La imponencia del Teatro Colón no se explica: se siente. Sus columnas, su historia, su peso simbólico. Es el escenario al que no muchos llegan. Por ahí pasaron gigantes como Mercedes Sosa, Charly García, Gustavo Cerati y Astor Piazzolla. Y anoche, en ese mismo lugar, una piba de Rosario salió a cantar trap y se convirtió en la primera mujer del género urbano en presentarse en ese escenario.Apareció pequeña pero imponente, traje negro, firme. Y abrió, irónicamente, con “Wapo Traketero”. Ese tema que en 2019, arriba de una bicicleta, rompía las redes y la instalaba como una nueva voz del urbano argentino. Siete años después, esa misma canción sonó acompañada por más de 70 músicos en formato sinfónico, bajo la dirección de Nico Sorín, que por momentos parecía un trapero clásico vestido de director.El choque era evidente y poderoso. El teatro, que remonta a una vanguardia del siglo pasado, con su acústica perfecta y su solemnidad cuasi europea intacta. La modernidad del sonido urbano, las bases, la tecnología, la pantalla que acompañaba una puesta a la altura de los grandes shows contemporáneos. Lo clásico y lo popular en diálogo. O mejor dicho: abrazándose.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/21/DSC091569680_.jpeg"></figure>Y también tensándose. Porque por momentos sus fans no aguantaban los gritos. Entendible: su ídola estaba ahí, cercana, íntima, casi al alcance de la mano. Pero la etiqueta tradicional del Colón exige silencio para no interrumpir la ejecución técnica de la orquesta y el disfrute del resto del público. Ese cruce generacional fue parte del espectáculo. La cultura del grito frente a la liturgia del aplauso medido. El urbano entrando en un territorio históricamente reservado.La narrativa atravesó toda la noche. No fue solo un concierto, fue una búsqueda. Una Nicki enfrentando la luz y la oscuridad, el éxito y sus costos, la presión de ser una de las artistas más destacadas de su generación. La historia de alguien que en medio de la vorágine intenta recuperar algo que sintió perdido.Las colaboraciones ampliaron el proyecto y consolidaron un diálogo dentro de la escena. Con Milo J interpretó “Dispara” y “Alumbre”. Con Cazzu resignificó “Zona de Promesas” con matices folklóricos. Pero lo de Cazzu no es solo una colaboración: es historia compartida. Fue una de las primeras grandes figuras del trap argentino y alguien que ayudó a Nicki en sus comienzos, cuando todo era más incierto que glamoroso. Verlas juntas en el Colón fue también ver la evolución de dos pibas que pasaron del under a nombres propios reconocibles en el mundo entero.Con el uruguayo Jorge Drexler compartió una delicada versión de “Sea”, aportando intimidad y sofisticación. Y en “Boquitas Pintadas”, una Nicki pequeña cantó frente al espejo junto a su versión actual, en uno de los momentos más sensibles de la noche. Si de cumplir sueños hablamos, la piba que creció escuchando a Tan Biónica hoy tiene una versión de esa canción junto a la banda liderada por Chano Charpentier, con quien forjó una amistad que trasciende la música.También hubo espacio para lo popular en su estado más puro. “Otra Noche” encontró un momento de piano íntimo. Y sorprendió un cover de “Olvídala”, canción popularizada por Los Palmeras, que sonó distinta, casi ceremonial. Un coro de niños aportó capas emocionales en varios pasajes del show. El repertorio fue de 27 canciones. Un recorrido amplio que dialoga con su presente: recientemente nominada por primera vez a los Grammy Awards en la categoría Best Música Urbana Album por “NAIKI”, y también a los Latin Grammy Awards 2025 como Mejor Álbum de Música Urbana por el mismo proyecto. <img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/21/DSC092137468_.jpeg">Nicki ya había probado el formato sinfónico en el Monumento Nacional a la Bandera, donde reunió a más de 300.000 personas en su ciudad natal. También compartió escenario con Andrea Bocelli en su paso por Argentina. Pero lo del Colón tiene otra carga. No es solo una convocatoria. Es una legitimación simbólica e histórica.&nbsp;De Rosario, de la cancha de Newell’s, del trap crudo y viral, a llenar de trap y hip hop el teatro más histórico del país. Lo popular conquistando lo solemne sin pedir permiso. El Colón no se modernizó anoche, fue el urbano el que demostró que ya es parte de la historia grande de la música argentina. Y Nicki, con apenas 25 años, ya escribió una página propia en ese libro.Nota escrita por Martin Mozotegui

La artista rosarina de 25 años se convirtió en la primera mujer del género urbano en presentarse en el Teatro Colón. En formato sinfónico y con invitados como Milo J, Cazzu y Jorge Drexler, Nicki tendió un puente entre lo popular y lo clásico en una noche atravesada por la búsqueda, la emoción y el peso histórico del escenario.

La artista rosarina de 25 años se convirtió en la primera mujer del género urbano en presentarse en el Teatro Colón. En formato sinfónico y con invitados como Milo J, Cazzu y Jorge Drexler, Nicki tendió un puente entre lo popular y lo clásico en una noche atravesada por la búsqueda, la emoción y el peso histórico del escenario.

Nicki Nicole en el Teatro Colón: el trap al escenario más imponente del país

La música electrónica vivirá uno de sus hitos más importantes del verano en la Triple Frontera con la llegada de Hernán Cattaneo, referente indiscutido del progressive house a nivel mundial, quien se presentará el sábado 28 de febrero en Somnio, un encuentro que tendrá lugar en Foz do Iguaçu y que consolida a la región como un nuevo polo dentro del circuito global de la electrónica. En este contexto, Kevin Di Serna tendrá un rol destacado durante el fin de semana. El DJ y productor argentino será el encargado de la pre-party del viernes 27 de febrero, una experiencia exclusiva pensada para quienes arriban con anticipación, y además integrará el line-up del sábado 28, compartiendo fecha con Hernán Cattaneo y destacados artistas regionales e internacionales.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUtAKZJkS5b/?img_index=1"></oembed></figure> Reconocido por su capacidad de fusionar música electrónica, espiritualidad y experiencias sensoriales profundas, Kevin Di Serna atraviesa uno de los momentos más sólidos de su carrera artística. Con un estilo que combina house, progressive, techno, UK garage e indie, ha desarrollado una trayectoria de proyección internacional que lo llevó a presentarse en escenarios de primer nivel como Tomorrowland Bélgica, Tomorrowland Brasil, Pacha Ibiza, Zamna (Tulum), Brunch Electronik (Madrid e Ibiza) y KaterBlau (Berlín). En 2025, fue además el único artista argentino en formar parte del lineup de Tomorrowland Brasil. Su música fue editada por sellos de prestigio como Innervisions, Last Night On Earth, Sudbeat, Watergate Records, The Soundgarden y Siamese, y ha compartido cabina con referentes centrales de la escena electrónica global como Hernán Cattaneo, Dixon, Âme, Tale of Us, Sasha y Bicep.<h4> Un vínculo artístico construido a lo largo de más de una década</h4> La relación entre Kevin Di Serna y Hernán Cattaneo se desarrolló a lo largo de los años a partir de una profunda conexión musical y artística, con Sudbeat, el sello fundado por Cattaneo, como uno de los ejes centrales de ese recorrido. En 2014, Kevin editó allí su primer track, “Ailes”, incluido en el compilado Sudbeat Volume II, marcando el inicio de un camino que lo consolidaría como una de las figuras más relevantes del progressive argentino a nivel internacional. Desde entonces, su vínculo con el sello se fortaleció con lanzamientos clave como el remix de “Memory” de Omid 16B, el EP “Hyperblue”, y más recientemente “The Perfect Time Is Now”, un trabajo celebrado por la crítica y el público, que incluyó remixes de Musumeci y Dodi Palese y reafirmó la madurez sonora de Di Serna tras más de una década de trayectoria.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DURh89fEelz/"></oembed></figure> La colaboración entre Kevin Di Serna y Hernán Cattaneo también tuvo lugar en el estudio, con una serie de remixes conjuntos que se convirtieron en piezas habituales dentro del circuito global de la electrónica. Entre ellos se destacan versiones para artistas como RY X, M83, Nick Warren, Budakid, Spencer Brown, Tame Impala, Christian Smith e Imbermind, entre otros, consolidando una sociedad creativa basada en la sensibilidad musical, el detalle y una identidad sonora compartida. Además, Kevin recuerda con especial emoción su primer gig internacional, un momento que marcó el inicio de su carrera en el circuito global y fortaleció su vínculo con Hernán. “El primer gig internacional que realicé fue en Beirut, Líbano. Estaba en casa, en el estudio, cuando me llegó la propuesta de hacer un warm up para Hernán y Nick Warren en un gran escenario al lado del mar. Para ese entonces jamás me había subido a un avión. Sentí una sensación muy fuerte de agradecimiento y, a la vez, el reto de vencer miedos”. El artista también ha acompañado a Hernán Cattaneo en numerosos shows a lo largo de los años, actuando como support y reforzando la química en vivo que los convierte en un dúo artístico de referencia dentro de la escena progressive.<h4> Un viaje musical profundo y transformador</h4> Desde 2012, Kevin Di Serna integra de manera orgánica la meditación y la espiritualidad en su proceso creativo. A partir de un profundo despertar de conciencia, su propuesta artística evolucionó hacia un lenguaje sonoro que busca generar conexión, introspección y expansión emocional. En sus sets incorpora frecuencias, vocales con mensajes espirituales y elementos inspirados en la musicoterapia, construyendo atmósferas que invitan a vivir la música desde un lugar más sensible y consciente. Cada presentación se transforma así en un viaje único, donde la pista de baile se convierte en un espacio de encuentro emocional y energético. “Ser parte de Somnio junto a Hernán Cattaneo y en un lugar tan especial, es una experiencia muy significativa para mí. Estos encuentros son una invitación a conectar desde un lugar más profundo, donde la música no solo se escucha, sino que se vive y se comparte. Poder abrir y acompañar ese viaje durante todo el fin de semana es algo que me entusiasma y me honra muchísimo”, expresa Kevin Di Serna. El evento se desarrollará en un espacio icónico de Foz do Iguaçu, a metros del encuentro entre Argentina, Brasil y Paraguay, en uno de los principales polos turísticos del Mercosur. La propuesta combina música, experiencia y entorno, integrándose de lleno a la agenda cultural y turística de este enclave único. La presentación de Hernán Cattaneo marcará además un hito: será su primera vez en la zona fronteriza del Cono Sur, reforzando la incorporación definitiva de la región al circuito de grandes eventos de música electrónica en América del Sur. Se espera un público diverso, con asistentes provenientes de los tres países, además de seguidores que llegarán desde distintos puntos del continente y del exterior. Con una programación que combina figuras consagradas de la escena global y artistas con una fuerte identidad artística, Somnio se proyecta como uno de los eventos más relevantes de la temporada en el polo turístico del Iguazú.&nbsp; La participación de Kevin Di Serna, tanto en la pre-party del viernes como en el evento principal del sábado, y su histórico vínculo artístico con Hernán Cattaneo, refuerzan el espíritu del encuentro: una experiencia musical inmersiva que trasciende la pista de baile y conecta música, territorio e integración cultural en el corazón del Mercosur. &nbsp;

