<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/09/22/las-pastillas-del-abuelo-celebraron-otro-20-en-el-arena-con-cover-de-the-beatles-y-los-2-mininutos-de-invitados">Las Pastillas del Abuelo</a> volvieron en la noche del sábado al Arena de Villa Crespo y emocionaron al público de la mano de una lista que repasó éxitos de sus inicios hasta los últimos álbumes. Contaron la presencia de Franco Mastantuono entre bambalinas, a quien Piti Fernández destacó como "el próximo 10" de la <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/09/05/la-noche-de-messi-con-doblete-y-emociones-mi-sueno-era-tener-carino-en-mi-pais">selección argentina</a>. Y el cierre explosivo fue de la mano de Mikel de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/08/29/la-alegria-como-forma-de-resistencia-kapanga-cumple-30-anos-y-los-festeja-en-el-templo-del-rock">Kapanga</a>, que acompañó a Fer y a Bochi en los acordes Tantas Escaleras.A las 21.20 se apagaron las luces y salieron todos emocionados por la ovación de su público que de cada show hace una fiesta. Arrancaron con Hasta acá nos ayudó dios! de Crisis (2008), Enano de Las Pastillas del Abuelo (2006) y Ama a quien llora por ti, que se grabó en el último EP ¿Quien Sabe? (2023). Sin embargo, Piti Fernández antes de cantarla aclaró que se trata de una canción que compuso hace al menos 20 años y formaba parte del demo acústico del corazón, donde aún hay grandes éxitos sin editar.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/07/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2025-09-07T181123.2307321_.jpg"><figcaption>Las Pastillas del Abuelo festejaron una noche increíble en el Arena junto a su público y la 20, que explotó | Foto: Sergio Acosta.</figcaption></figure>Minutos después, promediando la noche, recordaron a Diego Maradona -con Gianina entre el público- y el sentimiento argentino de todos los pastilleros que estaban en Arena: tocaron ¿Qué es dios?, todo el estadio cantó al unísono de "el que no salta es un inglés". Luego, Piti sacó una camiseta de Franco Mastantuono, a quien destacó como el heredero de la camiseta de Maradona y Lionel Messi, y el público explotó en ovaciones.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/07/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2025-09-07T181307.5041682_.jpg"><figcaption>Franco Mastantuono saludó a Las Pastillas del Abuelo en su show en el Arena de Villa Crespo | Foto: Sergio Acosta.</figcaption></figure>Entre los tapaditos de la noche se destacó Maldito y cortamambo (2008), con una base de teclado de la mano del gran Alejandro Mondelo. El bloque acústico que cerró con Viejo, canción que habían dejado descansar en los últimos shows porteños, pero con el agregado de que subió al escenario el padre de Piti Fernández, a quien el cantante le dedicó el tema ya hace 20 años.&nbsp;"Lo juro por mi pellejo, para mi dios es mi dios es mi viejo" es una de las frases preferidas por los pastilleros, por su emotividad y la forma de describir la vida de un padre que tiene aquel clásico.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/07/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2025-09-07T181243.5865191_.jpg"><figcaption>Juan Germán Fernández y su padre mientras sonaba Viejo, canción que le dedicó hace 20 años | Foto: Sergio Acosta.</figcaption></figure>"Familia unida" es una de las frases que Piti Fernández utiliza antes de cantar Otra vuelta de tuerca y en la noche del sábado la familia de toda la banda estaba presente. No solo el padre de Piti subió al escenario, también estuvo Nehuen Bozzalla, hijo de Bochi, que se adueñó de la batería de Juan Comas y la descosió en Inercia.Repasaron también La casada (2005), Loco por volverla a ver (2023), ¿Qué hago yo esperando un puto as? (2008), Ojos de dragón! y Viejo karma! (2011).&nbsp;En el encore sonó ¿Me juego el corazón? (2008) y luego presentaron a Mikel de Kapanga que acompañó en guitarras durante Tantas escaleras (2006) y a quien describieron como "el más copado del rock".&nbsp;Con el saludo final y el clásico "gracias pastilleros", demostraron una vez más que lo de Las Pastillas en el Arena es un encuentro entre generaciones y con familia arriba y abajo del escenario.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/07/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2025-09-07T180940.4647901_.jpg"><figcaption>Mikel de Kapanga y Diego Bochi Bozzalla compartiendo acordes de Tantas Escaleras | Foto: Sergio Acosta.</figcaption></figure>Este domingo, Las Pastillas vuelven a tocar en el Arena de Villa Crespo con localidades agotadas y prometen una nueva fiesta.

Con la Familia unida, Las Pastillas del Abuelo llevaron su fiesta al Arena de Villa Crespo | Foto: Sergio Acosta.

Las Pastillas vuelven a tocar este domingo en el Arena de Villa Crespo con localidades agotadas y prometen una nueva fiesta.

Las Pastillas vuelven a tocar este domingo en el Arena de Villa Crespo con localidades agotadas y prometen una nueva fiesta.

Las Pastillas del Abuelo regresaron al Arena de Villa Crespo con invitados de lujo: Franco Mastantuono y Mikel de Kapanga

<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/04/22/rock-en-baradero-kapanga-fue-reconocido-por-asistencia-perfecta-horcas-llevo-el-metal-y-damas-gratis-cerro-a-pura-cumbia">Kapanga</a> cumple 30 años y vuelve al <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://estadioobras.com.ar/2025/08/04/2475/">Templo del Rock para festejar un nuevo aniversario</a>. El Mono Fabio, Mikel De Luna Campos y Claudio Mafia arrancaron allá por 1989 como Kapanga y los Yacarés, aunque la banda se consolidó en 1995 y a partir de allí comienzan a contar su aniversario. Sus primeros pasos fueron en el Partido de la Costa, donde las familias que iban por aquellos años a San Bernardo los recuerdan como el grupo que tenía un perro gran danés arriba del escenario. De los balnearios pasaron a Obras Sanitarias, grabaron 12 álbumes de estudio y giraron por más de 16 países siempre con "la alegría como forma de resistencia".&nbsp;En un stage de prensa montado en Club Lucille, donde los recibieron amigos de la industria, con un banner que anunciaba el show en Obras Sanitarias detrás de Mikel, el Mono y Mafia mientras hacían notas con diferentes medios. En el medio, pararon a comer unas empanadas de la casa, previo a que comience la entrevista con Filo.news, donde Martín reconoció primero que tenía hambre y después entre risas que no comía empanadas de carne hacía mucho tiempo. Mafia no le creyó y le dijo al instante: "Dejá de mentir", miró a esta periodista y lanzó: "Tiene hambre no más". En ese momento, el Mono se puso algo más serio y replicó: "Posta, de carne no como hace un montón".En estos 30 años ocurrió de todo, desde cosas buenas hasta malas: en el último tiempo Kapanga tuvo que hacer un parate por los problemas de salud del Mono, a quien le agarró un infarto tras un show en el festival Vivimos Música. Hoy se está recuperando, al igual que Mikel que viene de sufrir también una enfermedad delicada. Al indagar cómo continúan, Mikel tomó la posta y reconoció que cuando se enfermó Mafia le dijo que "la música es la cura", así como también se encargó de decírselo al Mono. "Nosotros tenemos ese bálsamo protector que nos hace cargar energía día a día, así como continuar con esta profesión que tanto amamos", destacó.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DN89N3CgiAz/?hl=es-la"></oembed></figure>Mafia y el Mono reconocen que cuando se vieron por primera vez en Lanús, no creyeron que iban a hacer cuatro estadios de Obras. Tocar en el Templo del Rock siempre fue sinónimo de éxito musical, es que durante años fue el escenario de los artistas internacionales de rock que pisaban suelo argentino y de las bandas locales encumbradas.&nbsp;"Cuando fui a buscar al Mono a Lanús no pensé que íbamos a hacer cuatro estadio Obras", reconoce Mafia sobre su llegada a la banda que le dio tantas alegrías, mientras que el Mono le respondió: "Cuando lo vi entrar a Mafia tampoco pensé que iba a ser parte de mi familia, que íbamos a compartir los últimos 30 años y que nos íbamos a conocer tanto", con el cariño que se le tiene a un amigo de toda la vida.&nbsp;<h4>Kapanga: la banda del perro y la llegada de "A 15 cm de la realidad"</h4>Los veranos por la Costa definitivamente los marcaron, pero ellos también se encargaron de marcar a su público. Sasha, el perro gran danés de Mafia durante esos años fue parte de los shows de Kapanga. "Nos conocían como la banda del perro”, recuerda el Mono entre risas, Sasha era casi una integrante más: “Tenía su show aparte. Se acostaba al lado de la batería y se quedaba ahí todo el recital. A veces me la ponía en los hombros y bailábamos juntos”, cuenta.&nbsp;Esa postal se convirtió en marca registrada, al punto de que su primer álbum "A 15 cm de la realidad" tiene la cara de Sasha plasmada en el medio de la tapa: "Éramos la banda del perro y cuando salió el primer disco la idea era que en el medio esté la cara de Sasha, trascendió. Nosotros pensamos que la gente nos iba a reconocer más. Ah claro, son los Kapanga", explica el Mono, mientras que Mafia, que lo escuchaba atentamente, agrega: "Eso nos sirvió dos años nomás". Llegó "El mono relojero" y todo cambió.La canción empezó a sonar en todas las radios del verano del ’98, pero nadie sabía quién estaba detrás: “Un detalle no menor es que no había redes sociales, entonces no te conocían. La gente no sabía quienes éramos los que hacíamos 'El mono relojero', y nos pasaba mucho que la gente salía de bailar, iba cantando y pasaba por al lado nuestro y ni nos registraban. Era un flash”, cuenta Mikel.<h4>Kapanga y sus problemas con el nombre</h4>Antes de que salga "A 15 cm de la realidad", Kapanga firmó con la compañía EMI y al momento de registrar su nombre descubrieron que ya existía: “Nos decían que lo cambiáramos porque no nos conocía nadie. Pero yo ya era el Mono de Kapanga. Era como decirle a Sandro que se cambie el nombre”, sostiene el Mono con firmeza.Entre tantas alternativas, aparecieron opciones insólitas: “Quisimos registrarlo como K.A.P.A.N.G.A., que significaba ‘Cuarteteros al pelear así no ganan amistades’; después buscamos una K, una flautita de pan y G A, pero no se pudo por fonética", recuerda el Mono, mientras que Mikel agrega su parte más punk: "Ka punk gay como el punk gay hardcore antifascista que hacía Fan People ponerle. Al final nos quedamos con Kapanga, con K y flautita de pan”.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=aFwJ4SSOcj4&amp;list=RDaFwJ4SSOcj4&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Hoy, a 30 años de aquel inicio, la banda festeja con un show en Obras el 5 de diciembre que recorrerá toda su discografía y sumará colaboraciones con artistas invitados. “Lo que empezó en San Bernardo hoy nos llevó a tocar en más de 16 países, pero siempre con la misma esencia: con la alegría como resistencia, porque nuestras canciones forman parte de una resistencia que está en otro lado”, reconoce el Mono.

