correr en el escenario si querés”. Sin embargo, sostuvieron que la esencia de la banda no cambia con el tamaño de la infraestructura: el objetivo continúa siendo transmitir "la fe en la canción y la melodía", y generar una conexión directa con el público.Si pudieran elegir un grupo de la grilla con el que les gustaría encontrarse arriba del escenario, coincidieron al únisono: "Perras on the Beach", la banda cuyana que tocará durante la primera jornada del festival.<h4>La Valenti: el cierre de una etapa y un nuevo ciclo después de "La Capitana"</h4>La Valenti es el nombre artístico de Valentina Soria, cantautora y productora criada en Neuquén y radicada en Buenos Aires. Su música parte de una identidad patagónica, pero incorpora elementos del pop, el folclore latinoamericano y la electrónica. Esa combinación le permite moverse entre repertorios acústicos, canciones propias y relecturas de clásicos populares.Durante 2026 desarrolló La Peña de La Capitana, un ciclo de ocho funciones que reunió canciones propias, clásicos del folclore latinoamericano e invitados.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_728704154_18599365822061861_7030679613106888226_n3794_.jpg"><figcaption>Foto: Redes Sociales (@soylavalenti)</figcaption></figure>Su presentación en el Harlem funcionará como apertura de una nueva gira y cierre del ciclo de La Capitana. De cara a sus próximos lanzamientos, la artista busca abandonar la construcción de personajes y presentarse desde un lugar más directo.El formato de festival también le plantea el desafío de reducir su repertorio:<blockquote>“Es dificilísimo porque tenés que ser muy cuidado y muy preciso. Pero es bienvenido porque te entrena, hasta ahora siempre ha salido bien”.</blockquote>Para quienes todavía no conocen su música, recomendó dos canciones que representan momentos diferentes de su recorrido: “Medusa”, perteneciente a su primera etapa, y “Volver al sur”, incluida en La Capitana.<h4>Sakatumba: una oportunidad para conquistar nuevos públicos</h4>Formada en la Ciudad de Buenos Aires en 2019, la banda under se mueve entre el rock alternativo, el punk y la tradición cancionera del rock nacional. Después de publicar un primer EP homónimo, la banda editó en 2023 el álbum Puro Teatro y continuó ampliando su repertorio con canciones como “Hermoso desastre” y “Espiral”, esta última presentada en 2026 como parte de una sesión compartida con Salas Velatorias.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/17/SaveClip.App_742382221_18484481443100742_8264253081664432961_n1676_.jpg"><figcaption>Foto: Redes Sociales (@sakatumba_)</figcaption></figure>Su llegada al Harlem marcará la primera presentación del grupo en Santa Fe. Para sus integrantes, ocupar uno de los horarios iniciales no representa una desventaja sino una posibilidad de darse a conocer a personas que no los tenian en el radar:<blockquote>“Nos ve un montón de gente que capaz va por otros artistas más conocidos, pero se encuentran con algo muy interesante”.</blockquote>Como puerta de entrada a su identidad, recomendaron escuchar “Espiral” y “El mundo es una estación”.<h4>Cuándo y dónde será el Harlem Festival 2026</h4>La octava edición se realizará el sábado 10 y el domingo 11 de octubre en el Predio Estación Belgrano, ubicado en Boulevard Gálvez 1100, ciudad de Santa Fe. Las puertas abrirán a las 14, el ingreso estará habilitado hasta las 22 y la actividad terminará a las 2 en ambas jornadas, de acuerdo con la información oficial.El encuentro contará con tres escenarios, propuestas gastronómicas y actividades. Las entradas generales para cada fecha y los abonos para los dos días se venden por los canales oficiales del evento.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DbqTaiIDqN6/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>

Del rock and roll al sonido urbano y del punk a la electrónica: BB Asul, La Grecia, La Valenti y Sakatumba muestran la impronta de una generación que no le tiene miedo a la reinvención.

Del rock and roll al sonido urbano y del punk a la electrónica: BB Asul, La Grecia, La Valenti y Sakatumba muestran la impronta de una generación que no le tiene miedo a la reinvención.

Harlem Festival 2026: cómo la escena emergente conquista la grilla entre la diversidad de géneros y la autenticidad

Harlem Festival 2026: los artistas emergentes que conquistan la grilla

En el Cosmos presentó su disco debut homónimo, que ya está disponible en todas las plataformas digitales. Se trata de una obra de seis canciones que propone un recorrido por distintas percepciones del tiempo, coincidencias y distancias dentro de una misma nostalgia.Con corazón indie pop y tintes de rock alternativo, el álbum hace eje en su espacialidad con una búsqueda detallista y cuidada. Es un disco que mientras sus letras reflexionan sobre el paso del tiempo, sus sonidos también coqueteando entre lo vintage, lo moderno y lo onírico.<div class="raw-html-embed"><iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/7iyikDGeAGOVgn2aPCoYKj?utm_source=generator&amp;si=eb4de2e68bf344d3" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></div>El disco fue co-producido por Juanse Campos y mezclado en Dolby Atmos por Elias Volker, una tecnología de audio inmersivo que posiciona al proyecto en la vanguardia sonora. La canción fue masterizada por Maxi Forestieri, sintetizadores grabados en la Siesta del Fauno, baterías grabadas por Misael Hilal, guitarras de Lisandro Vece y pianos eléctricos por Pedro Zaratiegui.En El Cosmos es el proyecto musical de tres jóvenes tucumanos —Eugenio Agüero, Ramiro Etse y Rodrigo Brunella— que, desde su residencia actual en Capital Federal, traen un sonido fresco tucumano e indie a la escena.&nbsp;Actualmente estudiantes de la EMC y creadores del ciclo cultural CICLO B, son gestores culturales, músicos, productores y explayan en este proyecto toda su creatividad. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.instagram.com/enelcosmos/">Podés conocer más en sus redes sociales.</a><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DWC-cZJlpOf/?img_index=1"></oembed></figure>

El trío tucumano reflexiona sobre el paso del tiempo con sonidos que oscilan entre lo vintage, lo moderno y lo onírico. Escuchalo acá.