El DJ y productor argentino, con una relación artística de más de una década junto a Cattaneo, será figura de la pre-party el viernes 27 y del line-up principal el sábado 28 de febrero en Somnio, un evento clave para la región. &nbsp;

El DJ y productor argentino, con una relación artística de más de una década junto a Cattaneo, será figura de la pre-party el viernes 27 y del line-up principal el sábado 28 de febrero en Somnio, un evento clave para la región.&nbsp;

Kevin Di Serna llega a Foz do Iguaçu junto a Hernán Cattaneo en una fecha histórica de la electrónica 

La música urbana latina entra en una nueva etapa con el lanzamiento de SUPERARTE, el esperado álbum colaborativo de Justin Quiles y Lenny Tavárez. Más que una producción conjunta, el proyecto se presenta como una declaración artística sobre evolución, dualidad y trascendencia. En un momento clave de sus carreras —ambos reconocidos por su impacto global como intérpretes y compositores— los artistas eligen no reinventarse por tendencia, sino revelarse desde su forma más honesta y consolidada.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DU8muHACUc5/"></oembed></figure> El título del álbum encierra un poderoso doble significado. Por un lado, “Súper Arte” afirma la música como expresión en su nivel más alto; por otro, el verbo “superarse” alude al proceso constante de crecimiento, madurez y elevación artística. Esta dualidad resume el espíritu del proyecto: dos artistas consolidados que, lejos de competir, se unen para elevar el estándar creativo del género. “Para mí SUPERARTE es ser honesto con la música. Es mi mundo y mi forma de escribir, sin seguir fórmulas ni tendencias. Hacer este álbum con Lenny fue encontrar el equilibrio entre dos estilos distintos que, juntos, terminan contando una sola historia”, afirma Justin Quiles. Por su parte, Lenny Tavárez comparte: “SUPERARTE nace de la hermandad. Justin y yo venimos de lugares distintos, pero compartimos la misma visión y el mismo respeto por la música. Este álbum no es sobre competir ni reinventarse; es sobre elevar el arte, dejar que la música hable sola y construir algo que se sienta verdadero y duradero”.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DU9i5vPDGEY/?img_index=1"></oembed></figure> &nbsp;Estructurado como Lado A (Justin) y Lado B (Lenny), el álbum simboliza el equilibrio entre contraste y unidad. Lo suave frente a lo crudo, lo romántico frente a lo intenso, la luz y la sombra conviven en una narrativa cohesionada que trasciende la colección de canciones para convertirse en una obra conceptual con identidad cinematográfica y vocación atemporal. El universo visual que acompaña el proyecto refuerza esta visión mediante contrastes marcados, juegos de sombras, grano cinematográfico y una estética minimalista que prioriza la permanencia sobre la tendencia. SUPERARTE también reúne a figuras clave de la escena urbana actual, incluyendo a Blessd, Eladio Carrión, J Balvin, Jowell &amp; Randy, Sech y Dalex, ampliando el alcance sonoro del proyecto sin perder coherencia conceptual.El universo del álbum comenzó a revelarse con los sencillos previamente lanzados. “THANK YOU BB” marcó el regreso al reggaetón que se siente, fusionando la nostalgia del perreo clásico con una producción moderna y pulida. “LAS NEAS”, junto a Blessd, rindió homenaje a Medellín y su cultura urbana con un sonido crudo y auténtico que conecta el barrio con la narrativa conceptual del proyecto. Más recientemente, “ESPACIO” presentó la faceta más romántica y madura del dúo, moviéndose entre el afro y un reggaetón suave que habla de intención, manifestación y equilibrio emocional.\

Se tarta de un manifiesto artístico que redefine la hermandad y consolida su legado en la música urbana latina.

Se tarta de un manifiesto artístico que redefine la hermandad y consolida su legado en la música urbana latina.

Justin Quiles & Lenny Tavárez lanzan el nuevo álbum "Superarte"

Tobika, el artista que fusiona géneros urbanos con sonidos de raíz folclórica, presenta “Re Solo”, una canción que retrata la intimidad de una madrugada fría y desorientada, vivida en soledad entre luces de boliche y pensamientos que no dan tregua.&nbsp;Desde un fraseo directo y confesional, el artista pone en primer plano la vulnerabilidad, el arrepentimiento y la nostalgia de un amor que quedó lejos, construyendo un relato honesto sobre el error, la distancia y el deseo persistente de volver a intentarlo.En “Re Solo”, el artista se mueve entre recuerdos y ausencias, contrastando el ruido de la noche con un vacío emocional que atraviesa incluso los gestos más cotidianos. La canción avanza como un monólogo íntimo sobre la soledad, las risas que ya no alcanzan y los domingos que dejaron de ser iguales, dando forma a un retrato generacional: amores intensos, breves y definitivos, de esos que no duran para siempre —sobre todo a los veinte— pero dejan una marca imposible de reemplazar, incluso cuando hacen mal. &nbsp;Con este single, el músico argentino consolida una identidad sonora que combina frescura urbana y esencia popular. En un momento clave de su recorrido, fue elegido por Beéle para abrir su show en Argentina y se presentará por primera vez en Lollapalooza Argentina 2026, el sábado 14 de marzo. Escucha Re-solo acá.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=umkgOhQdMQ4&amp;list=RDumkgOhQdMQ4&amp;start_radio=1"></oembed></figure> &nbsp;

Mientras se prepara para su presentación el 14 de marzo en el Lollapalooza, el artista urbano estrena un tema íntimo y directo.

Mientras se prepara para su presentación el 14 de marzo en el Lollapalooza, el artista urbano estrena un tema íntimo y directo.