El próximo 5 de diciembre Kapanga festeja sus 30 años en el estadio Obras Sanitarias y Filo.news dialogó con el Mono, Mikel y Mafia sobre sus inicios, el recorrido que los llevó a estar tres décadas juntos y su último parate por problemas de salud.

El próximo 5 de diciembre Kapanga festeja sus 30 años en el estadio Obras Sanitarias y Filo.news dialogó con el Mono, Mikel y Mafia sobre sus inicios, el recorrido que los llevó a estar tres décadas juntos y su último parate por problemas de salud.

"La alegría como forma de resistencia": Kapanga cumple 30 años y los festeja en el Templo del Rock

Casada hace apenas dos meses, con un pie en México y otro en Buenos Aires, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/12/09/connie-isla-presenta-lejos-su-segundo-corte-de-su-nuevo-album">Connie Isla</a> atraviesa un momento bisagra en lo personal y lo artístico. Su cuarto álbum de estudio, “Inefable”, que marca para un antes y un después en su carrera, plasma el camino recorrido y encuentra nuevas musicalidades.“Es el disco donde encontré mi identidad musical, un lugar donde me quiero quedar”, enfatiza la joven artista en diálogo con Filo.News, no quiere pecar de demagoga pero se encuentra de cerca con aquella Connie que eligió la música como forma de vida. Referencia su nuevo material con Shakira, Alanis Morissette, Mon Laferte y Natalia Lafourcade, mujeres que fueron clave en su desarrollo artístico y musical.&nbsp;La presentación oficial será el próximo viernes 22 de agosto y las <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.passline.com/eventos/connie-isla-presentando-inefable-en-niceto-club?srsltid=AfmBOorqO5TqfJwQe_vm1TCNA-mQyty6TPn-BUhSckH96HLwZ0b8bJJ_">últimas entradas están disponibles en passline</a>.&nbsp;<h4>Inefable: de un gesto íntimo a un manifiesto artístico</h4>El título nació de una canción que le escribió a su ahora marido, Guido Pietranera, que finalmente terminó llamándose "Distinguido". “No encontraba palabras para expresar lo que sentía y pensé en ‘Inefable’ -es un adjetivo que describe algo que no se puede expresar o describir con palabras-. Cuando se lo conté a mi equipo me dijeron que era ideal para el nombre del disco, y así quedó”, explica sobre el título de su cuarto álbum de estudio.El álbum de principio a fin es la historia de vida de Connie: "Distinguido" dedicado a su actual pareja, "Cringe" que habla de su relación con las redes sociales, "Deseo" y "Suerte" que hablan de desamor. Allí, conviven dos de sus caras más potentes: la cantautora sensible y una mujer más rockera: “Me pasa mucho que este disco es como mi Shakira de los 2000: puedo estar con la guitarra en mano cantando algo súper íntimo o toda transpirada en un escenario rockero”.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=7xnV2O1tCTA&amp;list=RD7xnV2O1tCTA&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Connie pasó por la actuación y fue influencer antes de volcarse de lleno a la música. En el medio, siempre estuvo presente su faceta musical, pero no era exclusiva. Hace unos años, decidió alejarse de las redes sociales: “Quería separarme de la influencer y plantarme en un lugar más de artista, más serio, más reservado”.&nbsp;En las diferentes facetas, también existió una Connie activista de la que hoy la artista también decidió tomar distancia. “Tuve mi momento súper activista y militante, de cargarme banderas al hombre y comprometerme. Fue hermoso, pero muy agotador", recordó, aunque agregó: "Siento que nací con ese llamado, no tengo dudas que voy a volver a hacer cosas".&nbsp;En esa línea, recordó que hubo momentos donde se "mezcló" su militancia y activismo con su música: "Me pasaba que me invitaban a una nota para hablar de mi disco y terminaba respondiendo sobre causas sociales. Y está buenísimo, pero me estaba consumiendo”.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=LQaXxV4lYU0&amp;list=RDLQaXxV4lYU0&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Pese a que decidió dejar de lado sus redes sociales, su equipo le pidió que volviera a mostrarse más cerca de sus seguidores. De ahí nacieron los “Diarios Inefables”, una sección semanal en la que comparte reflexiones y que se volvió un puente directo con sus seguidores.<blockquote>“Me costó un montón volver a redes porque sentía 'cringe' volver a hablarle a cámara. Pero la respuesta fue increíble. Había gente que me decía: ‘Coni, te re extrañaba'”, recordó.</blockquote>De esa vuelta a la vida de influencer también habla su canción Cringe, que recrea lo que sufren los heavy users de redes sociales. "Ya pasé de moda, nadie mira mis historias", fue una frase que surgió de su vuelta a redes sociales: "Empecé a escribir en un cuaderno y era como un descargo al aire. Tal vez no era tan rimado al principio, era como algo tipo vómito, vómito, vómito y en un momento dije: 'Yo tengo que hacer una canción con esto'".Cringe fue sanadora también para parte de sus seguidores, amigos y colegas: "Cuando salió había gente muy famosa que me escribió diciendo: 'Boluda, gracias por decir esto', que a ellos también les pasaba". Más allá del inicio, la canción recrea la ansiedad que se vive por cada mínimo posteo que una persona realiza en redes sociales, las respuestas, sus significados y el "fomo" que crean. "Me desperté a la madrugada para no perderme nada, queda mucho por hacer", señala en otro pasaje, una forma habitual de muchos jóvenes y adultos de relacionarse con la tecnología.Sobre sus canciones favoritas, destacó que aparecen Suerte, Distinguido y Deseo. Aunque dijo que se quedaba con esta última que es, para ella, la más representativa: “Logré un oxímoron en una canción. Parece que voy a decir algo hermoso, pero digo lo contrario, con humor y crudeza. Es distinta y la gente la recuerda”.<h4>La constancia de la autogestión</h4>Con tres discos independientes a cuestas, Connie se define como una artista obstinada y organizada: “Durante diez años gestioné absolutamente todo sola. Desde alquilar salas hasta armar el catering de un videoclip. Eso me obligó a ser muy disciplinada”.Recién en este último tiempo se sumó a un management, lo que siente que le permitió enfocarse exclusivamente en la música. Ese orden le dio la libertad necesaria para pulir la identidad de "Inefable"."Hasta que cerré con The Sello, todo lo hacía yo: planear los lanzamientos, hablar con la diseñadora gráfica, sacar los seguros del videoclip, ir al rental con el flete, el catering, la produ, el vestuario, alquilar la sala de ensayo y el salón para ensayar con las bailarinas, etc. Multitasking a pleno", resumió.<h4>Lo que viene</h4>Además de la presentación de Inefable, Connie adelantó una sorpresa: participará de una nueva versión de Señor Cobranza junto a Bersuit y Las Manos de Filippi, en el marco de los 30 años del clásico. “Es una locura, no lo puedo creer”, asegura.Con la constancia que la define y un presente donde vida personal y carrera se entrelazan, Connie Isla encontró su identidad musical y el lugar donde quiere quedarse.