El trío tucumano reflexiona sobre el paso del tiempo con sonidos que oscilan entre lo vintage, lo moderno y lo onírico. Escuchalo acá.

En el Cosmos presenta su disco debut homónimo 

El Primavera Sound Buenos Aires 2026 se realizará el próximo 28 y 29 de noviembre y una de las características que atraviesa su grilla es la presencia de artistas mujeres. En la previa del festival, Juliana Gattas, Chechi de Marcos y María Wolff se reunieron para palpitar lo que serán dos jornadas de música en el Club Ciudad de Buenos Aires.Las tres artistas forman parte de la grilla de esta edición y compartieron una charla en la que hablaron, entre otras cosas, de la representación femenina dentro del festival. “Nosotras estamos mirando el line up y queremos ver a todas”, fue una de las frases que surgieron durante el encuentro.La participación de mujeres en los festivales musicales se convirtió en uno de los ejes de discusión de la escena en los últimos años, tanto por la composición de las grillas como por los espacios que ocupan las artistas dentro de ellas. En ese contexto, el Primavera Sound vuelve a reunir en Buenos Aires propuestas de distintas generaciones y recorridos.<h4>Cuándo es el Primavera Sound Buenos Aires</h4>El festival se realizará el 28 y 29 de noviembre de 2026 en el Club Ciudad de Buenos Aires. Juliana Gattas, Chechi de Marcos y María Wolff serán parte de la programación nacional que llegará al escenario porteño.&nbsp;Las entradas se encuentran disponibles a través de Enigma Tickets, incluyendo el denominado Primavera Pack Friends &amp; Family, una modalidad pensada para quienes quieran asistir en grupo. Para la comunidad de Filo hay un descuento exclusivo del 20% con el código: FILO. No te lo pierdas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/DdUpvEGAOuG/?stkn=MXI1djZ6ZDBscTQzZg=="></oembed></figure>Con la grilla ya presentada, la cuenta regresiva hacia el festival comenzó y las artistas nacionales serán parte de una programación que tendrá a la presencia femenina como uno de sus puntos destacados.

La próxima edición del festival tendrá una fuerte presencia de artistas mujeres en su programación. Tres de ellas se reunieron para hablar sobre la grilla y lo que esperan de la nueva edición. La comunidad de Filo tiene un descuento exclusivo en entradas.&nbsp;

La próxima edición del festival tendrá una fuerte presencia de artistas mujeres en su programación. Tres de ellas se reunieron para hablar sobre la grilla y lo que esperan de la nueva edición. La comunidad de Filo tiene un descuento exclusivo en entradas.&nbsp;

Mujeres protagonistas del Primavera Sound 2026: Juliana Gattas, Chechi de Marcos y María Wolff anticipan el festival

Buenos Aires y Corea del Sur se volvieron a conectar a través de la música durante las noches del 14 y 15 de septiembre.Stray Kids, la famosa banda surcoreana proveniente de la empresa de entretenimiento JYP, llegó al país por primera vez con STRAYCITY, su propio festival, con un concepto que suma en cada destino artistas especialmente curados para acompañar la jornada.Durante la tarde, la girlband argentina K4OS y el DJ y productor Cocho comenzaron a musicalizar la entrada de las fans, que ya hacían fila desde largas horas de la mañana, y ya entre el atardecer y la noche despejada de Zona Norte, NEXZ, el grupo surcoreano-japonés surgido en 2024, completó el line-up antes de la llegada de Stray Kids.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/15/STRAY_KIDS_x_@irishsuarez_-_051_(1)3999_.jpg"><figcaption>Foto: irishsuarez</figcaption></figure>&nbsp;La experiencia de un concierto de K-Pop no empieza desde el momento en que una persona pisa el estadio, sino que mucho antes. Desde que se anuncian las fechas de un tour y, entre muchos factores, si tu grupo favorito decide llegar a tu país o no.&nbsp;Desde que se anunció el "Dominate World Tour" entre 2024 y 2025, y sin Argentina en la lista de lugares a los que iban a visitar, las fans locales de Stray Kids se pusieron en campaña para recibir el mismo trato que sus pares de todo el mundo: crearon tendencias en redes sociales, pegaron afiches, reservaron segundos de pantallas en una de las avenidas más transitadas de Capital Federal.&nbsp;Con el festival STRAYCITY, ese sueño se les cumplió.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DdURrf5in4n/?img_index=1"></oembed></figure>Así lo mencionó Bang Chan, líder del grupo, a mitad del concierto en una noche todavía invernal de septiembre en el Hipódromo de San Isidro.El cantante comentó en coreano, con traductora cerca, que los chicos supieron de todas las cosas que el fandom argentino realizó para tener la posibilidad de verlos en vivo, en un país que previo a la pandemia llegó a tener presentaciones de grandes grupos de K-Pop (como SHINee, GOT7) y en los últimos años más bandas conocidas del género se animaron a venir.Bang Chan, Lee Know, Changbin, Hyunjin, Han, Felix, Seungmin e I.N comenzaron su show con temas como "TOPLINE" y "S-Class", que sirvieron para demostrar lo que llegaron a hacer: un gran show con la música, el baile, y los fuegos artificiales que sus fans sólo podían ver por pantalla.&nbsp;“MANIAC”, “DOMINO” y “Thunderous” encontraron del otro lado a un público que las que las entonaba como himnos, mientras que “God’s Menu”, la canción que marcó un punto de inflexión en la expansión internacional de Stray Kids, fue recibida de principio a fin por un coro masivo.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/15/STRAY_KIDS_x_@irishsuarez_-_0297707_.jpg"><figcaption>Foto: irishsuarez</figcaption></figure>En "Divine", trajeron un poco más de cultura coreana a la Argentina, ya que utilizaron ropa tradicional (los Hanbok) para la presentación de varias canciones que combinaba lo moderno y lo clásico de un país oriental.En la segunda fecha, además de usar las camisetas de la Selección Argentina y agregar más canciones (el setlist del concierto del 15 terminó con "CEREMONY" y "Haven"), los chicos de Stray Kids pidieron un minuto de silencio en homenaje a Delfina, una adolescente de 16 años que falleció previo al show.Además del reconocimiento durante el show, los artistas enviaron una corona de flores a la familia de Delfina con una carta: "Nunca olvidaremos que amabas nuestra música y nuestras actuaciones, y que viniste para estar con nosotros".Con casi dos horas de show, los chicos terminaron su paso por Argentina con las canciones "MIROH", "Hall of Fame", y "Chk Chk Boom", para hacer bailar a chicas, chicos, padres, parejas y todo aquel que tuvo la oportunidad de ver a uno de los grupos más grandes del K-Pop.