Tobika presenta “Re Solo”, su nuevo single

RÜFÜS DU SOL regresó a Buenos Aires con una propuesta que trasciende el formato de concierto tradicional. Lo suyo no es simplemente electrónica en vivo: es una experiencia inmersiva donde la puesta visual, el pulso rítmico y la carga emocional conviven en un mismo plano.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/20/@Pabloalonsoph_Rufus_Du_Sol-135612_.jpg"><figcaption>Fotos: @Pabloalonsoph</figcaption></figure>Formados en Sidney e integrados por Jon George, James Hunt y Tyrone Lindqvist, el trío ha sabido construir en más de una década un universo propio dentro de la escena global. Ganadores de un Grammy y responsables de algunos de los tours más convocantes del circuito electrónico internacional -con estadios agotados en Norteamérica, Europa y Australia-, RÜFÜS DU SOL llegó a Buenos Aires en uno de los momentos más sólidos de su carrera.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/20/@Pabloalonsoph_Rufus_Du_Sol-54211_.jpg"><figcaption>Fotos: @Pabloalonsoph</figcaption></figure>La noche comenzó con “Inhale”, marcando el tono conceptual que atraviesa su más reciente etapa artística. Desde allí, el show fue creciendo en intensidad con “Lately” y “Breathe”, preparando el terreno para la primera gran explosión colectiva con “You Were Right” y “Sundream”. A lo largo del show, la banda desplegó esa dualidad que los caracteriza: momentos introspectivos y atmosféricos como “Desert Night” o “Edge of the Earth” convivieron con pasajes de energía expansiva como “On My Knees”, “Pressure” y “Levitating”.El público respondió con devoción absoluta: “Next to Me” y “Surrender” fueron coreadas de principio a fin, mientras que “Alive” elevó la temperatura del recinto en uno de los puntos más altos de la noche. La intensidad emocional encontró su clímax en “Treat You Better” y, especialmente, en “Innerbloom”. Hacia el tramo final, “No Place” y “Music Is Better” terminaron de sellar la noche.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/20/@Pabloalonsoph_Rufus_Du_Sol-149610_.jpg"><figcaption>Fotos: @Pabloalonsoph</figcaption></figure>Más que un repaso por su discografía, el show funcionó como la confirmación de por qué RÜFÜS DU SOL es considerado uno de los actos en vivo más impactantes de la escena electrónica actual: una banda que combina sensibilidad, potencia escénica y una identidad sonora inconfundible. Una vez más, Buenos Aires respondió con la intensidad que caracteriza a sus grandes noches, y RÜFÜS DU SOL volvió a encender la ciudad.

El trío australiano volvió a demostrar por qué es uno de los proyectos más influyentes de la electrónica contemporánea, con un show que combinó mística, potencia y una conexión profunda con el público argentino.

El trío australiano volvió a demostrar por qué es uno de los proyectos más influyentes de la electrónica contemporánea, con un show que combinó mística, potencia y una conexión profunda con el público argentino.

Rüfüs Du Sol convirtió Buenos Aires en una experiencia inolvidable

Dove desembarcó en Cosquín Rock con una activación que invitó a vivir el festival desde otro lugar: explorando la frescura, comodidad y libertad que propone el nuevo Dove All Body Deo, la innovación para controlar el olor en todo el cuerpo, pecho, abdomen, muslos, espalda, pies, partes íntimas* y más.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/19/3S5A97668478_.jpg"><figcaption>Dove All Body Deo en Cosquín Rock | Foto: Gentileza de prensa.</figcaption></figure>La marca presentó el Dove All Body Party Bus, un espacio experiencial inspirado en el clásico bus de doble piso con un enfoque fresco y moderno para conectar con el público festivalero. Fue diseñado para generar impacto visual y ofrecer contenido compartible, integrando momentos sensoriales y actividades pensadas para conectar con la audiencia del festival:Photo opportunity: no era solo sacarse una foto sino llevarse un recuerdo: un momento que se siente, se disfruta y permanece más allá del festival.Tester de producto: un espacio donde el público podrá probar las dos variedades del nuevo Dove All Body Deo: Raspberry &amp; Rose y Lavender &amp; Camomile. Ambas fragancias se destacan por su frescura y notas cuidadosamente diseñadas para acompañar la experiencia del festival.Glitter station y espacio beauty: una propuesta lúdica para personalizar el look festivalero con glitter, brillos y toques estéticos especialmente pensados para el ambiente Cosquín.Dinámicas interactivas y merch: juegos y mecánicas para ganar premios y merchandising exclusivo, llevando la experiencia Dove más allá del momento.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/19/3S5A98105329_.jpg"><figcaption>Dove All Body Deo en Cosquín Rock | Foto: Gentileza de prensa.</figcaption></figure><h4>Una innovación que marca un antes y un después</h4>El lanzamiento de Dove All Body Deo abre una nueva categoría fusionando ciencia, skincare y control del olor. ¿Por qué es diferente? - Control del olor para todas tus curvas: pecho, abdomen, muslos, espalda, pies, partes íntimas* y más. -0% aluminio, 0% alcohol, 0% parabenos. -Con ingredientes de cuidado Vitamina B3 (crema) y Vitamina E (aerosol). -pH amigable con la piel. -Dermatológica y ginecológicamente* testeado. &nbsp;

Dove All Body Deo en Cosquín Rock | Foto: Gentileza de prensa.

La marca llegó al festival con una experiencia única para presentar Dove All Body Deo: el primer desodorante diseñado para cuidar todas tus curvas.

La marca llegó al festival con una experiencia única para presentar Dove All Body Deo: el primer desodorante diseñado para cuidar todas tus curvas.

Dove All Body Deo en Cosquín Rock

Paulo Londra demuestra un crecimiento constante a través de su música y su presencia en vivo, dejando huella en millones de personas alrededor del mundo. En este 2026 dará un nuevo paso en su carrera con una agenda internacional que lo llevará por Latinoamérica y, por primera vez, a Estados Unidos.El artista cordobés comenzará el año como headliner en reconocidos festivales internacionales, entre ellos el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar y Lollapalooza, reafirmando su lugar como una de las figuras más convocantes de la escena urbana.<h4>Gira 2026: nuevos mercados y debut en el Estadio Nacional</h4>El tour incluirá presentaciones en Colombia, Chile, Paraguay, México y Perú. En este último país tendrá un hito especial: su debut en el Estadio Nacional del Perú, uno de los escenarios más emblemáticos de la región.Además, Londra desembarcará por primera vez en Estados Unidos, con shows en ciudades clave como Nueva York, Miami y Los Ángeles. En California será parte del Festival La Onda, mientras que en Chicago integrará la grilla del Sueños Festival, ampliando su presencia en el mercado norteamericano.<h4>Un 2025 de récords y sold out</h4>El anuncio llega luego de un 2025 marcado por récords y estadios agotados. Su gira comenzó en España con doble sold out en el Palau Sant Jordi y en el Arena Madrid. En México vendió más de 70.000 entradas en el Auditorio Banamex, el Auditorio Telmex y el mítico Palacio de los Deportes.Durante la segunda mitad del año visitó Costa Rica, Guatemala, Perú, Chile, Colombia y Ecuador, logrando entradas agotadas en cada presentación.En Buenos Aires realizó dos shows imponentes con localidades agotadas en el Arena de Buenos Aires, con invitados especiales y un recorrido por sus mayores éxitos. El cierre del año fue en su Córdoba natal, donde colmó el Quality Arena en una de las fechas más emotivas de su carrera.<h4>Récords en plataformas y nuevos hits</h4>En medio de su gira latinoamericana, Londra se convirtió en el primer cantante argentino en superar las 10 mil millones de visualizaciones en su canal de YouTube con apenas 113 videos publicados.También fue el primero en alcanzar más de 1.000 millones de reproducciones en Spotify con Adán y Eva, lo que le permitió ingresar al icónico “Billions Club” de la plataforma.Entre los lanzamientos destacados de 2025 se encuentra 1%, su colaboración con Eladio Carrión. La canción funciona como una declaración de ambición y superación personal, con un mensaje centrado en que todo lo logrado hasta ahora es apenas una parte del potencial que aún queda por desarrollar.A esta lista se sumó Ramen Para Dos, junto a Maria Becerra, que se convirtió en un hit instantáneo con millones de reproducciones globales. La dupla fue una de las más celebradas de la escena urbana local y regional.Otro de los grandes momentos del año fue el estreno de Mujer Maravilla, que generó expectativa tras viralizarse en redes sociales antes de su lanzamiento oficial. El público la adoptó rápidamente, transformándola en una de las canciones románticas más dedicadas del año.Con un presente de récords, escenarios agotados y una proyección internacional en expansión, Paulo Londra consolida su regreso y se posiciona como uno de los artistas argentinos más influyentes de su generación.

El cordobés sigue consolidando su proyección internacional: será headliner en grandes festivales y debutará en el Estadio Nacional de Perú. Además, sumará por primera vez una gira por Estados Unidos.

El cordobés sigue consolidando su proyección internacional: será headliner en grandes festivales y debutará en el Estadio Nacional de Perú. Además, sumará por primera vez una gira por Estados Unidos.