Con un nuevo disco bajo el brazo, Connie Isla atraviesa un momento de transformaciones personales y artísticas. En Inefable, su cuarto álbum de estudio, conviven su costado más íntimo y su faceta rockera. Además, adelantó en diálogo con Filo.news que grabará un clásico del rock nacional con una banda amiga.

Con un nuevo disco bajo el brazo, Connie Isla atraviesa un momento de transformaciones personales y artísticas. En Inefable, su cuarto álbum de estudio, conviven su costado más íntimo y su faceta rockera. Además, adelantó en diálogo con Filo.news que grabará un clásico del rock nacional con una banda amiga.

Connie Isla presenta "Inefable" en Niceto: "Encontré mi identidad musical, un lugar donde me quiero quedar”

“En estos 30 años lo que más hemos cultivado fue la amistad, esa de familia. Cada cual hizo su aporte en la música, pero lo que más se alimentaba era la amistad”,arrancó diciendo el Cebolla Cebreiro sobre la evolución de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/10/10/la-vela-puerca-conmovio-al-gran-rex-con-su-nuevo-show-enves">La Vela Puerca</a> como banda, pero sobre todo como amigos y familia. En estas tres décadas fueron parte de la transformación del rock uruguayo, llevaron su música a decenas de países del mundo e hicieron del festejo su forma de sobrevivir y la de miles de personas.Sebastián Teysera (en adelante "el enano"), Sebastián "Cebolla" Cebreiro y Nicolás Lieutier recibieron a Filo.news para hablar de su vuelta a la cancha de Ferro después de 18 años, donde presentaron "El Impulso" y este <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.enigmatickets.com/event/1e395047-c8f8-49ff-b46c-33057aaff007">1° de noviembre celebran sus 30 años</a>. “Volvemos a festejar un peldaño más en nuestra historia", destacó el Enano y Nico completó "el pogo de cancha tiene algo único, es increíble”, sobre la posibilidad de celebrarlo una vez más con su gente en un escenario de disfrute para todos.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/19/La_Vela_Puerca_25052024_22_54_41_por_@tutedelacroix_(1)8431_.jpg"><figcaption>“El trabajo más arduo que tuvimos en estos 30 años fue cultivar la amistad, que después se transformó en familia" | Foto: @tutedelacroix</figcaption></figure>Cuando recuerdan el primer show, en otras condiciones y con una banda aún incipiente, que tenía al enano tocando la batería y cantando -sí, hacía ambas cosas en simultáneo, coinciden en que las ganas eran las mismas que hoy: divertirse. “La música era un hobby, nos encantaba, vivíamos escuchando música y pasándonos cassettes (viejo formato de distribución de música, por si hay centennials en la sala de lectura)", aseguró el Enano. Sin embargo, no todos tenían la misma idea. Nico recuerda que "había gente que ya tenía en la cabeza una obsesión de tener una banda", sin nombrar a ninguno de sus compañeros, pero dejando implícita la idea que ya comenzaba a dar vueltas en la cabeza de uno de sus integrantes."En ese primer show creo que no todos pensábamos lo mismo. Sí la parte divertida, que gozamos tocando y que estábamos felices de que estuvieran todos nuestros amigos ahí. Muy orgullosos de que teníamos las primeras canciones propias y que le habíamos puesto un nombre a la banda. Todo eso sí lo compartíamos. Pero la visión y los objetivos eran bastante diferentes, había gente que faltaba a los ensayos...", recuerda Nico, y en ese momento el Enano lo interrumpe y agrega: "Lo que pasa es que al hacer canciones propias, algo es...". Entre risas, Nico remató: "Bueno, me estás diciendo lo mismo que me decías ese día. Ya lo entendimos. 30 años después sigue siendo lo mismo, quedó claro".<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/19/DSC_93187317_.jpg"><figcaption>El Cebolla y el Enano cantando juntos en el Cosquín Rock | Foto: Antonella Ríos.</figcaption></figure>"El objetivo máximo era grabar un disco para tenerlo en la repisa de casa”, reconocen entre risas, lo último que esperaban en aquella época era que 30 años después se colaran en la casa de miles de personas y su música traspase generaciones, así como también fronteras, al punto de llegar a tocar más de una vez en Alemania.&nbsp;Los shows de La Vela en sus inicios eran diferentes, no era solo música. En aquellos años 90's la banda buscaba "romper un poco con la hegemonía de la música postdictadura, que era más oscura", reconoce el Cebolla pese a que ellos también los escuchaban. Pero esa intención también los llevó a compartir escenario con diferentes expresiones artísticas desde grupos de teatro hasta malabares, que tenían espacio previo al show para su intervención.&nbsp;<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DNWmQ7aBXQT/?hl=es-la"></oembed></figure>"Al principio la idea era romper un poco -con la música de la época- decir cosas que valgan la pena, no banales ni panfletarias como dueños de la verdad. Pero sí con letras que digan cosas que traten de emocionar, que en esas dos horas sean una fiesta. Está el mundo, el laburo, la vida es injusta y encima salís a ver una banda y también eso es una cosa gris, que te deja para abajo, y bueno... está bueno decir cosas pero por lo menos que la gente tenga dos horitas donde la pasamos bien absolutamente todos", reflexionaron.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=8rdrsWGLyWc&amp;list=PL3tKo37yAfLWlv-PkdEb97xnvvJuuTb5A&amp;index=5"></oembed></figure>Con el correr de los años hay canciones que traspasaron generaciones. En el podcast que lanzaron a fin de 2024, "Tenemos Jardín", cuentan historias del álbum "A Contraluz" que el año pasado cumplió 20 años, repasan sus temas, la composición, de qué tratan y generan un nexo con la actualidad. &nbsp;En la intención de decir cosas que valgan la pena, pero de una forma festiva se plasma en "Llenos de magia". "Nace de un riff", confiesa el Enano y aclara que esto ocurre con pocas canciones en La Vela. El Cebolla añadió en diálogo con este medio que para él "es la canción más representativa de La Vela", y argumenta: “Tiene rebeldía en su letra, la acompaña una musicalidad con fuerza, los caños arriba. Me parece que tiene el pasado, presente y futuro de la banda. Siempre va a existir una canción como 'Llenos de magia' que representa a varias generaciones”.&nbsp;Nico, por su parte, resalta que del repertorio de La Vela, y vaya que se fue a los inicios, elige "Vuelan palos" del álbum Deskarado (1998). "Tiene una letra contra los milicos que me encantó, en ese momento en el que lo escribió Seba (el Enano) acabamos de salir de la dictadura militar y teníamos una rebeldía propia de la edad y contra las razias. Después tiene algo en la melodía, eso de 'Vamos la Vela' que la gente se lo apropió. Tres amigos nuestros lo empezaron a cantar espontáneamente en ese primer show, lo inventaron ahí y quedó hasta hoy. Y la música me parece buenísima, de lo mejor que hicimos", analizó el bajista.El Enano, por su parte, se inclina por "Va a escampar", que para él tiene un poder "sanador", para con él en el momento en el que la escribió, que después se trasladó también a la gente que la escucha. "Tiene un poder esperanzador para la gente que está deprimida, enferma o lo que sea. Y la música cura", concluyó.