El grupo surcoreano se presentó frente a miles de fans en el Hipódromo de San Isidro para dos noches que mezclaron la cultura y la euforia de dos países.

El grupo surcoreano se presentó frente a miles de fans en el Hipódromo de San Isidro para dos noches que mezclaron la cultura y la euforia de dos países.

Stray Kids y el K-Pop en Argentina: el género musical que sigue pisando fuerte en nuestro país

Stray Kids tocó por primera vez en Argentina con su festival STRAYCITY

Rave3000 coronará el año con un festival con 12 horas, múltiples escenarios al aire libre donde se reunirán importantes artistas de la escena: hard techno, house, trance y pop. El 11 de diciembre, desde las 18:hs hasta las 6 AM, el Club Ciudad de Buenos Aires será testigo de una jornada inolvidable.Esta oportunidad, también está creada para que todos puedan formar parte: espacios de fácil acceso donde cualquier vía de transporte será posible para vivir la experiencia desde que salís de tu casa hasta que regresas. RAVE3000 no es solo música, es también todo lo que sucede alrededor.Artistas que dirán presente en esta edición 2026CRISTÓBAL PESCE B2B CERA KHIN: Uno de los cruces fuertes de la fecha. Cristóbal Pesce vuelve a Buenos Aires después de una fecha sold out que dejó a muchísima gente con ganas de verlo y esta vez se presenta en un B2B especial junto a Cera Khin. Criada en Túnez y radicada en Berlín, Cera Khin llevó su sonido a escenarios como Tomorrowland, Awakenings, Time Warp, EDC Las Vegas y Monegros. &nbsp;LESSSS: DJ y productora francesa y uno de los nombres de la nueva generación del hard techno y schranz. Su sonido combina schranz, hard techno, samples de rap y distintas influencias que le dan una identidad propia. Su paso por Boiler Room fue uno de los puntos de inflexión que impulsaron su carrera internacional y hoy continúa creciendo dentro del circuito rave europeo. KESSLER: DJ y productor de Buenos Aires y residente de HEISS, proyecto referente de la escena hard techno local.&nbsp; <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/15/rave9252_.png">Rave3000 no solamente reúne nombres internacionales: también pone dentro del festival a DJs, productores y curadores vinculados a algunas de las fiestas que construyen la escena underground local. THD+N de Vértigo, Schwarzman de Be Techno, Clipper de Kaos y Korrosiv de DURX, entre otros, forman parte del line-up.Además shows en vivo de ARCA: Una de las figuras más influyentes de la música experimental contemporánea y uno de los grandes headliners de RAVE3000, MISSLUPE, Una de las artistas emergentes de la nueva escena argentina. MARTTEIN, el cantante y productor que cruza rock y electrónica, y su último álbum cuenta con participaciones de Dillom, Juana Rozas y Mariana Enriquez y LITTLE BOOGIE, una de las artistas en crecimiento que se suma a esta velada inolvidable.&nbsp;Entradas disponibles desde el jueves 17 de septiembre a través de Passline, disfrutá de 6 cuotas sin interés con Banco Galicia y 3 cuotas sin interés vía mercadopago con cualquier tarjeta. &nbsp;

Un encuentro de 12 horas con múltiples escenarios, al aire libre y lo más destacado de la escena musical.&nbsp;

Un encuentro de 12 horas con múltiples escenarios, al aire libre y lo más destacado de la escena musical.&nbsp;

Rave3000 cierra el año reuniendo a lo mejor de la cultura alternativa en Buenos Aires