Paulo Londra anuncia su tour 2026 con fechas en Latinoamérica y Estados Unidos

Tras un estreno consagratorio, Company se consolida como el gran suceso teatral del verano. La producción de Club Media se posiciona como una verdadera experiencia de Broadway en Argentina, con una puesta de excelencia que fue celebrada por la crítica especializada y elegida por el público función tras función.Protagonizada por Fer Dente en el rol de Bobby y Alejandra Radano como Joanne, esta versión del clásico de Stephen Sondheim se convirtió rápidamente en uno de los títulos más comentados de la temporada, destacándose por su potencia interpretativa, su sofisticada propuesta escénica y su impactante despliegue musical.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/18/Company_-_12-12-202556557604_.jpg"></figure>Debido al éxito, Company continuará en cartelera hasta fines de marzo, con funciones de jueves a domingo, reafirmando su lugar como una de las grandes apuestas teatrales del año.Esta nueva versión reúne a un verdadero dream team del teatro musical argentino, desde la conformación del elenco hasta el equipo creativo y artístico, bajo la producción de Club Media. Un encuentro de talentos consagrados que elevan la obra a un nivel de excelencia poco frecuente en la cartelera local.La dirección escénica propone una lectura contemporánea que pone el foco en la intimidad de los vínculos, con una puesta dinámica y conceptual que dialoga con la profundidad emocional de la partitura.La dirección vocal de Eugenia Gil Rodríguez aporta precisión y potencia interpretativa a un material musical de enorme complejidad, respetando la sofisticación armónica de Sondheim y potenciando el lucimiento individual y coral.La dirección musical de Damián Mahler es otro de los grandes pilares del espectáculo. Al frente de una orquesta en vivo de ocho músicos sobre el escenario, Mahler convierte la música en un elemento dramático activo. La presencia de los músicos en escena potencia la energía del espectáculo y dialoga con la acción, consolidando una experiencia teatral inmersiva y vibrante.La dirección de actores, a cargo de Laura Oliva, profundiza en la humanidad de cada personaje, logrando un equilibrio entre humor, ironía y emoción.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/18/Company_-_12-12-202561208993_.jpg"></figure>El destacado nivel artístico de Company se sostiene en la solidez de todo su elenco. Fer Dente lidera la escena con una interpretación carismática y vulnerable, acompañado por Alejandra Radano, cuya presencia magnética aporta algunos de los momentos más memorables del espectáculo.Completan el elenco Diego Jaraz, Laura Silva, Hernán Kuttel, Vane Butera, Felipe Forastiere, Andrea Mango, Sebastián Holz, Denisse Cotton, Sacha Bercovich, Paz Gutiérrez, Mariel Percossi, Martina Loyato, Lali Vidal y Uri Bruk, conformando una verdadera compañía donde cada intérprete aporta capas de sentido y momentos de lucimiento propios.Aclamada por la crítica y elegida por el público, Company se posiciona como el musical del verano y una de las producciones más destacadas de la temporada. Con funciones de jueves a domingo y continuidad confirmada hasta fines de marzo, la obra reafirma que el teatro musical de excelencia también se produce en Argentina, con talento local y estándar internacional.

El destacado nivel artístico de Company se sostiene en la solidez de todo su elenco. Fer Dente lidera la escena con una interpretación carismática y vulnerable, acompañado por Alejandra Radano, cuya presencia magnética aporta algunos de los momentos más memorables del espectáculo.

El destacado nivel artístico de Company se sostiene en la solidez de todo su elenco. Fer Dente lidera la escena con una interpretación carismática y vulnerable, acompañado por Alejandra Radano, cuya presencia magnética aporta algunos de los momentos más memorables del espectáculo.

Company, el gran suceso teatral del verano, continúa hasta marzo

La montaña, el calor, el frío, el atardecer y los encuentros -tanto arriba como abajo del escenario- son parte de la esencia del Cosquín Rock. En el segundo día de su edición número 26, León Gieco apareció sorpresivamente en varios escenarios y fue vitoreado al unísono con el clásico “León, León, León” por jóvenes y adultos.&nbsp;La tarde tenía previsto comenzar con Ainda, Blair, Renzo Leali, Beats Modernos y Kapanga. Sin embargo, la banda liderada por el Mono sufrió un inconveniente con los horarios. “Venimos de tocar en los carnavales de Jujuy”, explicó el cantante, quien además agradeció a Gaucho Of The Pampa por cubrir su espacio. Cuando finalmente subieron al escenario Paraguay a las 17.20, cumplieron, como ya nos tienen acostumbrados, con un show potente y festivo. Durante “La Crudita”, el público armó un tren en medio del campo, donde convivían familias completas, con niños incluidos.El cupo internacional de la jornada estuvo representado por Morat, Marky Ramone y Devendra Banhart. El exbaterista de los Ramones, cuyo nombre real es Marc Steven Bell, aportó su clásico punk neoyorquino acompañado por los argentinos Marcelo Gallo en guitarra y Martín “Puma” Sauan en bajo.Como ya es tradición, el festival también ofreció distintas activaciones de marcas dentro del predio del Aeródromo de Santa María de Punilla. Entre ellas, se destacaron las hamacas voladoras de una bebida energizante que permitían recorrer el espacio con una vista panorámica del lugar.&nbsp;<blockquote>El festival contó con la presencia de más de 90.000 personas en ambas noches.</blockquote><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUyohbxktw2/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>Uno de los momentos más celebrados ocurrió cuando Gieco se sumó al show de Beats Modernos para repasar canciones de Charly García junto a Rosario Ortega, Zorrito von Quintiero, Fernando Samalea y Joaco Burgos. Antes del recorrido por clásicos, el santafesino interpretó dos temas propios: “Los salieris de Charly” y “Pensar en nada”. Luego llegaron “Fantasma de Canterville” y una ovación inevitable. “Qué privilegio tener a León acá”, expresó Rosario.Más tarde, el músico volvió a sorprender al aparecer en el escenario sorpresa junto a la murga uruguaya Agarrate Catalina, con quienes interpretó su emblemático “Solo le pido a Dios”.Mientras sonaban Gieco y Beats Modernos se comenzaron a sentir las primeras ráfagas de viento que anticipaban un cambio de clima y una tarde-noche templada que iba a acompañar toda la jornada del domingo. En el campo se escuchó a un espectador explicar que por el color de las nueves había un choque entre una corriente cálida y una fría lo que anticipa una fuerte tormenta, incluso con granizos en alguno de los alrededores. No parecía ser un especialista ya que traía colgada una cámara, pero el pronóstico no estuvo tan errado: cerca de la medianoche comenzaron a caer las primeras gotas de una tormenta que, afortunadamente, esperó al final del festival para desatarse con intensidad.Minutos antes de las 17, y ya con el viento ganando protagonismo, Juanse subió al escenario Sur para rendir homenaje a Pappo. A pesar de algunos inconvenientes técnicos, el show arrancó con fuerza gracias a “Hombre suburbano” y “Sucio y desprolijo”, durante la tarde también dio lugar a algunos de los éxitos de Ratones Paranoicos como "Rock del gato", "Cowboy" y "La nave".Uno de los platos fuertes del día fue la presentación de Fito Páez en horario vespertino. El rosarino ingresó en medio de aplausos, saludó y anticipó una breve prueba técnica antes de arrancar con una emotiva versión de “11 y 6”. El recorrido incluyó “Tu vida mi vida”, “Tumbas de la gloria”, “El amor después del amor”, “Circo Beat” y “Brillante sobre el mic”. Durante el show, Páez volvió a destacar el fervor local: “Todos los que vienen de afuera se dan cuenta lo que es el público argentino. Yo los disfruto hace 50 años”, afirmó.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUzW_rbAvaz/?hl=es-la"></oembed></figure>Ya entrada la noche, el hip hop tuvo su espacio con Trueno, uno de los artistas más contestatarios de la jornada. Durante “Fuck el police” dejó un mensaje contra la violencia institucional, aunque uno de los momentos más emotivos llegó cuando invitó nuevamente a Gieco para interpretar “Tierra Zanta”, tema que el trovador supo grabar junto a Víctor Heredia.El cierre del segundo día quedó en manos de Caras Extrañas, que debutó en el escenario Norte mientras comenzaba la lluvia. Junior Lescano y su banda pusieron el broche rollinga a una jornada que también contó con la performance casi simultánea de Louta en el escenario Sur.De esta manera, Quilmes, la cerveza de los argentinos, fue protagonista de la 25° edición del Cosquín Rock con un espacio icónico donde más de 100.000 fanáticos celebraron el espíritu de “ser argentino”. Con cerveza bien fría, actividades para compartir y el auspicio del Escenario Sur, el más rockero del festival, la marca acompañó shows inolvidables de Las Pelotas, Ciro y Los Persas, Divididos, Guasones y Pappo x Juanse, entre otros, haciendo vibrar Córdoba.

El festival contó con la presencia de más de 90.000 personas en ambas noches. La última con un clima tan cambiante como la música, que fue desde rock hasta hip hop y electrónica.

El festival contó con la presencia de más de 90.000 personas en ambas noches. La última con un clima tan cambiante como la música, que fue desde rock hasta hip hop y electrónica.