"Nuestro objetivo máximo era grabar un disco para tenerlo en la repisa de casa”, reconocieron los integrantes de La Vela | Foto: @tutedelacroix

La banda uruguaya celebra sus 30 años con un revival a Ferro después de 18 años. Antes de volver a hacer historia, La Vela recibió a Filo.news y contó sobre sus inicios, el espíritu que los llevó a recorrer decenas de países: "Compartimos el amor por la música. Pero la visión y los objetivos eran bastante diferentes, había gente que faltaba a los ensayos...".

La banda uruguaya celebra sus 30 años con un revival a Ferro después de 18 años. Antes de volver a hacer historia, La Vela recibió a Filo.news y contó sobre sus inicios, el espíritu que los llevó a recorrer decenas de países: "Compartimos el amor por la música. Pero la visión y los objetivos eran bastante diferentes, había gente que faltaba a los ensayos...".

La Vela Puerca cumple 30 años: sus inicios, la amistad y las canciones que marcaron su camino

Después de una década en silencio, Detonantes está de vuelta y llegó con "Bola Rápida" bajo el brazo. La intención, según resumió Joaquín Carámbula en diálogo con Filo.news, fue "volver a las raíces" con nuevas canciones, que esperaron años para ver la luz y otras que nacieron del encuentro del trío.“Creo que lo que más me movió fue eso, volver a tocar rock, enchufar la guitarra eléctrica al Marshall, poner distorsión y salir a tocar canciones rápidas. Ese fuego sigue ahí”, cuenta Carámbula en la previa de un show clave en Roxy Live.La banda liderada por Joaquín nació en la secundaria junto a su amigo Nicolás Bolo, bajista, y se completa con Juan Manuel Colonna en batería. En aquel incipiente Detonantes también se encontraba un joven Mateo Sujatovich, que luego decidió seguir su camino y formó Conociendo Rusia. Ahora, regresan en formato de trío con la misma energía que los llevó a subirse a escenarios en Argentina, México y Chile, aunque con una claridad artística que solo dan los años.Detonantes grabó su primer disco tras cinco años de ensayo y recitales en festivales. El proyecto se frenó en 2015, sin planes de regreso. “Ni en pedo pensábamos que íbamos a volver”, admite. En el medio, Carámbula siguió su camino solista, explorando otros géneros, pero siempre con el rock como punto de referencia.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/12/DETONANTES_OK_FOTO_19501_.jpg"><figcaption>Detonantes toca el próximo jueves 15 de agosto en The Roxy Live | Foto: gentileza de prensa.</figcaption></figure>El reencuentro se dio de forma natural: “Entre nosotros siempre estuvo todo bien, seguíamos viéndonos como amigos. Coincidió que a todos nos dieron ganas al mismo tiempo”. El regreso no es solo un revival: el trío (guitarra, bajo y batería) ya tiene canciones nuevas y un sonido más directo. “Volvimos a las raíces: guitarra directa al amplificador, sin intermediarios ni efectos, como cuando empezamos”, dice.La vuelta incluye material inédito y rescates de sus primeras composiciones, como La Rocola, escrita cuando tenían 15 años: “Es resignificar el pasado en tiempos modernos, como convivir esas dos etapas. Capaz que hoy no escribiría esa letra, pero me sigue resonando en el cuerpo”.En esa línea, Joaquín siente que retrotraerse a aquel pasado es también "influenciarse por uno mismo". "Escuché un tema que hice hace 20 años, me gustó, lo agarré y lo traje al presente. Después, cuando hago canciones nuevas es como que ese viejo estilo me inspira a componer algo con cierto matiz que tenga que ver. Entonces es muy importante escucharte a vos, a tu pasado", resume Carambula.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=X6MFiXprWpg&amp;list=RDX6MFiXprWpg&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Sobre las diferencias en la música entre el viejo Detonantes y el revival, Joaquín responde como un libro abierto de música, que repasa gran parte del rock más dosmilero, como Arctic Monkeys, LCD Soundsystem o The Strokes. "Cualquier estilo un poco más indie rock, inclusive hasta mezclado con la electrónica eran lo que influían en Detonantes. También me encantaban las bandas superroqueras, neoyorquinas, como los Strokes", confiesa Joaquín, aunque se da cuenta durante la entrevista que no los escucha hace mucho tiempo.&nbsp;Así y todo, durante aquella época rockera más atravesada por las bandas neoyorquinas o inglesas, Carambula asegura que nunca dejaron de escuchar Pappo, The Rolling Stone o The Beatles, así como también bandas más noventosas como Blur."Estábamos por ahí un poco más influenciados con esas bandas, pedales de efectos en la guitarra y una producción un poco más moderna, pero lo que que pasa ahora es que volvimos un poco al origen. Todo bien con Blur y Arctic Monkeys, me encantan. Pero ahora volvimos a la raíz, a la Rocola", reflexiona jugando con lo viejo que es aquel artefacto que se utilizaba en bares para escuchar música.Carámbula reivindica la música como “puente hacia la vida misma”: un espacio para conocer gente, crecer y conectar. Y eso se sintió en el show de Niceto, que describió como “un clima hermoso, con pogo y reencuentros con amigos de hace 20 años”.El futuro inmediato incluye una seguidilla de fechas: tras el <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.allaccess.com.ar/event/detonantes-en-vivo">Roxy Live este 15 de agosto</a>, pasarán por Avellaneda, Montegrande, Pilar, La Plata, Santa Fe, Rosario y Córdoba. “Mientras lo disfrutemos y la gente lo reciba bien, vamos a seguir metiéndole. El rock and roll está vivo y presente, y eso me encanta”, subraya.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/12/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2025-08-12T112258.1277925_.jpg"><figcaption>Joaquín Carámbula: su relación con la música llegó desde muy chico, con su padre Berugo Carámbula y su hermano Gabriel Carámbula.</figcaption></figure><h4>Joaquín Carámbula: la herencia musical de su padre y el salto al rock con su hermano</h4>Joaquín llega a la música desde muy joven de la mano de su padre Berugo Carámbula, actor, guitarrista, humorista y presentador de televisión uruguayo, que lo acercó a la guitarra. "Tenía una guitarrita de chico, me divertía mucho hacerla sonar o que papá la toque, le pedía ritmos", asegura con cariño.&nbsp;"A mi viejo siempre fue más del palo del jazz, cuando iba a visitarlo tenía la tele prendida con Film &amp; Arts -canal de jazz- y me gustaba, pero de repente escuché KISS, AC/DC, y dije: 'A mí me gusta esto, pa'", recuerda entre risas.&nbsp;Ahí entra en el mundo de Gabriel Carámbula, su hermano mayor y músico, fundador de los Ratones Paranoicos. "Fui creciendo y empecé a compartir con Gabi algunos escenarios, me invitaba a tocar y dije 'quiero esto'. Fue muy nutritivo, porque se aprende de todo", enfatiza. El todo representa tanto la música, como lo que se quiere y no replicar de la vida del rockero.&nbsp;"Te va haciendo crecer y más allá de qué técnica utilices, también es la vida la que te va enseñando. Es todo muy complejo, pero se resume a simplemente creo que disfrutarlo, dentro de las oscuridades que tiene también la vida y la música, porque es algo que a algunos nos salva pero cuántos músicos hay que terminan mal a pesar de ser superexitosos", concluyó Joaquín.

Joaquín Carámbula sobre la vuelta de Detonantestras 10 años: "Entre nosotros siempre estuvo todo más que bien, les conté que quería volver y se recoparon".

Joaquín Carámbula y su banda regresan con “Bola Rápida” y un sonido directo al amplificador, sin efectos ni intermediarios. Con la herencia musical de su padre y su hermano Gabriel, Detonantes vuelve a las raíces, en formato trío, y promete encender el rock and roll en cada fecha de su gira.

Joaquín Carámbula y su banda regresan con “Bola Rápida” y un sonido directo al amplificador, sin efectos ni intermediarios. Con la herencia musical de su padre y su hermano Gabriel, Detonantes vuelve a las raíces, en formato trío, y promete encender el rock and roll en cada fecha de su gira.