Cultura Profética llega a la Argentina con En Bucle, su último álbum de estudio, que guarda una íntima relación con La Dulzura, disco que le dio un salto a la masividad en el país y que delineó una forma diferente de hacer música para la banda puertorriqueña. El romanticismo siempre fue parte de su ser, pero durante sus primeros años la música servía como herramienta de transformación del mundo desde Puerto Rico, un país con tradición colonial asociada a EEUU, que actualmente tiene el estatus de Estado Libre Asociado.La historia de Cultura Profética con la Argentina llega desde los primeros covers de la propia banda. Willy Rodríguez reconoce la importancia de Los Fabulosos Cadillacs en Latinoamérica, así como de Los Pericos, dos bandas que los inspiraban en los primeros años incipientes aún del grupo.&nbsp;La relación más estrecha llega de la mano de Los Cafres, grupo que escucharon por primera vez luego de grabar Canción de Alerta, su primer álbum, en Jamaica, cuna del reggae. "Nos regalaron dos discos de ellos, fue la única música que nos llevamos de Jamaica", aseguró Willy en diálogo con Filo.news.<blockquote>"Ahí fuimos entendiendo poco a poco la onda de ellos. Al principio no me entró, debo decirlo. Yo se lo he dicho a Guille”, recuerda entre risas.&nbsp;</blockquote>Sin embargo, con el correr del tiempo dieron un giro y se enamoraron de las canciones de Los Cafres. Incluso, Guillermo Bonetto fue quien terminó modificando la manera de cantar de Willy. Muchos artistas de la escena cambiaban la cadencia de la voz, pero Bonetto le mostró otra posibilidad. “Fue el primero que yo escuché en Latinoamérica cantando reggae con una voz propia, cantante real. Escucharlo a él me hizo escucharme y analizarme y decir: ‘Uf, yo no quiero cantar así, yo quiero buscar cuál es mi voz, de verdad’”.La diferencia en la cadencia de la voz de Willy quedó registrada en Canción de Alerta (1998) e Ideas Nuevas (1999). La influencia llegó, incluso, a mejorar la forma de escribir. Willy recuerda que sus estribillos no eran tan contundentes, algo que hizo que se lo replantee Bonetto: "¿Dónde está el estribillo de la canción?", le repetía."Le debo mucho a Guillermo Bonetto y a Los Cafres en general", asegura Willy.&nbsp;En diálogo con Filo.news, Willy Rodríguez habla de la inesperada influencia argentina en la historia de Cultura Profética, de los años en los que sentían que utilizaban la música como herramienta de cambio, con un mensaje político, del prejuicio de una parte del público frente a sus canciones de amor y de un nuevo álbum que, sin haberlo buscado, cerró un círculo.—Hay una relación muy fuerte de Cultura Profética con Argentina. ¿Qué lugar tuvieron las bandas argentinas cuando ustedes empezaban?—Los Fabulosos Cadillacs... Esto es bien curioso. Antes de Cultura Profética yo tocaba el bajo y Omar Silva tocaba guitarra en una banda que teníamos que se llamaba The Scattered. El único concierto real que nosotros tocamos fue abriendo el primer show de los Cadillac en Puerto Rico, en el 94.—¿Cómo fue el show?—Fueron como 200 personas nada más. Los Cadillac para nosotros ya eran gigantes, pero ese show no se dio muy bien. Después vinieron y fue gigante, pero en ese momento, que fue la primera vez, aparte llovió un montón. Fue una gran fiesta, pero éramos muy pocas personas. Nosotros abrimos ese show y fue súper lindo, histórico para nosotros.—¿Ya escuchabas música argentina en ese momento?—De los Cadillac tocábamos mucha música. Me acuerdo de estar en la escuela, octavo, noveno grado, bailando full con los Cadillac antes de conocer Los Cafres. Cuando empezó Cultura Profética, nosotros no sabíamos que existían bandas literalmente de reggae en español. Sí escuchamos Los Pericos y en los primeros meses montamos algún tema de ellos, pero no sabíamos que existían Los Cafres o Gondwana en Chile.&nbsp;No fue hasta que nos fuimos a grabar, después de dos años, a Jamaica. Un amigo nos regaló varios discos de Los Cafres y esa fue la única música que nos llevamos a Jamaica cuando fuimos a grabar el primer disco.&nbsp;—Qué increíble que en Jamaica te hayan dado discos de Los Cafres, qué linda la representación argentina en todos lados.&nbsp;—Eran dos discos, Instinto y Frecuencia Cafre, creo. Al principio como que no me entró, debo decirlo. Yo se lo he dicho a Guille. Al principio no me entró y después me enamoró, así de que me encanta. Y debo decir que me influyó bastante hasta en buscar mi voz.—¿Cómo que te influyó en buscar la voz? ¿Cómo es eso?—Para ese tiempo estaba Café Tacvba y mucha gente que cambiaba su tono de voz para cantar. Era algo bien de los 80's, 90's, que tú buscaras cambiar un poco tu voz cuando cantabas música alternativa. Guille fue el primero que yo escuché en Latinoamérica cantando reggae con una voz propia, cantante real. Escucharlo a él me hizo escucharme y analizarme y decir: “Uf, yo no quiero cantar así, yo quiero buscar cuál es mi voz, de verdad”. Si tú escuchas del primero al segundo disco, hay una diferencia gigante y es gracias a él. Entendí que él estaba usando su voz y esa fue la mayor influencia de Los Cafres en nosotros, porque musicalmente somos bastante diferentes.—Puede ser que haya algo de Los Cafres en la última parte de Cultura Profética, pero es verdad que no son tan parecidos musicalmente.Ellos siempre han hecho temas muy pegajosos desde el principio, nosotros no. Hacíamos canciones súper experimentales y el mismo Guille fue el que me dijo: “¿Dónde está el estribillo?”. Y yo: “No sé”. Nosotros no utilizábamos demasiado el estribillo. Y muy bien, porque de eso se trata la música. Tienes que encontrar un lugar donde volver siempre. Él me hizo también analizar eso y escribir cada vez de manera más contundente. Le debo mucho a Guillermo Bonetto y a Los Cafres en general.<h4>De querer cambiar el mundo a cantar sobre el amor</h4>—Cultura Profética nació como una banda que tenía mucho para decir a nivel político y cultural. Hoy hay otra presencia del amor. ¿Qué necesitaban decir entonces que quizá ya no sienten necesario decir ahora?<blockquote>Éramos jóvenes y tú sabes que cuando uno está como en ese despertar de la juventud quieres cambiarlo todo. Con la música como herramienta, nosotros soñamos en cambiar el mundo y creo que sí lo hicimos en lo que pudimos.&nbsp;</blockquote>Hay varias generaciones que se han criado con las letras que dejamos ahí para siempre y que nos han venido a decir: “Mira, gracias a ustedes yo exploré toda mi identidad o ideas que jamás hubiese pensado”.