Cosquín Rock 2026: la noche en que León Gieco unió generaciones y fue ovacionado 

Yas Gagliardi lanza "La Culpa", un nuevo single donde la artista pone en primer plano uno de los vínculos más complejos y poco explorados en la música: el dolor de la ruptura de una amistad. De esta manera, la artista reafirma su capacidad para transformar experiencias personales en relatos universales que conectan con su público.El estreno será el 20 de febrero a las 21 horas, con un clip audiovisual, que marcará un nuevo capítulo dentro del universo narrativo que la cantante viene construyendo desde la sensibilidad y la honestidad emocional.Si bien la canción nace desde una experiencia personal, rápidamente se abre hacia un relato colectivo, con una mirada introspectiva con la que Yas se detiene en los matices que aparecen cuando una amistad cambia, se distancia o queda suspendida en una zona donde conviven la nostalgia y la posibilidad de un reencuentro.“La culpa es una canción que habla de una amistad que se rompe. La hice porque a lo largo de mi vida hubo muchas amistades que se modificaron o que se rompieron, y siento que hay muy pocas canciones que hablan sobre eso. A veces puede ser incluso más doloroso que una ruptura amorosa, porque a las amigas uno se imagina tenerlas para toda la vida. En la canción, esa amistad no termina de romperse del todo: queda la puerta abierta a que pueda volver”, contó la artista.La canción invita a transitar emociones incómodas, esas que suelen quedar fuera de las narrativas tradicionales sobre el amor y los vínculos, y las transforma en un espacio de reflexión y catarsis.El single también llega en un momento de expansión para la cantante, que en el último tiempo consolidó su presencia dentro de la escena y comenzó a proyectarse internacionalmente, participando en espacios de visibilidad global que acompañan el crecimiento de su carrera.Con una identidad artística atravesada por la vulnerabilidad y una narrativa que busca ponerle palabras a lo que muchas veces cuesta nombrar, Yas Gagliardi reafirma en “La Culpa” su lugar dentro de una nueva generación de artistas que entienden la música como un territorio para explorar emociones reales, complejas y profundamente humanas.

El estreno será el 20 de febrero a las 21 horas, con un clip audiovisual, que marcará un nuevo capítulo dentro del universo narrativo que la cantante viene construyendo.

El estreno será el 20 de febrero a las 21 horas, con un clip audiovisual, que marcará un nuevo capítulo dentro del universo narrativo que la cantante viene construyendo.

Yas Gagliardi lanza “La Culpa”, una canción que habla de la ruptura de una amistad

Día de encuentros. La 26° edición del <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/09/04/cosquin-rock-2026-ya-tiene-a-sus-artistas-confirmados">Cosquín Rock</a> estuvo marcada por el cruce de artistas en el escenario: desde Andrés "Ciro" Martínez y Ricardo Mollo que se reencontraron después de años, hasta El Zar con Bandalos Chinos. En el escenario sorpresa pasaron desde Wayra Iglesias hasta Abel Pintos, que cantaron covers de Pappo y Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.La tarde arrancó de la mano de Ryan, Chechi de Marco, La Mississippi, Fantasmagoria, 1915 y Eurca Sativa, esta última tuvo de invitado a Abel Pintos para "Amor Ausente", que tocó junto a Ale Kurtz también en el escenario sorpresa Jijiji de Los Redondos.La juventud fue a escuchar rock, pero también trap y pop. El plato fuerte de la noche fue Lali, que salió con un vestido repleto de menciones de haters de redes sociales. Histriónica y fiel a su estilo, repasó su repertorio y sorprendió con una versión potente de "Viejos vinagres", clásico de SUMO.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUyVwF_lc_Y/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>La Bersuit por la tarde se subió al escenario Montaña después de los chicos de Ryan, que al inicio del show advirtieron picarescos: "Me imagino que están para la Bersuit, pero primero van a tener que escuchar un poco de Ryan". La banda había tocado por última vez en 2005, en la edición conocida como "Siempre Rock" y a más de 20 años de ese momento volvieron con un show potente como acostumbran, con clásicos que ya se volvieron parte del repertorio obligatorio de la música popular.En el escenario sur, a las 19.40 en un horario donde el atardecer caía salieron Los Persas de la mano de Ciro. Arrancaron con Caminando y Barón Rojo, y el tercer lugar del set list ya adelantaba lo que iba a ser la tarde noche del sábado: sonó la primera canción de Los Piojos: Desde lejos no se ve. El show fue bien piojoso, a tal punto que subió Mollo a tocar Morella, clásico piojoso que supo tocar allá por los 2000 con la banda original. El inicio distintivo en la guitarra del exSUMO cambió el clima en el campo: incluso se escuchó algún reclamo de por qué no se dio mientras estuvieron juntos Los Piojos, pero se disfrutó.&nbsp;Al término de Ciro y Los Persas, fue el momento de La Vela Puerca, que viene de tocar dos días en el Konex en Buenos Aires. Al igual que en su show de Ferro, tuvieron de invitado a German Daffunchio, líder de Las Pelotas, en Para no verme más. Sin embargo, este no iba a ser el único encuentro, ya que el "Enano" y el "Cebolla" también se subieron al escenario de los exSUMO e interpretaron el clásico Capitán América, en lo que fue una noche épica.&nbsp;El cupo internacional estuvo a cargo de Franz Ferdinand y The Chemical Brothers. La banda escocesa nombrada de esa manera por el archiduque austrohúngaro cuya muerte inició la Primera Guerra Mundial, se mostró contenta de estar en Córdoba: “Esta es nuestra primera vez en Cosquín, es un privilegio”, afirmó en español. El dúo británico de música electrónica en formato DJ set tuvo una puesta en escena perfecta para bailar y saltar.El cierre estuvo a cargo de Viejas Locas por Fachi y Abel, que nunca decepciona, con los álbumes icónicos de la exbanda del Pity Álvarez. Antes estuvieron Los Jóvenes Pordioseros, que arrancaron con mucha potencia y tocaron Nunca me enseñaste junto a Wayra.

La tarde arrancó de la mano de Ryan, Chechi de Marco, La Mississippi, Fantasmagoria, 1915 y Eurca Sativa, que tuvo como invitado a Abel Pintos. Reviví la noche del sábado.

La tarde arrancó de la mano de Ryan, Chechi de Marco, La Mississippi, Fantasmagoria, 1915 y Eurca Sativa, que tuvo como invitado a Abel Pintos. Reviví la noche del sábado.

Cosquín Rock 2026: el reencuentro entre Ciro y Mollo, la vuelta de Bersuit y Lali al ritmo de "Los viejos vinagres"

El regreso de Sin Bandera a la Argentina tuvo sabor a reencuentro y a celebración profunda. Con la Arena de Villa Crespo colmada en la primera de sus dos funciones, el dúo volvió a abrazar a un público que lo acompañó durante 25 años y que respondió con una entrega total, de esas que erizan la piel apenas se apagan las luces.En el marco del inicio de su esperado “Escenas Tour”, Leonel García y Noel Schajris aparecieron en escena entre aplausos ensordecedores y miles de celulares en alto. Desde los primeros acordes quedó claro que no era un show más: era un viaje directo a la memoria emocional de toda una generación. “Entra en mi vida”, “Kilómetros”, “Sirena”, “Que lloro” y “Mientes tan bien” sonaron como himnos colectivos, coreados de principio a fin por un estadio que cantó cada palabra con el corazón en la mano.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/15/image6443_.png"></figure>Pero la noche no fue solo nostalgia. Las nuevas canciones también encontraron su lugar y su eco. “¿Qué culpa tiene ella?” y “Nunca”, parte de su reciente álbum ESCENAS, fueron entonadas con la misma pasión que los clásicos, confirmando que el vínculo no es solo recuerdo: es presente vivo. La expectativa por este regreso fue tal que, tras agotar las entradas del 14 de febrero, el dúo sumó una función el 13 que también se vendió por completo, consolidando un fenómeno que atraviesa generaciones.Entre canción y canción, Leonel y Noel se mostraron visiblemente emocionados. Agradecieron el cariño argentino, recordaron los comienzos —desde aquel primer disco homónimo en 2001— y celebraron este nuevo capítulo. La química vocal volvió a desplegar esa armonía inconfundible que los convirtió en referentes del pop latino, con una puesta íntima y cuidada al detalle, sonido impecable y una conexión directa que hizo sentir a cada espectador parte de algo único.Ganadores de dos Latin Grammy y con millones de oyentes mensuales en plataformas digitales, Sin Bandera demuestra que su legado no solo sigue intacto: se renueva en cada escenario. El tour continuará por Rosario, Mendoza y Córdoba, llevando esta celebración a todo el país. Porque una función no fue suficiente. Y cuando el amor es así de fuerte, la historia —simplemente— continúa, por lo que regresarán nuevamente el 27 de febrero de 2027.&nbsp;

En el inicio de su “Escenas Tour” y en plena celebración por sus 25 años de trayectoria, el dúo agotó dos funciones y protagonizó un reencuentro inolvidable con el público argentino.

En el inicio de su “Escenas Tour” y en plena celebración por sus 25 años de trayectoria, el dúo agotó dos funciones y protagonizó un reencuentro inolvidable con el público argentino.