Joaquín Carámbula revive Detonantes: después de 10 años, apuestan a un rock crudo y fuego en el Marshall

Tras la <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/07/08/investigan-por-lavado-al-pastor-del-milagro-al-que-usd100-mil-pesos-se-le-transformaron-en-dolares">declaración del hijo del pastor Ledesma sobre un supuesto milagro que convirtió $100.000 en USD 100.000</a>, el evangelismo quedó en el centro de la escena. Con una forma teatral de predicar, promesas de milagros y billetes que le tiran desde el púlpito lo convirtieron a Ledesma en una figura que genera fascinación y burla a partes iguales. Sin embargo, el sociólogo, antropólogo y autor de "Vivir la fe", Pablo Semán, llama a no sacar conclusiones rápidas sobre el mundo evangélico solo por un personaje viral.Semán investigó durante décadas cómo se vive la religiosidad en los sectores populares y fue testigo directo de las tensiones que rodean al crecimiento evangélico en Argentina. “No se puede sacar una conclusión por un caso donde además está todo sacado de la televisión”, advierte.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/06/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2025-08-06T104507.3312485_.jpg"><figcaption>Javier Milei y Karina Milei junto al pastor Ledesma tras la inauguración de la Iglesia Portal del Cielo en Chaco.</figcaption></figure><h4>Milagros y los sectores populares</h4>Para Semán, el crecimiento de las iglesias evangélicas —sobre todo las pentecostales— se explica por una clave concreta: conectan mejor con la experiencia cotidiana de los sectores populares. “La Iglesia Católica siempre fue más remolona para los milagros”, apunta. En cambio, el universo evangélico los promueve, los cuenta y los celebra, aunque a veces los exagera.“Cualquier pastor, cualquier agente religioso se siente obligado a reportar que él recibe de Dios la gracia completa porque es un imperativo cultural. Probablemente dicen que reciben cosas que no recibieron. No por mentirosos, sino porque quieren transmitir fe”, argumentó Semán que se reconoce "ateo" y observa que la mirada hacia el evangelismo es "sesgada" ya que no se realiza con la misma vara que al catolicismo.“Lo que él dice sobre la teología de la prosperidad te lo puede decir un pastor de derecha o de izquierda”, sostiene Semán. Incluso recuerda una charla con un pastor “de los más clásicos y peronistas”, que primero le dijo que todo eso era “una cosa de la CIA”. Luego le contó que estaba falto de plata, había rezado, metió la tarjeta sin fondos en un cajero y el dinero apareció. “Ese tipo de milagro te lo cuentan todos”, enfatiza Semán, aunque añade que muchos de esos "milagros" son exagerados y buscan transmitir fe.Sobre la Teología de la Prosperidad, Semán destaca la visión de Lula da Silva, quien afirmó tiempo atrás: "Un trabajador que está desempleado va a un sindicato y le dice: 'Compañero debemos organizarnos dentro de la fábrica, cuando estemos organizados tendremos que hacer huelgas, tendremos que luchar, protestar porque el capitalismo esto y aquello'. El tipo dice: 'Maldita sea vine solo porque perdí el trabajo y quieren que haga la revolución'. Entonces se va del PT a una iglesia católica y le dicen: 'Sí hijo mío, debes sufrir en la tierra para entrar en el reino de los cielos. Así es la vida'. Luego va a la Teología de la Prosperidad y le dicen simplemente: 'El problema es el diablo y Jesús la solución. Es simple. Estás desempleado porque el diablo entró a tu vida y Jesús es la salida. Así que cuando Jesús entre en tí mejorará'. Y el tipo se va tranquilo pensando: 'Alguien dijo que tengo una oportunidad'". &nbsp;&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/06/iglesias_evangÃ©licas4763_.jpg"><figcaption>El rol social de las Iglesias evangélicas llevó a que los fieles pasaran de 9% en 2008 al 15,3% en 2019, según un estudio del Conicet.</figcaption></figure><h4>Pablo Semán: “No hay voto evangélico, ni siquiera en Chaco”</h4>Dentro del progresismo se tiende a pensar que existe un voto homogéneo del evangelismo, según Pablo Semán. Sin embargo, resalta que entre 2008 y 2019 el porcentaje de evangélicos en Chaco pasó del 10,8% al 23%, y la fórmula de Juan José Gómez Centurión, que representaba sus supuestos intereses, apenas sacó el 2,84% en las elecciones. En 2023, después de la crisis de la inflación, en tanto, ganó Javier Milei en aquella provincia.&nbsp;“No hay comportamiento político homogéneo. Eso no existe ni en Brasil, donde los evangélicos primero votaron en contra de Lula, después lo apoyaron y luego no”, aclara.Según Semán, en la Argentina hay unas 70.000 iglesias evangélicas. El 70% son comunidades pequeñas de entre 30 y 100 personas, con pastores autónomos y una organización informal. En esa línea, el sociólogo subraya que “todos los políticos disputan el voto evangélico imaginando que existe y creen que hablan con un pastor, no importa cuán grande sea su iglesia, y van a tener el voto de todos los evangélicos”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/06/MileiChaco003-cropped6113_.jpg"><figcaption>Javier Milei en la inauguración de la Iglesia Portal del Cielo en Chaco.</figcaption></figure>Aunque Semán critíca que se saque una conclusión de un solo personaje mediático, no desestima el fenómeno. “Los pastores exageran los milagros, sí. Pero porque en ese mundo religioso hay que mostrar que Dios obra. Si no hay milagros, no hay fe compartida”. Y eso, dice, no es exclusivo de los evangélicos. “La religión, toda religión, vive de la fe, y la fe necesita pruebas”.

"Cualquier agente religioso se siente obligado a reportar que él recibe de Dios la gracia completa, probablemente dicen que reciben cosas que no recibieron”.

En el evangelismo la clave son los milagros, a veces exagerados por parte de los pastores, que buscan mostrar que adquieren toda la gracia de Dios. El pastor Ledesma no es la excepción, según el sociólogo y antropólogo Pablo Semán, que llama a desarmar los prejuicios sobre los evangélicos y dejar de lado las observaciones sesgadas.

En el evangelismo la clave son los milagros, a veces exagerados por parte de los pastores, que buscan mostrar que adquieren toda la gracia de Dios. El pastor Ledesma no es la excepción, según el sociólogo y antropólogo Pablo Semán, que llama a desarmar los prejuicios sobre los evangélicos y dejar de lado las observaciones sesgadas.

Lo que dicen los milagros: Pablo Semán analiza el auge evangélico y el caso del pastor Ledesma

“Una de las cosas que más me dice la gente es: ‘Estás diciendo lo que yo diría si estuviera arriba de un escenario’”. Esta frase fue lanzada por el "Negro" Gamboa, cantante de Cabra da Peste, banda oriunda de La Plata que el próximo 9 de agosto se presenta en el Arena Sur de Pompeya a más de seis años de sus inicios en la música y después de haber llenado un Complejo C Art Media. Con una fusión de sonidos y ritmos, se erigen como uno de los actores más jóvenes del rock barrial y rioplatense, con canciones de alto contenido de crítica social e ideas contundentes de lo que buscan comunicar.En sus letras se cuelan vivencias, sentimientos, una visión amplia de Latinoamérica y memoria. El recorrido incluye escenarios de Santa Fe, Córdoba, Chaco, Bahía Blanca, el conurbano bonaerense y ahora Chile. Pero el punto de partida fue claro allá por 2018: el under platense y una búsqueda de identidad desde abajo.“Durante el primer año tocábamos todos los días: martes, jueves, donde fuera. Y después de la pandemia, cuando solo teníamos un año y dos meses como banda, salimos para afuera. Primero conurbano, después Córdoba, Rosario. Así se fue armando ese público tan variado”, cuenta el cantante en charla con Filo.news.Durante la pandemia, Cabra da Peste tuvo tiempo de expandir su música vía redes sociales y la salida de este fenómeno mundial los encontró con una cantidad de público mucho más grande, de todas partes de Argentina. "No entendíamos nada", recuerda el Negro. Aunque también los flasheó la cantidad de banderas de diferentes barrios del conurbano y puntos del país que aparecieron en los recitales. Las banderas son parte de la identidad del rock nacional y barrial, pero con los años se fueron perdiendo y se observan cada vez en menos bandas. En la vuelta de Los Piojos o en los "banquetes" de La Renga aún se pueden ver muchos de esos trapos que eran parte del folklore de este hermoso género.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=ayHI2rFSmrg"></oembed></figure><h4>Ensalada de ritmos y bandera clara</h4>El sonido de Cabra da Peste parte del rock barrial —con influencias de La 25 o Las Pastillas del Abuelo—, pero no se queda quieto. “Es un rock 2000, pero con mucha música latinoamericana. Yo fui mochilero mucho tiempo, y eso está en mi forma de componer. Además, los diez músicos escuchan cosas muy distintas, así que es una ensalada de ritmos”, reconoce el Negro.Al reflexionar sobre el alto contenido social de la música de Cabra, el Negro subrayó que "falta un poco de sentimiento social en las letras de hoy", ya que todo es "muy superficial". "Nosotros buscamos ir más profundo: hablar de lo que pasa en la sociedad, de lo que se siente. En palabras simples y contagiar a la gente de lo que uno es en el día a día”, enfatiza.Y esa búsqueda tiene respuesta del otro lado: “Mucha gente te dice ‘esta canción me la escribiste para mí’. Esa comunión que tenemos con el público nace desde el sentimiento, de decir lo que a uno le molesta o le duele. Y eso genera conexión”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/03/cabra8847_.png"></figure>En tiempos de hits de dos minutos, Cabra da Peste se planta con canciones de cuatro, cinco o más. “Las nuevas generaciones hacen temas de 2.20 minutos y, en medio de la inmediatez, nosotros ahí vamos metiendo canciones de cinco minutos. Pero apostamos a que duren lo que tengan que durar. Si el mensaje es sincero y claro, no importa el tiempo”, reflexiona.Algunas canciones salen directo de la calle, de lo vivido. El Negro cuenta que años antes de formar Cabra da Peste fue mochilero y eso le dejó grandes enseñanzas, así como también canciones que nacieron de esa experiencia. Bus al Norte, por ejemplo, narra una historia real de él cantando en un bondi con una nena. “La calle es una linda universidad”, resume.<h4>Una canción para Santiago</h4>En la previa de un nuevo aniversario de la desaparición de Santiago Maldonado, el Negro recuerda que el compromiso social y político de Cabra da Peste no es un decorado. Le dedicaron una canción al artesano que interpretaron en Plaza de Mayo y suelen acompañar a su hermano Sergio.“Me toca de cerca su historia. Por ser mochilero, por sus luchas. Tenemos contacto con Sergio, su hermano. Desde nuestro lugar, tratamos de mantener viva su memoria y su lucha”, dice, con una Wiphala y un cuadro de Santiago colgados de fondo.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=MYi68RafhJA&amp;list=RDMYi68RafhJA&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Cabra da Peste se presentará el 9 de agosto en el Arena Sur de Pompeya junto a Andando Descalzo. Y en noviembre preparan su mayor apuesta hasta ahora: una fecha en La Plata, su casa, donde todo empezó. Por ahora, mantienen el misterio. Pero ya sembraron lo suficiente como para que la cosecha tenga público asegurado.&nbsp;