—La música tiene algo de esto de enseñar. A nivel cultural, muchos exploran historia y política por música que escuchan. Ayuda a reflexionar.—Por medio de la música creo que acompañamos a personas en su camino de entender la vida de alguna manera diferente. Siento que en aquel entonces, sin medios sociales y sin estos temas en la música popular, sí era importante decir todo esto. Especialmente en Puerto Rico, que vivimos como en una cápsula pequeñita. Había muchas cosas que decir.&nbsp;—¿Y qué cambió?—Hoy, con todo el boom de los medios sociales y tanto activismo por todos lados, no recae ya sobre la música la responsabilidad de llevar esto. Definitivamente en aquel momento sí. Aparte estábamos influenciados por música que escuchábamos en ese entonces. Yo me crié cantando Silvio Rodríguez y me identificaba con toda esa idea de llevar la voz por medio de la música. Pero siento que hoy no hace falta. Hay activismo por todos lados y todos los días nos levantamos con noticias de aquí al otro lado del mundo instantáneamente.—El amor también estaba ahí desde antes...—Siempre fui un enamorado. Recuerdo siempre a mi mamá diciéndome: “Ay, pero ¿por qué tú cantas sobre estas cosas?”. Siempre me ponía a dudar porque ya me conocía y conocía mis inclinaciones. Yo le explicaba que se me hacía muy difícil cantar canciones de amor porque lo lindo es cómo tú hablas de estas cosas sin que suenen trilladas.—¿Cuándo sentiste que encontraste esa forma?Poco a poco vinieron temas como “De Antes”, “Un Deseo”, y fui explorando y sintiéndome cada vez más cómodo en encontrar una manera única o personal de abordar esos temas. Cuando llegó La Dulzura (2010) sentí que fue el mejor lugar para estar para mí. Energéticamente me sentí demasiado cómodo, completo. Creo que tomó mucho tiempo y madurez poder encontrar ese camino y esa seguridad para expresarte por ahí, aunque tu público ya esperara otra cosa de ti.<h4>En Bucle: el regreso a la energía de La Dulzura, el lado A y B, la colaboración con Dread Mar-I y las notas de voz</h4>—Cuando apareció En Bucle, mucha gente habló de una especie de La Dulzura 2.0. ¿Ustedes también lo sintieron?—Es muy loco porque no siento que se hizo a propósito, el hecho de que tuviera la energía de La Dulzura. Pero ya cuando estábamos bastante cerca del final se sentía muy claro. Me acuerdo específicamente de un día que llegó un amigo al estudio, un domingo, y le enseñé todo el disco. Fue la primera vez en muchos meses que por fin escuché una canción detrás de otra sin estar trabajando. Ese día dije: “Okay, tengo un disco”. Y empezamos en broma con esto de que era casi como La Dulzura y, de momento, salió y todo el público empezó a decir lo mismo sin nosotros tener que decirlo. Fue muy loco porque todo el mundo lo sintió.Hay gente incluso que es como: “Regresaron”. Y a veces uno como medio se molesta porque dice: “Oye, nunca nos fuimos”. Seguíamos acá. Sacamos Sobrevolando (2019), que ganó el Grammy Latino, varios sencillos desde La Dulzura para acá, muchos viajes, muchos proyectos, colaboraciones. No nos fuimos.—Pero entendés de dónde viene esa sensación... en Argentina, La Dulzura fue una explosión. Sonaba en todos lados—Puedo entenderlo y tomarlo bien. Siento que, como dice por ejemplo la canción “Caracoles”, al fin volví a esa energía linda que tanto fue como mi lugar más natural.—El disco está dividido en un lado A y un lado B. Cuando lo escuchaba sentía que al principio aparece el enamoramiento y después empiezan a asomar las dudas, las peleas y cierra con "Ya volveré" que promete bastante. ¿Lo pensaron como un recorrido?—Es como yo quise acomodarlo en lado A y lado B, como se hacía antes con los discos. Comúnmente eso se usaba más para acomodar todos los temas que eran como más pegajosos en el lado A, y en el lado B, los “side B”, los temas que son maybe más queridos por ti, que no necesariamente crees que la gente los va a abrazar igual.El lado A, que es el lado del enamoramiento y toda la cosa, empezando por “Déjame Entrar” en ese punto de partida.&nbsp;—¿El lado B sería entonces el momento en el que esa relación empieza a romperse?—No digamos que es como peleas y desamores, porque también el lado B empieza con “Malena”. No hay una historia específica, son varias historias diferentes. “Malena” es como de algo que no se dio y estás como en la duda. O “Dame Luz”, que es cuando estás medio perdido en la relación, no sabes qué está pasando realmente.—Y después aparece “Mal Herido”, donde esa ruptura ya es mucho más evidente.—Exacto, “Mal Herido” ya es como...—Ahí también hay una conexión argentina porque aparece Mariano, de Dread Mar I. ¿Cómo nació esa colaboración?—Y no solo es con Mariano. Ese tema terminó siendo con Mariano porque gran parte de la canción la compuso su tecladista y director de banda, Mati Zapata. Yo lo escuché a él cantando una versión en Instagram y le escribí inmediatamente: “Hermano, ¿tú tienes un plan con esta canción? ¿Qué hay? A mí me identificó demasiado, me encantaría poder grabarla”.—¿La canción ya estaba terminada en ese momento?—Él tenía como la estrofa y el coro y ahí terminaba la idea. Ya era una canción, pero obviamente para hacerla completa hicimos otra estrofa, un puente. Yo lo que hice fue basarme en eso mismo para seguir añadiendo a la historia.—Me gustó mucho que el disco tenga las notas de voz. Hay una especialmente íntima, que parece una nota de voz que alguien realmente acaba de mandar. "Quería decirte cositas"...—Me gustó no poner quiénes son para dejar eso ahí como a la imaginación. Esa específicamente sentí que quizás podía chocarle a nuestro público muy de culto. Pero me gusta. Es pícaro, es muy real lo que pasa entre la gente que se conoce y comparte, esa es la confianza que hay. Yo quería jugar con esa idea de que los temas sean íntimos.—Después de 30 años siguen probando sonidos nuevos—“Flaca” es un afrobeat y es algo que queríamos hacer hace rato. Incluso hay otros dos afrobeat que no quedaron en el disco. Son instrumentales que quedaron ahí como ideas que posiblemente vengan para el próximo. Incluso estuvimos coqueteando con la cumbia también.La banda puertorriqueña vuelve a la Argentina el próximo viernes 18 de septiembre en el Arena de Villa Crespo y continúa su gira el 19 de septiembre de 2026 en Quality Espacio de Córdoba.