Sin Bandera volvió a Buenos Aires y convirtió la Arena de Villa Crespo en un coro gigante de emociones

La cantante, compositora y productora española ROSALÍA lanzó el videoclip de “Sauvignon Blanc”, uno de los temas incluidos en su reciente álbum LUX. La pieza audiovisual fue dirigida por Noah Dillon, quien también estuvo a cargo de la fotografía de portada del disco.Con este estreno, la artista continúa expandiendo el universo conceptual de LUX, un trabajo que marcó un punto de inflexión en su carrera y que fue recibido con elogios unánimes por parte de la crítica internacional.<h4>Un video íntimo y minimalista</h4>En “Sauvignon Blanc”, ROSALÍA explora la renuncia a lo material en favor de una conexión emocional y espiritual más profunda. La canción propone que la verdadera riqueza no reside en los objetos, sino en la intimidad y el vínculo afectivo.El videoclip refuerza esa idea. Filmado en un desierto de estética cruda y despojada, muestra una historia de amor sutil junto a una pareja invisible. La narrativa visual apuesta por la sencillez y el silencio como contrapunto al carácter expansivo del álbum.Además del video, se lanzó un paquete especial para Spotify y Apple Music que incluye las versiones instrumental y a capela de “Sauvignon Blanc”, permitiendo a los oyentes profundizar en los matices de la producción vocal y sonora.<h4>Reconocimiento global y próximos shows</h4>El lanzamiento del videoclip coincide con un momento clave para la artista. Recientemente se anunció que será la protagonista de la portada de primavera 2026 de Vogue Estados Unidos, reafirmando su influencia en la cultura pop y la moda.En paralelo, ROSALÍA se prepara para actuar en los BRIT Awards el sábado 28 de febrero, una de las ceremonias más importantes de la industria musical británica.<h4>El impacto de LUX</h4>Desde su estreno, LUX fue celebrado por la crítica especializada. Rolling Stone lo definió como “su propuesta más sorprendente hasta la fecha”, mientras que Pitchfork lo describió como “una sincera oferta de pop clásico vanguardista que trasciende géneros, romanticismo y religión”. AP News, en tanto, aseguró que “si hay una única salvación vanguardista en el panorama de la música pop, está aquí”.El álbum representó el debut comercial más fuerte de la carrera de ROSALÍA. Alcanzó el número uno en la lista global de álbumes más vendidos de Spotify y logró el mayor debut en streaming de una artista femenina en español en la historia de la plataforma.Grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de Daníel Bjarnason, el disco cuenta con colaboraciones de figuras como Björk, Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz, Yahritza y Yves Tumor, entre otros.<h4>Gira mundial y expansión artística</h4>Tras el éxito del disco, la artista anunció el LUX TOUR 2026, que comenzará el 16 de marzo en Lyon, Francia, y recorrerá Europa, Norteamérica y Sudamérica.Más allá de la música, ROSALÍA continúa ampliando su presencia en otros ámbitos. En 2025 acaparó titulares en la Gala Met con un vestido de Balmain hecho a medida y protagonizó campañas para marcas internacionales. Además, debutará como actriz en la tercera temporada de Euphoria en 2026.Con “Sauvignon Blanc” y el impulso imparable de LUX, ROSALÍA reafirma su lugar como una de las artistas más innovadoras y globales de la escena actual.

La artista española estrenó el video dirigido por Noah Dillon, presentó nuevas versiones del single y confirmó su actuación en los BRIT Awards. Su álbum LUX ya es el debut comercial más fuerte de su carrera.

La artista española estrenó el video dirigido por Noah Dillon, presentó nuevas versiones del single y confirmó su actuación en los BRIT Awards. Su álbum LUX ya es el debut comercial más fuerte de su carrera.

ROSALÍA lanza el videoclip de “Sauvignon Blanc” y consolida el fenómeno global de LUX

ROSALÍA lanza el videoclip de “Sauvignon Blanc”

La cantante argentina Emilia se une al productor y funkstar brasileño Pedro Sampaio para lanzar el remix de “JETSKI”, junto a MC Meno K y Melody. La nueva versión ya está disponible en todas las plataformas digitales e incluye versos inéditos y fragmentos en español.El lanzamiento fue planificado estratégicamente en la semana del Carnaval de Brasil, una de las celebraciones más importantes del país, lo que potencia su impacto y refuerza el vínculo directo de la canción con el clima festivo.<h4>Un hit que dominó el verano</h4>La versión original de “JETSKI” se consolidó como uno de los mayores éxitos del verano brasileño. Alcanzó el puesto #1 en Spotify Brasil y lideró también los rankings de Apple Music, Deezer y YouTube en el país.En apenas dos meses desde su estreno, el track acumuló más de 135 millones de reproducciones entre audio y video. Este desempeño reafirma a Pedro Sampaio como uno de los principales creadores de hits de la música brasileña actual.El remix amplía ese fenómeno hacia nuevos mercados, sumando la impronta latina de Emilia y reforzando la proyección internacional del sencillo.<h4>Una colaboración celebrada por ambos artistas</h4>Pedro Sampaio destacó la dimensión que alcanzó la canción y el significado de esta nueva versión: “JETSKI alcanzó una dimensión muy especial y este remix es una forma de celebrar todo lo que conquistó hasta ahora. Ya conocía y admiraba el trabajo de Emilia, compartimos una manera muy similar de crear musicalmente y de pensar la narrativa visual. Es una colaboración que me hace muy feliz y que representa también este paso de llevar la canción aún más lejos”.Por su parte, Emilia celebró el cruce cultural y musical: “Estoy muy feliz de que Pedro me haya invitado a participar en el remix de JETSKI, un éxito en Brasil. Adoro la cultura brasileña y siempre es un placer compartir música con artistas tan queridos. No puedo esperar para presentarla en vivo junto a Pedro, MC MenoK y Melody”.La artista argentina ya había estrechado su vínculo con el público brasileño gracias a colaboraciones anteriores con Luísa Sonza y Ludmilla, consolidando su presencia en ese mercado.<h4>Expansión internacional y maratón de shows</h4>Además de reforzar el éxito de “JETSKI”, el remix se enmarca en la estrategia global de Pedro Sampaio. El productor viene construyendo su expansión internacional con colaboraciones como “PERVERSA” junto a J Balvin y con una agenda sólida en Europa.Entre sus próximas presentaciones figura su participación en Rock in Rio Lisboa, uno de los eventos más importantes del calendario musical europeo.El lanzamiento también coincide con una nueva edición de CarnaSampaio, considerado el mayor Carnaval encabezado por un artista pop masculino en Brasil, con una maratón de 14 shows en ocho días.Impulsado por el rendimiento en plataformas y el impacto en pistas y fiestas, “JETSKI – Remix” se perfila como la canción del verano 2026 y consolida el puente musical entre Argentina y Brasil, con Emilia y Pedro Sampaio como protagonistas de este cruce regional.

La artista argentina participa junto a MC Meno K y Melody en una nueva versión del éxito que lideró Spotify Brasil. El lanzamiento, estratégico en plena semana de Carnaval, refuerza la expansión internacional del productor brasileño.

La artista argentina participa junto a MC Meno K y Melody en una nueva versión del éxito que lideró Spotify Brasil. El lanzamiento, estratégico en plena semana de Carnaval, refuerza la expansión internacional del productor brasileño.

Emilia se suma a Pedro Sampaio en el remix de “JETSKI”, el hit del verano brasileño

Emilia se suma a Pedro Sampaio en el remix de “JETSKI”

La cantante argentina Marcela Morelo vuelve a poner en el centro de la escena uno de los temas más recordados de su repertorio. Esta vez lo hace junto al dúo revelación ROZE, en una colaboración que une dos generaciones de la música nacional: una nueva versión de “Luna Bonita”.El relanzamiento propone un cruce entre nostalgia y frescura actual. La canción, que marcó a comienzos de los 2000 a miles de oyentes, regresa con una producción renovada que respeta su esencia romántica y suma un pulso más moderno y bailable.<h4>Un clásico que se resignifica</h4>“Luna Bonita” fue, desde su lanzamiento original, uno de los temas más representativos de la etapa dorada de Morelo. Con una letra sensible que dialoga con la luna y explora la pasión y los sentimientos más profundos del corazón, la canción se convirtió en un himno para toda una generación.En esta nueva versión, el dúo ROZE aporta su impronta contemporánea sin perder la carga emocional que caracteriza a la obra. El resultado es una pieza que logra conectar públicos de distintas edades, revalorizando la identidad original y llevándola a un terreno sonoro actual.ROZE llega a esta colaboración tras dominar el 2025 con más de 36 semanas consecutivas en el puesto número uno del Top 50 de Spotify Argentina. Además, alcanzó el Top Global de la plataforma con su reversión de “Tu jardín con enanitos”, consolidándose como una de las propuestas más fuertes del nuevo pop argentino.<h4>Un videoclip con estética noventosa</h4>El lanzamiento está acompañado por un videoclip que rinde homenaje a la cultura pop de los años 90. Ambientado en un estudio de televisión vintage, el clip evoca la estética y el universo de aquella era dorada, reforzando el puente entre pasado y presente que propone la colaboración.La puesta en escena apuesta por colores intensos, escenografías retro y una narrativa visual que dialoga con el espíritu original de la canción, pero desde una mirada contemporánea.<h4>Un cruce generacional con historia</h4>Desde ROZE celebraron la posibilidad de trabajar junto a Morelo: “Para nosotros es un orgullo haber colaborado con Marcela porque es una artista enorme, con muchísima trayectoria. Nosotros crecimos escuchándola, nuestras familias también, así que reversionar un tema que es un himno para nosotros es un honor gigante”, expresaron los integrantes del dúo.Con esta nueva “Luna Bonita”, Marcela Morelo reafirma la vigencia de su repertorio y demuestra que las grandes canciones pueden reinventarse sin perder su esencia. La unión con ROZE no solo actualiza un clásico, sino que lo proyecta hacia una nueva audiencia, iluminando el cruce perfecto entre tradición y actualidad en la música argentina.