Nacida en La Plata y formada por diez músicos con influencias diversas, Cabra da Peste construyó una identidad propia entre el rock barrial, ritmos latinoamericanos y letras cargadas de contenido social. La banda se prepara para uno de sus shows más grandes en Buenos Aires y anticipa una apuesta aún mayor en su ciudad natal.

Nacida en La Plata y formada por diez músicos con influencias diversas, Cabra da Peste construyó una identidad propia entre el rock barrial, ritmos latinoamericanos y letras cargadas de contenido social. La banda se prepara para uno de sus shows más grandes en Buenos Aires y anticipa una apuesta aún mayor en su ciudad natal.

Rock y conciencia social: Cabra da Peste, la banda que “dice lo que muchos querrían gritar desde un escenario”

Juku Ares lanzó "Sitcom", su tercer disco solista, y el material más pop de su carrera. Atrás quedaron las guitarras ruteras de Quemarropa. Ahora, los samplers y la programación toman el control de un álbum que autodefine como “pop puro y duro”, con influencias de Miranda! y la búsqueda de letras que vayan "al hueso".&nbsp;“Es exactamente el disco que quería hacer, de principio a fin no le cambio nada”, sintetiza Juku en diálogo con Filo.news a días del lanzamiento. Arranca el día feliz de aún tener repercusiones de la escucha del álbum, aunque también trata de desconectarse y dejar que "el disco haga su vida, su recorrido". En la vorágine de tener las métricas a la mano, es difícil no mantenerse expectante viendo como crecen las visualizaciones. Sin embargo, lo logra: "Recién ayer volví a entrar a redes y me encontré cosas muy lindas, pero prefiero no estar en el minuto a minuto porque te volvés loco”.Sitcom será presentado el 14 de agosto en The Roxy Live con banda nueva, invitadxs y un show con fuerte impronta visual y pop. Luego, Juku recorrerá el país y se presentará en México y España.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/20/@charieriobueno1760_.jpg"><figcaption>Juku Ares: "Pienso los álbumes como películas" | Foto: @charlieriobueno</figcaption></figure>Sitcom no es solo un disco, es un concepto. Juku reconoce que le cuesta pensar fuera de un álbum, más allá que sean tiempos de singles. “Me empezó a gustar la idea de que cada tema sea una escena distinta. Yo pienso en discos todavía, que es algo que no se suele hacer más. Pero toda mi vida los pensé como películas: este es el tema tres, este es el cinco, este es el final. Me gusta armar la película entera más que un álbum de singles sueltos”.¿Por qué Sitcom?: “Me gustó la palabra, primero. Y además siento que hoy en día todo es una simulación -reflexiona Juku- nada es del todo real y nada importa tanto. Como en 'Don’t Look Up', que está por caer un meteorito y a nadie le importa. Hoy todo está desdibujado. También la situación de Argentina es tan bizarra que decís: ‘La realidad supera la ficción constantemente’”.Su otra pasión es la cocina: lejos de tener un algoritmo recargado de música, Juku prefiere "ver videos de tiburones"a tenes que métricas de redes. "Mi segunda pasión es la cocina, así que miro recetas todo el tiempo. Es mi cable a tierra. En vez de estar monitoreando data, estoy viendo cómo hacer un aguachile”, dice entre risas. "En YouTube miro chefs que me gustan, los sigo y los faneo más que a los músicos. Eso me salva un poco de volverme loco con todo lo de los números”, reconoce.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=08IHmxrug74&amp;list=RD08IHmxrug74&amp;start_radio=1"></oembed></figure>El disco fue producido junto a Santiago Napoli y Polska. Según cuenta, el objetivo era que no sonara a nada que hubiera hecho antes: “Les llevé los temas y me dijeron: ‘Vamos a hacer que no suene como nada tuyo’. Pusimos cláusulas: sin guitarras, sin parte C, temas que vayan al hueso, sin nada abstracto. Queríamos un disco re pop, más Miranda! y Chano, menos Spinetta. Yo compongo un montón, tenía 20 temas y elegimos los que fueran más directos. Queríamos que cada canción diga algo exacto y conciso”.Aunque produjo bandas como Turf y Noventas, Juku decidió alejarse de esa faceta: “Empecé produciéndome a mí y después ayudaba amigos. Un día produje un disco que anduvo bien y me empezaron a llamar. Terminé produciendo cosas que jamás me imaginé. Pero en un momento dije ‘no, no quiero ser productor’. Quiero ser compositor y cantante de mis canciones”, cuenta sobre una decisión tajante en un momento en el que lo buscaban de todos lados para continuar produciendo. Sin embargo, con tranquilidad reconoce que hoy solo lo llaman por su música.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=uzYK8y_qcOQ&amp;list=RDuzYK8y_qcOQ&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Juku se entusiasma hablando de la música pop, aunque no deja de cuestionar la industria: "El infierno de lo igual", que todas las canciones traten de replicar una receta, que suenen de la misma forma. "Es como que la industria hace lo mismo todo el tiempo porque cree que la gente quiere escuchar lo mismo. Pero no sé si la gente quiere eso o si escucha lo mismo porque es lo que hay”.Para él, hacer un hit no es algo matemático: “Hay hits que no te hubieras imaginado nunca. Hoy parece que para que sea un hit tiene que sonar a género urbano con pop y estribillo recontra repetitivo, como ‘Miénteme’. Yo banco más los temas que rompen el molde que los prefabricados”.<h4>El éxito, la frustración y el presente</h4>Ares es consciente de sus logros y sus límites: “Obvio que no tengo los números astronómicos de Tini, pero para alguien que no tiene la misma suerte, mis números son increíbles. Todo es relativo. ¿Desde qué lugar medís el éxito o la frustración?”, reflexiona.Y cierra con la tranquilidad de quien hizo el disco que quería hacer: “De principio a fin, no le cambio nada. Así lo imaginé e incluso mejor. Después, si le gusta a más o menos gente, es algo que no puedo controlar”.

Juku Ares lanzó Sitcom | Foto: @charlieriobueno

“Hoy todo es una simulación y nada importa tanto”, dice Juku Ares en diálogo con Filo.news sobre su nuevo álbum pensado como escenas de una serie que retrata la vida real.