A 30 años de sus comienzos, Willy Rodríguez habló con Filo.news sobre el camino que transformó a la banda puertorriqueña y el presente de En Bucle, un disco que recupera la energía de La Dulzura y abre una nueva etapa. El viernes 18 de septiembre tocan en el Arena de Villa Crespo.

A 30 años de sus comienzos, Willy Rodríguez habló con Filo.news sobre el camino que transformó a la banda puertorriqueña y el presente de En Bucle, un disco que recupera la energía de La Dulzura y abre una nueva etapa. El viernes 18 de septiembre tocan en el Arena de Villa Crespo.

Cultura Profética: Los Cafres como influencia, el sueño de cambiar el mundo y su vuelta al amor con "En Bucle"

Ser anticipa la llegada de la primavera con “Sola en vivo”, una nueva versión de uno de los temas más conocidos de la banda. Para esta ocasión, el grupo se unió a Demián “DMIX” Marcelino, compositor y guitarrista de Los Cafres y, además, uno de los cofundadores de SER.El lanzamiento combina el espíritu del reggae y el pop con la energía característica de la banda y forma parte de La Vida Baila Live Session, el primer álbum en vivo de la banda, que será presentado canción por canción hasta su lanzamiento completo, previsto para fin de año.“Sola” tiene un significado especial para SER. Según contó Fede Berdullas, cantante de la banda, la canción marcó un antes y un después en la historia del grupo: fue su primera canción viral en Spotify, recibió una nominación a los Premios Gardel y fue reconocida como una de las canciones del verano.Ahora, el tema vuelve a cobrar vida en una sesión que reúne a músicos con una larga historia compartida. Berdullas y DMIX son amigos, colegas y compañeros de camino musical desde hace años, y juntos compusieron numerosas canciones, participaron de producciones y compartieron cientos de escenarios.Grabada a 5 cámaras en mano en la Ciudad de Buenos Aires, la banda presentó el video de la reversión del hit que ya está disponible en plataformas.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=GKJbhA7jIdA&amp;list=RDGKJbhA7jIdA"></oembed></figure>

La banda presentó una nueva versión de uno de sus temas con la colaboración del guitarrista y compositor de Los Cafres. Es el segundo adelanto de “La Vida Baila Live Session”, su próximo disco en vivo. &nbsp;

La banda presentó una nueva versión de uno de sus temas con la colaboración del guitarrista y compositor de Los Cafres. Es el segundo adelanto de “La Vida Baila Live Session”, su próximo disco en vivo.&nbsp;

SER lanzó una nueva versión en vivo de su gran éxito "Sola" junto a “DMIX” de Los Cafres

Bad Gyal vuelve a la Argentina para presentarse por primera vez en el Estadio Arena de Buenos Aires, el próximo 14 de octubre, en el marco de su Más Cara World Tour 2026. La artista catalana llega con un nuevo espectáculo en el que presenta su segundo álbum de estudio, Más Cara, un proyecto que transforma en experiencia en vivo los 19 temas que componen el disco, con nueva escenografía, coreografías y una puesta en escena de gran despliegue estético.“Empecé a ser BAD GYAL con 19 años y en estos diez años este trabajo tomó una velocidad fuertísima. Me siento más que nada una compositora, lo mío es la música, pero estoy detrás de todos los detalles de mi carrera. Mi proyecto soy yo”, reflexiona la artista.En esta nueva etapa la artista presenta un espectáculo de alcance global, con una puesta audaz y de gran despliegue visual, que consolida su evolución y su dominio escénico.Creado entre Miami, Puerto Rico, Colombia y España, su esperado álbum “MÁS CARA” fusiona géneros como reggaetón, R&amp;B, dancehall, merengue house y shatta jamaiquino, entre otros, construyendo un sonido que combina influencias clásicas del urbano con una mirada contemporánea y global.Con créditos de coautoría en cada una de las canciones, el disco reconecta a Bad Gyal con las influencias que despertaron su voz creativa, mientras amplía los límites de la música urbana con tracks como “Un Coro y Ya :)”, “La Iniciativa” y la canción que da nombre al proyecto, “Más Cara”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/09/11/artistaaa2894_.png"></figure>El concepto del álbum nace de lo que la propia artista define como su “dream playlist”: un recorrido por las músicas que marcaron sus primeros recuerdos y que continúan moldeando su identidad artística. &nbsp;El próximo 14 de octubre, Bad Gyal llevará este universo al Estadio Arena de Buenos Aires, donde se reencontrará con el público argentino para presentar en vivo las canciones de Más Cara y repasar una trayectoria que la convirtió en una de las figuras más relevantes de la nueva escena urbana internacional. &nbsp;

En el marco de su Más Cara World Tour 2026, la artista catalana se presentará por primera vez en el Estadio Arena de Buenos Aires el próximo 14 de octubre.

En el marco de su Más Cara World Tour 2026, la artista catalana se presentará por primera vez en el Estadio Arena de Buenos Aires el próximo 14 de octubre.