La cantante argentina presenta una nueva versión de su icónica canción en colaboración con el dúo revelación ROZE. El lanzamiento combina nostalgia, actualidad y un videoclip con guiños a la cultura pop de los 90.

La cantante argentina presenta una nueva versión de su icónica canción en colaboración con el dúo revelación ROZE. El lanzamiento combina nostalgia, actualidad y un videoclip con guiños a la cultura pop de los 90.

Marcela Morelo relanza “Luna Bonita” junto a ROZE y revive un clásico para nuevas generaciones

Marcela Morelo relanza “Luna Bonita” junto a ROZE

El músico uruguayo Jorge Drexler volvió a sorprender con el lanzamiento de “Toco madera”, el primer adelanto de su próximo álbum titulado Taracá, que marcará el decimoquinto disco de estudio de su trayectoria.Disponible desde hoy en todas las plataformas digitales, la canción funciona como la primera ventana al universo conceptual del nuevo trabajo, grabado en su mayoría en Montevideo. Fiel a su estilo, Drexler propone un juego de sentidos que combina tradición, identidad y experimentación sonora.<h4>Un homenaje al candombe y al lenguaje</h4>“Toco madera” es una pieza enérgica y profundamente rítmica que coloca al tambor en el centro de la escena. La canción destaca la clave más reconocida del candombe, el ritmo afro-uruguayo por excelencia, y convierte ese pulso en el corazón de la composición.El título juega con las dos acepciones de la expresión. Por un lado, el gesto universal de “tocar madera” para no tentar al destino. Por el otro, en el candombe uruguayo, la acción concreta de golpear la madera del tambor con el palo para marcar la clave rítmica.Entre esos dos significados pendula la canción. El resultado es una obra firme, colectiva y potente, que reafirma la capacidad de Drexler para explorar el lenguaje desde la poesía y la música.El tema fue escrito por Jorge Drexler y Carlos Casacuberta, sobre una idea original de Tadu Vázquez. La producción estuvo a cargo de Lucas Piedra Cueva, Mauro, Facundo Balta y el propio Tadu Vázquez, consolidando un equipo creativo que apuesta por una sonoridad orgánica y contemporánea.<h4>Un videoclip conceptual y minimalista</h4>El lanzamiento está acompañado por un videoclip conceptual y minimalista dirigido por Mario Arenas. La pieza audiovisual funciona como un ensayo sobre la importancia de la clave rítmica en el candombe y como un homenaje a uno de los ejes fundamentales de este género.La estética sobria refuerza la intención de centrar la atención en el ritmo y en el diálogo entre percusión y palabra, elementos que atraviesan la propuesta artística de Drexler en esta nueva etapa.<h4>“Taracá”, un regreso al origen</h4>Según adelantó el propio artista, el candombe será un eje recurrente en Taracá. El álbum promete una amalgama de canciones bellas y significativas que recuperan el pulso afro-uruguayo como punto de partida, al tiempo que expanden su marco creativo.Con este adelanto, Drexler inicia una etapa que lo encuentra más cerca de su origen, pero con la ambición de tender puentes y abrir nuevos caminos expresivos. En las próximas semanas se revelarán más detalles sobre el concepto que sostiene el disco y el universo que lo rodea.La expectativa es alta. Cada lanzamiento del uruguayo implica una exploración sonora y conceptual que dialoga con la tradición y la contemporaneidad. “Toco madera” confirma que, una vez más, Jorge Drexler apuesta por la innovación sin perder la raíz.

El artista uruguayo presentó una canción enérgica y percusiva que pone al candombe en el centro de la escena. El tema anticipa “Taracá”, su decimoquinto álbum de estudio, grabado en su mayoría en Montevideo.

El artista uruguayo presentó una canción enérgica y percusiva que pone al candombe en el centro de la escena. El tema anticipa “Taracá”, su decimoquinto álbum de estudio, grabado en su mayoría en Montevideo.

Jorge Drexler lanza “Toco madera”, primer adelanto de su nuevo disco “Taracá”

Tras consagrarse en los GRAMMY® a Mejor Álbum de Rock Latino o Alternativo, el dúo argentino CA7RIEL &amp; Paco Amoroso vuelve a escena con el anuncio de su nuevo trabajo discográfico, FREE SPIRITS, que verá la luz el próximo 19 de marzo.El anuncio llegó acompañado de un manifiesto en redes sociales que sorprendió a sus seguidores. Allí, el músico británico Sting, presentado como su nuevo mentor espiritual y de bienestar, reveló la existencia de un enigmático centro holístico llamado FREE SPIRITS, un espacio que, según relató, mantuvo en secreto durante 35 años.<h4>Un quiebre tras la cima</h4>De acuerdo al mensaje difundido, CA7RIEL &amp; Paco Amoroso buscaron refugio en ese centro luego de un abrupto y caótico cierre de 2025. El año había comenzado con una histórica consagración en los Latin GRAMMYs®, donde arrasaron con cinco premios principales. Sin embargo, el lanzamiento del provocador video de “GIMME MORE” marcó un punto de inflexión.El impacto fue inmediato. El dúo atravesó un colapso creativo que los llevó a cancelar de forma inesperada su ambicioso álbum TOP OF THE HILLS, un proyecto concebido como celebración de su ascenso meteórico a la fama.Según explicó Sting, fue a través de un programa de sanación trascendental de 12 pasos que lograron reconectar con su impulso artístico. Ese proceso dio forma a FREE SPIRITS, un disco que abordará los 12 conflictos que los llevaron a su punto de quiebre.<h4>“HASTA JESÚS TUVO UN MAL DÍA”, el primer adelanto</h4>Como parte de esta nueva etapa, el dúo lanzó el single “HASTA JESÚS TUVO UN MAL DÍA”, en colaboración con Sting, quien también participa como guía conceptual del proyecto.La canción fue presentada oficialmente durante la alfombra roja de los GRAMMY® Awards, donde sus nuevos looks se volvieron virales en redes sociales. El track funciona como carta de presentación de esta era más introspectiva y espiritual, sin abandonar la impronta provocadora que caracteriza a la dupla.Además, Sting anunció que desarrolló una experiencia sonora llamada “Conscious Listening Paradigm”, diseñada específicamente para este álbum. Los detalles de esta propuesta se darán a conocer en las próximas semanas.<h4>Gira mundial y nueva filosofía</h4>Con FREE SPIRITS, CA7RIEL &amp; Paco Amoroso aseguran haber dejado atrás la presión constante de la fama y la inercia creativa que los atravesó durante la etapa de TOP OF THE HILLS. Según el manifiesto, el proceso terapéutico les permitió soltar el ego y reencontrarse con una perspectiva más consciente.El lanzamiento del disco estará acompañado por el FREE SPIRITS World Tour, del que próximamente se anunciarán fechas y ciudades.Mientras tanto, el dúo invitó a sus seguidores a conocer más sobre el proyecto y postularse para convertirse en un “FREE SPIRIT” a través del sitio oficial del centro. Allí advierten que el proceso de selección será “riguroso, exigente y profundamente desafiante a nivel personal”.

El dúo argentino reveló que su nuevo álbum saldrá el 19 de marzo y estará atravesado por un proceso de “sanación” guiado por Sting. Además, lanzaron “HASTA JESÚS TUVO UN MAL DÍA” y anticiparon una gira mundial.

El dúo argentino reveló que su nuevo álbum saldrá el 19 de marzo y estará atravesado por un proceso de “sanación” guiado por Sting. Además, lanzaron “HASTA JESÚS TUVO UN MAL DÍA” y anticiparon una gira mundial.