“Hoy todo es una simulación y nada importa tanto”, dice Juku Ares en diálogo con Filo.news sobre su nuevo álbum pensado como escenas de una serie que retrata la vida real.

Juku Ares presenta Sitcom: un álbum de "pop puro y duro" que relata escenas de su vida

El rock siempre fue del pueblo y para el pueblo. El 13 de julio de 1985, la música mostró su costado más solidario con el Live Aid, uno de los acontecimientos más emblemáticos de la historia de la música, que logró reunir a las mayores estrellas de rock y pop como Queen, David Bowie, Sting, Elton John, Mick Jagger, Bob Dylan, Led Zeppelin, Madonna, U2, Tina Turner y Sting para recaudar fondos para contrarrestar la hambruna en Etiopía.&nbsp;El Live Aid contó con dos conciertos simultáneos en el estadio Wembley de Londres, Reino Unido y en el John F. Kennedy Stadium de Filadelfia, Estados Unidos, logró una recaudación de más de 100 millones de dólares, según Forbes, y fue transmitido vía satélite en más de 70 países que duró más de 16 horas, siendo considerado uno de los eventos musicales más vistos en todo el mundo y uno de los mejores shows en vivo de Queen.&nbsp;La logística fue tan compleja que artistas como Phil Collins viajaron durante el festival de un continente al otro para estar presentes en ambos conciertos, una proeza que simbolizó la magnitud de la jornada. El baterista tocó con Sting en Londres y luego en Filadelfia con Led Zeppelin, aunque este espectáculo no fue el mejor ya que hubo problemas para ensamblar ambas baterías.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/13/DiseÃ±o_sin_tÃ­tulo_-_2025-07-13T130150.2679775_.jpg"></figure><h4>Queen en Live Aid: los 21 minutos con los que Freddie Mercury marcó a fuego la historia del rock</h4>Solo 21 minutos bastaron para que Queen, con Freddie Mercury al frente, marcaran a fuego la historia del rock con un show histórico, condensando lo mejor de su carrera en aquel pequeño lapso de tiempo. Tal es así que en 2010 fue elegido como el mejor concierto en vivo de la historia.Según cuenta la autora Lesley-Ann Jones, que escribió el libro "Mercury: An intimate Biography of Freddie Mercury", en los '80 la banda sentía que su tiempo había pasado y era tiempo de dejarle lugar a otros artistas más emergentes como U2 y The Cure. Sin embargo, el Live Aid llegó para demostrarles lo contrario: la historia de Queen aún no había terminado.Wembley fue un antes y un después en sus vidas. No solo la gente se dio cuenta de lo imponente que fue Queen aquella tarde, sino que también supieron reconocerlo grandes músicos como Bono, Elton John, Paul McCarney y David Bowie, que en aquel momento se dieron cuenta que ese show iba a ser irrepetible en la historia de la música.Comenzaron al calor de "Bohemian Rhapsody", en una versión abreviada, continuaron con "Radio Ga Ga", donde Mercury dirigió las palmas y se mostró con soltura por todo el escenario. Al cerrar la canción, el cantante comenzó a dirigir a todo el estadio con un "Ay-Oh", todos los asistentes cantaron junto a Freddie Mercury, que en ese momento se tuvo que haber dado cuenta que ese show no sería como cualquier otro, que todo el tiempo que gastó Queen en ensayar para aquella presentación hizo que sonaran a la perfección. Luego interpretaron "Hammer to Fall", "Crazy Little Thing Called Love", y cerraron con dos himnos: "We Will Rock You" y "We Are the Champions".<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=o-0ygW-B_gI&amp;list=RDriwDo7_GxjM&amp;index=3"></oembed></figure>Esos 21.25 minutos condensaron gran parte de la historia de Queen, no es casual que la película Bohemian Rhapsody (2018) cierre justamente con ese momento clave en la historia del grupo.&nbsp;Las veces que los miembros de Queen hablaron sobre el proceso que siguieron antes de presentarse en Wembley frente a 72.000 personas y casi dos mil millones de fans que los vieron por televisión, deslizaron que prefirieron dejar los trucos de lado y solo se concentraron en tocar cada nota a la perfección. Esto quedó a la vista en parte del ensayo de la banda que se conoció posteriormente, en el que se muestra que tocaron cada una de las canciones del set antes de su presentación.“El resto de nosotros tocamos bien, pero Freddie salió y lo llevó a otro nivel. No eran solo fans de Queen. Conectó con todos. Nunca había visto algo así en mi vida”, reconoció el guitarrista Brian May tras la presentación.<h4>Mick Jagger y David Bowie: el show que no fue</h4>El vocalista de The Rolling Stone y Bowie querían cantar “Dancing in the Street” en simultáneo desde Londres y Filadelfia, respectivamente. Llegaron a hacer pruebas pero el delay satelital era tan grande que resultaba imposible sincronizar.&nbsp;Finalmente decidieron grabar el videoclip días antes y lo estrenaron durante Live Aid. Fue una producción exprés debido a que tuvieron un solo día de grabación en el East London Docklands. “Fue el video más divertido que hice en mi vida”, reconoció Mick Jagger.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=HasaQvHCv4w&amp;list=RDHasaQvHCv4w&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Lejos de las controversias, el Live Aid estuvo en el centro de la polémica por la actuación de Led Zeppelin, que se reunió después de tres años separados. La presentación fue caótica por la falta de ensayos y de sincronización con la batería de Collins. También el set improvisado de Bob Dylan generó controversias por comentarios sobre la deuda agrícola estadounidense.“Espero que parte de este dinero pueda usarse también para ayudar a los granjeros aquí en América que lo necesitan”, señaló Dylan en su presentación.Esto enojó a Bob Geldof, impulsor del Live Aid, quien consideró fuera de lugar su comentario, ya que la recaudación de los conciertos eran exclusivamente para Etiopía. Sin embargo, inspiró directamente a Willie Nelson, Neil Young y John Mellencamp para crear Farm Aid ese mismo año, ayudando a agricultores familiares estadounidenses.La organización recaudó más de 140 millones de dólares, destinados a combatir la hambruna en África. Aunque surgieron críticas sobre el posible desvío de fondos, Bob Geldof defendió públicamente la transparencia del proyecto, insistiendo en que la música había abierto un camino de ayuda sin precedentes.Al año siguiente, el 13 de julio comenzó a celebrarse de manera informal como el Día Mundial del Rock, en reconocimiento al espíritu de unidad y solidaridad que mostró la comunidad musical.&nbsp;

Queen en Live Aid: solo 21 minutos bastaron para hacer historia.

El Live Aid contó con dos conciertos simultáneos en el estadio Wembley de Londres, Reino Unido y en el John F. Kennedy Stadium de Filadelfia, Estados Unidos, logró una recaudación de más de 100 millones de dólares para combatir la hambruna en Etiopía. Queen hizo historia, Collins participó de los shows de ambos continentes y la vuelta de Led Zeppelin.

El Live Aid contó con dos conciertos simultáneos en el estadio Wembley de Londres, Reino Unido y en el John F. Kennedy Stadium de Filadelfia, Estados Unidos, logró una recaudación de más de 100 millones de dólares para combatir la hambruna en Etiopía. Queen hizo historia, Collins participó de los shows de ambos continentes y la vuelta de Led Zeppelin.