Bad Gyal anunció su regreso a la Argentina

Antes de que Nonpalidece pudiera grabar un disco en Kingston, Jamaica era una imagen lejana que aparecía en algún VHS, difícil de conseguir en esa época. Como grupo de amigos, intentaban entender la música que escuchaban, con gutarra y bajo en mano para captar la escencia de ese ritmo.&nbsp;Casi 30 años después, llegaron a la isla caribeña para tocar por los 80 años de Bob Marley. En el camino, la banda se convirtió en uno de los grupos fundamentales del reggae argentino, construyó una discografía que atravesó generaciones y terminó llegando a Jamaica, lugar que había alimentado buena parte del imaginario inicial.La historia de Nonpalidece arranca en 1996 con un grupo de amigos de la escuela que tenía "ganas de decir algo", de hacer escuchar su voz. "Nos sentíamos identificados con la música reggae", recuerdan sobre aquella época en la que el género aún era incipiente.Pese a que Jamaica era el país por excelencia del reggae con Bob Marley como embajador, Nestor Ramljak destacó que "SUMO hizo una mecha ahí también en cuanto a sus reggaes y principalmente Superman Troglio con la batería. SUMO era una banda de rock, hacía excelentes reggaes, pero él, a través de la batería, creo que le daba un golpe que lo hacía tan especial a esa primera influencia”.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dceg_hoEvFE/"></oembed></figure>Tres décadas después, Nonpalidece vuelve sobre esos comienzos mientras prepara su festejo de aniversario. En diálogo con Filo.news, Nestor Ramjlak y Facundo Cimas reconstruyeron su historia que empezó entre discos, instrumentos y amigos y que, muchos años después, terminó llevándolos hasta la cuna del reggae.—Cuando empezaron, el reggae todavía era bastante incipiente en la Argentina. ¿Cuál fue el puntapié inicial de Nonpalidece?Facu: Teníamos ganas de decir algo. De alguna manera nos sentimos identificados con la música reggae. Había algo para decir claramente y había ciertas influencias nacionales también.&nbsp;Nestor: SUMO creo que hizo una mecha ahí también en cuanto a sus reggaes y principalmente Superman Troglio con la batería. Sumo era una banda de rock, hacía excelentes reggaes, pero él, a través de la batería, creo que le daba un golpe que lo hacía tan especial a esa primera influencia.Y después estaban nuestras ganas de inspeccionar también nuestras curiosidades desde el instrumento propio de cada uno y sobre una música que nos llamó la atención de una manera diferente a lo que veníamos escuchando. De repente, con Facu, que compartíamos colegios y diferentes espacios en común, él tenía su banda, yo tenía mis cosas y era: “Che, ¿escuchaste?”. Nos pasábamos música y de repente confluyó en: “Che, mirá esto”. Y esto era Marley.—¿Qué fue lo primero que escucharon de Bob Marley?Nestor: Lo primero que llegó fue Legend, pero después llegó, no sé si algún disco del estilo Survival...Facu: Yo con Confrontation.&nbsp;Nestor: Y a partir de eso, intentar tocar reggae. “Che, qué raro que tocan”. Nos empezamos a juntar. “Venite a casa”. Yo tocaba la guitarra, él tocaba el bajo y yo chancleteaba, “chan, chan”, tratando de entender.—¿Aprendieron sobre la marcha?Nestor: Sí. En el círculo que nos movíamos había curiosidad por la música, entonces era: “Che, ustedes están tocando, ¿no? A ver, ¿cuándo nos juntamos?”. Y ahí se fue armando como una célula que se movía, se movía, se movía. Ya por el año 2000 tomó como una fuerza un poquito más, ve la luz el primer disco y la historia se cuenta 30 años después.<h4>“Éramos niños rebeldes”</h4>En aquellos primeros años, el reggae llegaba a Nonpalidece no solo desde el sonido sino que también había una identificación con su costado más contestatario y con la posibilidad de transformar la realidad.—Recién decían que tenían ganas de decir algo. ¿Qué quería decir Nonpalidece hace 30 años y qué tiene para decir hoy?Facu: Éramos niños rebeldes y veíamos que pasaban cosas que no estaban bien, no estábamos de acuerdo. Estábamos escuchando música que musicalmente ya lo expresaba y después las letras. Todo eso fue algo muy loco. Qué sé yo, veníamos por ahí de escuchar música punk. El punk era algo medio parecido al reggae, contestatario, pero “rompan todo”.Nestor: La diferencia del reggae era: “No, todo tiene solución”.—Lo hacemos desde el amor.Facu: Claro, todo tiene solución.Nestor: Estamos en duda ahora si el amor vence al odio... unas ganas de “rompan todo” bárbaras.—¿Y cómo aparece esa necesidad de decir cosas en la banda de hoy?Nestor: Eso es lo que quizás fue la voz inicial de expresarse en los inicios y un poco este chascarrillo viene a traer un poco de realidad, de que a veces dan ganas de romper todo. Es un poco la voz de ahora, lo que nos mueve también a través del proyecto, a través de la música que hacemos: poder canalizar un poco lo que nos pasa, lo que charlamos nosotros, lo que vemos que pasa a nuestras familias, a la sociedad.<h4>De conocer Jamaica por VHS a grabar en Kingston</h4>Durante años, Jamaica existió para ellos a través de su música y de unas pocas imágenes que lograban circular en los famosos VHS, previo a que existan las plataformas y las redes sociales. Ese estudio que ellos veían desde una pantalla, después de más de 25 años, terminó convirtiéndose en el lugar donde Nonpalidece grabó Hecho en Jamaica.—Bob Marley aparece desde el comienzo de la banda y después construyeron un vínculo muy fuerte con Jamaica. ¿Cómo fue aquel primer acercamiento a la isla cuando todavía la conocían solamente a través de su música?Nestor: En su comienzo eran unos VHS. Hasta eso... pongan la pantalla en blanco y negro. Había un casete así grande que iba adentro de una casetera que no todos tenían aparte.—Era muy complicado de conseguir.Nestor: No todos los vecinos tenían una videocasetera y esos videocasetes no se veían, no ibas al videoclub. Era una cosa rara. Y ahí vimos unos primeros videos de Jamaica, se veían algunos recitales, algunas cosas que decíamos: “Wow”. Y nos juntábamos en la casa de uno a una hora, porque ¿quién te iba a dejar ver todo eso?—¿Qué les pasó cuando finalmente llegaron a Jamaica después de tantos años de verla desde lejos?Nestor: Cuando fuimos a la isla ya había pasado mucho tiempo de aquellas primeras veces y fue como un encuentro con cosas que ya parecía que las conocíamos o que las habíamos visto sin haber ido. Los estudios, porque aparte muchos de esos videos estaban en los estudios de grabación.Facu: Después de verlos tantas veces era como que ya entrabas, pero igual cuando entrabas ahí se te... uf.—¿Superó lo que se habían imaginado?Facu: Sí, sí. Superó todo, todo, todo.—¿Había también cierta idealización de Jamaica desde la distancia? ¿Encontraron algo diferente cuando llegaron?Nestor: No, no, no. Yo confirmé algunas ideas que tenía de cierta distancia o seriedad de parte de los jamaiquinos, en líneas generales. Después, obviamente, cuando entrás en confianza o hablás con uno o con otro es un poco más amable.Nosotros fuimos a Kingston a grabar un disco y nos tomamos la licencia de ir antes porque la persona que produjo toda esa hermosa idea dijo: “No, no, de ninguna manera van al estudio. Nos vamos cuatro días a conocer un poco la isla, comer comida, que entremos en onda y ahí se graba el mejor disco de su vida”. Dale.Obviamente en los lugares que son superturísticos hay como un humor y en Kingston es otra cosa. En Kingston sí vivimos más como una situación más adusta, como de arriba para abajo. Lo que vale dos de repente vale seis. Como que tenés que estar pillo en todo.<h4>“Estás en la cuna”</h4>El vínculo con Jamaica tuvo otro capítulo cuando regresaron para participar de la celebración por los 80 años de Bob Marley. Esta vez iban a tocar reggae en la cuna de ese estilo y en castellano.—Después volvieron a Jamaica para los 80 años de Bob Marley. ¿Cómo vivieron ese momento?Nestor: Fue un show, tocamos 16 minutos.—¿Los 16 mejores minutos?Nestor: Había mucho nervio también. Habían muchos otros artistas, entonces había una situación de escenario un poco complicada, pero ¿quién te quita lo bailado?Facu: Estás en la cuna. Las rodillitas temblaban.Nestor: Yo lo disfruté, lo disfruté.<h4>Los 30 años y una celebración elegida con el público</h4>Tres décadas después de aquellos primeros intentos por descifrar cómo se tocaba reggae, Nonpalidece prepara una celebración atravesada por el número 30 para el 1° de octubre en el C Art Media. Serán 30 canciones, con parte del repertorio elegido a través de las redes sociales, y entradas a $30.000.