CA7RIEL & Paco Amoroso anuncian “FREE SPIRITS” tras ganar el GRAMMY y presentan un single con Sting

CA7RIEL & Paco Amoroso anuncian “FREE SPIRITS” 

El sold out no fue una sorpresa: fue una confirmación. Yandel volvió a Argentina y convirtió el Movistar Arena en el escenario de una postal histórica. Con “Yandel Sinfónico”, la Leyenda puertorriqueña llevó sus hits a una dimensión completamente nueva, fusionando la potencia del reggaetón con la majestuosidad de una orquesta en vivo. El resultado fue una noche cargada de emoción, nostalgia y celebración generacional.Desde su llegada al país, la expectativa se sentía en el aire. Cada visita consolida su vínculo con el público argentino, pero esta vez había algo distinto: la promesa de escuchar clásicos que marcaron una era en un formato inédito. El show, que tuvo su estreno mundial en Miami y recorre las principales ciudades de la región, aterrizó en Buenos Aires con entradas agotadas y una producción de altísimo nivel.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUqjSHtjQJY/?hl=es-la&amp;img_index=1"></oembed></figure>El viaje musical comenzó con la fuerza de “Puño de tinto”, y desde ese primer golpe de sonido quedó claro que la noche no iba a tener pausas. “Permítame” y “Como antes” encendieron el estadio mientras las cuerdas y los vientos elevaban cada beat a una escala cinematográfica. La energía urbana convivió con arreglos sinfónicos que amplificaron la emoción y transformaban cada canción en un momento épico.La atmósfera mutó hacia la nostalgia y el baile con “Nunca me olvides”, “Abusadora” y “Te siento”, preparando el terreno para una seguidilla demoledora: “Noche de sexo”, “Teléfono”, “Mírala bien”, “Rakata” y “Ahora es”. Himnos absolutos que definieron los 2000 y que, en esta nueva versión, sonaron más grandes que nunca. El Arena vibró como una sola voz, entre saltos, algun que otros paso prhibido y gritos desaforados que coreaban letra tras letra.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/12/94443_.jpg"></figure>Uno de los momentos más emotivos llegó con el bloque más tanguero previo a "Ay mi dios” y "Encantadora" , acompañado por una pareja de baile que sumó dramatismo a la puesta. Pero el pico sentimental se dio cuando su hijo Sour Beat subió al escenario para cantar juntos “Everyday”: un instante de conexión absoluta que desató ovación cerrada y dejó en claro que el legado también se construye en familia.Yandel atraviesa un presente extraordinario. Con más de dos décadas en la cima, múltiples nominaciones —incluidas recientes menciones a los Latin GRAMMY y al GRAMMY por su proyecto Sinfónico (En Vivo)— y el lanzamiento de su nuevo álbum Infinito, el artista demuestra que el reggaetón no tiene techo. En Buenos Aires volvió a hacerlo: transformó sus hits en sinfonía, convirtió la nostalgia en celebración y reafirmó que su historia en la música latina es, definitivamente, eterna.

La Leyenda puertorriqueña llevó sus hits a una dimensión completamente nueva, fusionando la potencia del reggaetón con la majestuosidad de una orquesta en vivo

La Leyenda puertorriqueña llevó sus hits a una dimensión completamente nueva, fusionando la potencia del reggaetón con la majestuosidad de una orquesta en vivo

Yandel hizo historia en el Arena de Villa Crespo: del reggaetón a la épica sinfónica en una noche inolvidable

* Nota escrita por Giselle RepettoEl sábado por la noche, Niceto Club fue testigo de un momento importante para Willy Bronca. Con la sala llena de principio a fin, el rapero y músico bonaerense se presentó por primera vez con un show propio en uno de los escenarios más emblemáticos de la música porteña, en una fecha que llegó después de meses de crecimiento sostenido.La expectativa no era casual. En el último tiempo, Willy abrió las dos fechas de María Becerra en el Estadio River Plate, participó del show de Cindy Cats en Obras —con la presencia de Rosalía entre el público— y fue confirmado para el festival Argentina Vibra Floripa, que se realizó en Brasil.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/11/PSX_20260208_1910464107_.jpg"><figcaption>Willy Bronca hizo historia personal en Niceto con su primer show propio | Foto: Gentileza de prensa.</figcaption></figure>El recital abrió con “Me re sirve”, junto a Nashy-Nashai, y desde ese primer tema quedó claro el tono de la noche: intensidad, cercanía y una identidad bien definida. De ahí en adelante, una lista de más de 20 canciones fue acompañada con coros constantes, aplausos y una atención sostenida, como si el público supiera que no estaba frente a un recital más, sino ante un momento bisagra. A lo largo del set también aparecieron canciones inéditas, adelantos del material nuevo en el que se encuentra trabajando, que ampliaron el universo sonoro sin romper el pulso del show. Uno de los momentos que más sorprendió fue su doble rol en escena: rapear mientras toca la batería, es el gesto que termina de definir su presencia en vivo. A eso se sumó otro pico del recital, cuando invitó a un grupo de bailarines de freestyle a sumarse en el medio del público, llevando la energía del show al centro mismo de la sala.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/11/PSX_20260208_1918006954_.jpg"><figcaption>Willy Bronca hizo historia personal en Niceto con su primer show propio | Foto: Gentileza de prensa.</figcaption></figure>El paso por Niceto no se sintió como una meta alcanzada, sino como una confirmación. La de un artista que, en poco tiempo, pasó de compartir escenario con referentes como Divididos, Bersuit y Manu Chao a sostener su propio show ante un público que lo acompaña y crece con él.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2026/02/11/PSX_20260208_1926242390_.jpg"><figcaption>Willy Bronca hizo historia personal en Niceto con su primer show propio | Foto: Gentileza de prensa.</figcaption></figure>Mientras trabaja en su tercer disco —producido por Catriel Ciavarella y Juano Sarda—, la noche del sábado dejó una sensación clara: Willy Bronca está construyendo un camino propio, con identidad, riesgo y una entrega que en vivo se vuelve imposible de ignorar.

Willy Bronca hizo historia personal en Niceto con su primer show propio | Foto: Gentileza de prensa.

Con la sala colmada, el artista de José C. Paz tocó por primera vez en el mítico club porteño. Letras filosas, cruce de géneros y una conexión inmediata con el público marcaron una noche clave en su recorrido.

Con la sala colmada, el artista de José C. Paz tocó por primera vez en el mítico club porteño. Letras filosas, cruce de géneros y una conexión inmediata con el público marcaron una noche clave en su recorrido.

Willy Bronca hizo historia personal en Niceto con su primer show propio

Luz Gaggi atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera y comienza a delinear el camino hacia su segundo álbum de estudio. Luego de un 2025 marcado por reconocimientos internacionales y una fuerte expansión de su audiencia, la artista lanzó oficialmente “Avión a Madrid” (Live from Vevo), una versión íntima que formará parte de su nuevo trabajo discográfico.La cantante viene de participar en LAMC (Latin Alternative Music Conference) en Nueva York, donde recibió un reconocimiento especial como una de las voces jóvenes más prometedoras del momento. Además, fue distinguida en los Premios Juventud como Artist to Watch y seleccionada por VEVO para su prestigioso programa global VEVO DSCVR, una plataforma que destaca a los artistas emergentes con mayor proyección internacional.<h4>El anticipo de su segundo álbum</h4>En ese marco, Luz presentó en VEVO dos interpretaciones especiales: “Avión a Madrid” y “Lola”, un tema inédito. Ambas canciones integrarán su segundo álbum de estudio, que marcará una nueva etapa en su evolución artística.“Avión a Madrid” (Live from Vevo) muestra a una Luz más introspectiva y emocional. La puesta en escena minimalista potencia la interpretación vocal y deja en primer plano la sensibilidad de la canción. La versión en vivo refleja el crecimiento artístico que la cantante viene construyendo en los últimos años, con una identidad cada vez más definida y madura.El lanzamiento funciona como una carta de presentación del universo sonoro que tendrá el nuevo disco. Si bien aún no se confirmó la fecha de estreno del álbum ni su título oficial, la artista ya comenzó a generar expectativa entre sus seguidores con estos primeros adelantos.<h4>Un fenómeno en redes y el pedido del público</h4>La versión acústica de “Avión a Madrid” tuvo un fuerte impacto en TikTok, donde acumuló millones de visualizaciones en pocos días. El video se volvió tendencia en Argentina, México y España, ampliando el alcance internacional de la cantante.Frente a la demanda del público, que pidió insistentemente que la interpretación estuviera disponible en plataformas digitales, la artista decidió lanzar oficialmente el audio. Desde hoy, “Avión a Madrid” (Live from Vevo) ya puede escucharse en Spotify, Apple Music y el resto de los servicios de streaming.Con este estreno, Luz Gaggi consolida su proyección global y reafirma el camino hacia su segundo álbum, un trabajo que promete profundizar su identidad artística y expandir su presencia en la escena latina e internacional.

Tras un 2025 de proyección internacional, la artista argentina presentó la versión en vivo de “Avión a Madrid”, uno de los adelantos de su próximo disco. La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Tras un 2025 de proyección internacional, la artista argentina presentó la versión en vivo de “Avión a Madrid”, uno de los adelantos de su próximo disco. La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales.

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