La banda celebra tres décadas de historia con un show de 30 canciones elegidas junto a su público. En diálogo con Filo.news, sus integrantes recordaron los comienzos, la influencia de Sumo y Bob Marley, el viaje que los llevó a grabar en Kingston y cómo cambió aquella rebeldía con la que empezaron a hacer música.

La banda celebra tres décadas de historia con un show de 30 canciones elegidas junto a su público. En diálogo con Filo.news, sus integrantes recordaron los comienzos, la influencia de Sumo y Bob Marley, el viaje que los llevó a grabar en Kingston y cómo cambió aquella rebeldía con la que empezaron a hacer música.

Música

Gorillaz: de Miami a Buenos Aires con el show que llega a la Argentina en noviembre

Emanero y Bandana presenta su nuevo lanzamiento "Ojo de Loca"

Gustavo Santaolalla construyó su propio paisaje sonoro en el Teatro Colón

De Nashville a San Pedro: el festival de country más grande de Sudamérica vuelve con entrada libre y gratuita

Q'Lokura vuelve a La Plata con un show histórico en el Estadio UNO

Blair despidió Bar Scorpios con un show agotado en Deseo

Diego Torres: “Mi norte y mi sur”, la muerte, los amores y por qué “la vida son momentitos”

Roger Taylor, Maluma y Shakira, Elvis Crespo y Beéle: los estrenos de la semana

La banda más ondera demostró que el groove está intacto: Jamiroquai en Argentina

Underworld llega a la Argentina

Doppel Gangs presenta “ZZZimón”, su disco más íntimo y electrónico

Harlem Festival 2026: los artistas emergentes que conquistan la grilla

En el Cosmos presenta su disco debut homónimo

Mujeres protagonistas del Primavera Sound 2026: Juliana Gattas, Chechi de Marcos y María Wolff anticipan el festival

Stray Kids tocó por primera vez en Argentina con su festival STRAYCITY

Rave3000 cierra el año reuniendo a lo mejor de la cultura alternativa en Buenos Aires

Cultura Profética: Los Cafres como influencia, el sueño de cambiar el mundo y su vuelta al amor con "En Bucle"

SER lanzó una nueva versión en vivo de su gran éxito "Sola" junto a “DMIX” de Los Cafres

Bad Gyal anunció su regreso a la Argentina

Nonpalidece, 30 años después: de descubrir a Bob Marley en VHS a cumplir el sueño de tocar reggae en Jamaica

¡No te pierdas las últimas noticias!

Música

Gorillaz: de Miami a Buenos Aires con el show que llega a la Argentina en noviembre

Emanero y Bandana presenta su nuevo lanzamiento "Ojo de Loca"

Gustavo Santaolalla construyó su propio paisaje sonoro en el Teatro Colón

De Nashville a San Pedro: el festival de country más grande de Sudamérica vuelve con entrada libre y gratuita

Q'Lokura vuelve a La Plata con un show histórico en el Estadio UNO

Blair despidió Bar Scorpios con un show agotado en Deseo

Diego Torres: “Mi norte y mi sur”, la muerte, los amores y por qué “la vida son momentitos”

Roger Taylor, Maluma y Shakira, Elvis Crespo y Beéle: los estrenos de la semana

La banda más ondera demostró que el groove está intacto: Jamiroquai en Argentina

Underworld llega a la Argentina

Doppel Gangs presenta “ZZZimón”, su disco más íntimo y electrónico

Harlem Festival 2026: los artistas emergentes que conquistan la grilla

En el Cosmos presenta su disco debut homónimo

Mujeres protagonistas del Primavera Sound 2026: Juliana Gattas, Chechi de Marcos y María Wolff anticipan el festival

Stray Kids tocó por primera vez en Argentina con su festival STRAYCITY

Rave3000 cierra el año reuniendo a lo mejor de la cultura alternativa en Buenos Aires

Cultura Profética: Los Cafres como influencia, el sueño de cambiar el mundo y su vuelta al amor con "En Bucle"

SER lanzó una nueva versión en vivo de su gran éxito "Sola" junto a “DMIX” de Los Cafres

Bad Gyal anunció su regreso a la Argentina

Nonpalidece, 30 años después: de descubrir a Bob Marley en VHS a cumplir el sueño de tocar reggae en Jamaica