Día Mundial del Rock | 40 años del Live Aid: la solidaridad como bandera de un concierto sin precedentes en la historia

Los Tabaleros regresan al Teatro Vorterix el próximo 11 de julio con un show recargado. Volvieron a las bases. Así podría resumirse este nuevo espectáculo que viene de sus primeros años y ya presentaron el pasado 27 de junio. Durante años el foco estuvo en lo musical, sonar mejor día a día y la prolijidad técnica, pero este 2025 volvió a su costado más teatral. Su inspiración siempre fue artística en el más amplio sentido de la palabra: el cine y el teatro son dos fuentes fundamentales: Lolita, su álbum de 2013, es una de las tantas muestras de ello.&nbsp;“Siempre acudimos al teatro y al cine como inspiración. Lo hacíamos por necesidad y también para divertirnos y sorprender. En esta última gira, como veterano de una guerra invisible, le contaba a los más chicos de la banda todo eso que hacíamos años atrás: &nbsp;y sentí una nostalgia. Entre nostalgia y orgullo dijimos: esto lo hicimos antes que Louta, volvamos”, relató Beto Martínez.También te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/11/17/los-tabaleros-su-historia-la-vuelta-al-patio-del-konex-su-relacion-con-el-mono-de-kapanga-y-un-nuevo-material">Los Tabaleros: su historia, la vuelta al patio del Konex, su relación con el Mono de Kapanga y un nuevo material.</a>“En nuestros primeros shows hacíamos esto en el Teatro Ciego. Teníamos personajes como un gitano, una malabarista que tomaba antes de actuar y un loco encapuchado que tocaba el acordeón. Lo hacíamos para enfermar un poco a la gente, sorprenderla. Después nos preocupamos más por el audio y lo dejamos de lado”, recordó Beto.Félix Mateo, por su parte, describió que para él el show fue "entrega absoluta y sacrificio" porque estaba enfermo, "tenía miedo de morir y por suerte sobreviví". "El calor del público me sanó", subrayó poéticamente.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/07/SÃºper_POP-urrÃ­_de_lo_que_fue_el_viernes_en_el_@teatrovorterix_Gracias_por_el_aguante_y_el_cariÃ±o4516_.jpg"><figcaption>Los Tabaleros vuelven al Teatro Vorterix el 11 de julio | Foto: @tutedelacroix</figcaption></figure>El espectáculo está dividido en dos capítulos: Azul y Rojo. El primero, inspirado en la diosa egipcia Nut, que representaba el agua, el sexo, el amor y el peligro. El segundo, teñido de carmesí, traía un gaucho endemoniado, el diablo de la Salamanca, con facón en mano y referencias a Nazareno Cruz y el Lobo. “Queríamos generar algo que no sea familiar, sino que tenga ese ácido que el rock debería tener. Una cuota de peligro y vértigo”, añadió el cantante.En su búsqueda estética también aparecieron referencias cinematográficas. “Kubrick en Ojos bien cerrados usa mucho el contraste azul y rojo, igual que nosotros. La estética de las capuchas, el ocultismo, todo viene de ahí. Me gusta que la gente no sepa qué esperar en un concierto, que haya misterio y sorpresa”, explicó Beto, aunque señaló que van a reestructurar la obra: "Queremos que la gente se lleve nuevos recuerdos”.Beto es el creativo del grupo, Félix entre risas dice "de esto se encarga él". “Me puse a investigar dos meses el azul. Era muy difícil de obtener en la antigüedad y los egipcios flasheaban mucho con ese color, lo usaban en templos y para representar a Nut, la diosa que se tragaba el sol cada noche para devolverlo al amanecer. Tenía toda una connotación sexual y mística, por eso conceptualizamos todo el capítulo en azul y tonos cercanos”, precisó el cantante.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/07/SÃºper_POP-urrÃ­_de_lo_que_fue_el_viernes_en_el_@teatrovorterix_Gracias_por_el_aguante_y_el_cariÃ±o_(3)5761_.jpg"><figcaption>Los Tabaleros en el Teatro Vorterix con su nuevo show en capítulos | Foto: @tutedelacroix</figcaption></figure>El Capítulo Rojo, en cambio, toma referencias gauchescas y demoníacas: “El carmesí es el color de la sangre del crespín, que los gauchos usaban para manchar sus bombos y llamar al diablo en la Salamanca. Está ligado al inframundo, a Seth en Egipto, al pecado, la lujuria y la pasión. Por eso el diablo en escena es un gaucho con facón. El gaucho, que era un referencia a Nazareno Cruz y el Lobo, que también era la representación del diablo estaba pasado y en un momento yo lo tenía que desarmar y él me clavaba el facón, un miedo porque me lo clavaba", contó Beto entre risas.<h4>Entre Pastillas, Nocheros, Calligaris y un nuevo folklore</h4>Además del show en Vorterix, Los Tabaleros están grabando un proyecto audiovisual llamado “Todo es Folklore”, con colaboraciones junto a Las Pastillas del Abuelo, Los Nocheros y Los Caligaris.&nbsp;"Para nosotros, todo es folklore. El rock ya es folklore también", lanzaron. Es que lo llevaron no al género, sino al significado más puro de la palabra: aquel conjunto de tradiciones, costumbres, creencias, expresiones artísticas y conocimientos populares que caracterizan la esencia de un conjunto de personas. "Nosotros los argentinos tenemos un rock que no tienen otros países en América, ¿qué más folklore? Para mí Charly, Los Rodríguez recontra folklore", analizó Félix, mientras que Beto agregó que Charly tuvo como padrino musical a Eduardo Falú.&nbsp;Filosofando sobre la música y las obras, reconocen que "hay canciones que envejecen muy bien", así como otras no trascienden. Una de ellas es Eterno Amor de Los Manseros Santiagueños, una de las canciones que Los Tabaleros tienen grabadas dentro de su repertorio, así como también Porque yo te amo de Sandro.&nbsp;Entre risas, recuerdan que el Mono Fabio de Kapanga creía que Eterno Amor era una canción de Los Tabaleros y, en palabras de Beto, "lloraba" hasta que se enteró que pertenecía a Los Manseros.&nbsp;"Hay canciones que son no ves es son inoxidables, que cada tanto nos gusta cantar, también el homenaje que le tenemos hecho en vida a Roberto Sánchez, que a veces ya nos olvidamos que son de él porque las tenemos tan incorporadas que no las pensamos como cover", señalaron Beto y Félix, mientras que consideraron que el mejor piropo que pueden decirles es que esas canciones que eligieron de otros músicos son propias, pues significa que las tocan con pertenencia.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DLnmc0Jv3FL/"></oembed></figure>La grabación de "Todo es Folklore" se realizará el próximo 9 de julio en una larga jornada con las tres bandas y esperan que sea una jornada maratónica.

Los Tabaleros, su show en Teatro Vorterix y lo que se viene este año | Foto: @tutedelacroix

El próximo 11 de julio vuelven al Teatro Vorterix con un show performático, “siempre acudimos al teatro y al cine como inspiración", reconocieron en diálogo con Filo.news y contaron sobre el espectáculo y lo que viene este año.

El próximo 11 de julio vuelven al Teatro Vorterix con un show performático, “siempre acudimos al teatro y al cine como inspiración", reconocieron en diálogo con Filo.news y contaron sobre el espectáculo y lo que viene este año.

Erika Cabrera

Las Pastillas del Abuelo regresaron al Arena de Villa Crespo con invitados de lujo: Franco Mastantuono y Mikel de Kapanga

"La alegría como forma de resistencia": Kapanga cumple 30 años y los festeja en el Templo del Rock

Connie Isla presenta "Inefable" en Niceto: "Encontré mi identidad musical, un lugar donde me quiero quedar”

La Vela Puerca cumple 30 años: sus inicios, la amistad y las canciones que marcaron su camino

Joaquín Carámbula revive Detonantes: después de 10 años, apuestan a un rock crudo y fuego en el Marshall

Lo que dicen los milagros: Pablo Semán analiza el auge evangélico y el caso del pastor Ledesma

Rock y conciencia social: Cabra da Peste, la banda que “dice lo que muchos querrían gritar desde un escenario”

Juku Ares presenta Sitcom: un álbum de "pop puro y duro" que relata escenas de su vida

Día Mundial del Rock | 40 años del Live Aid: la solidaridad como bandera de un concierto sin precedentes en la historia

Los Tabaleros vuelven a las bases con un show performático: "Esto lo hacíamos antes que Louta"

¡No te pierdas las últimas noticias!

Erika Cabrera

Las Pastillas del Abuelo regresaron al Arena de Villa Crespo con invitados de lujo: Franco Mastantuono y Mikel de Kapanga

"La alegría como forma de resistencia": Kapanga cumple 30 años y los festeja en el Templo del Rock

Connie Isla presenta "Inefable" en Niceto: "Encontré mi identidad musical, un lugar donde me quiero quedar”

La Vela Puerca cumple 30 años: sus inicios, la amistad y las canciones que marcaron su camino

Joaquín Carámbula revive Detonantes: después de 10 años, apuestan a un rock crudo y fuego en el Marshall

Lo que dicen los milagros: Pablo Semán analiza el auge evangélico y el caso del pastor Ledesma

Rock y conciencia social: Cabra da Peste, la banda que “dice lo que muchos querrían gritar desde un escenario”

Juku Ares presenta Sitcom: un álbum de "pop puro y duro" que relata escenas de su vida

Día Mundial del Rock | 40 años del Live Aid: la solidaridad como bandera de un concierto sin precedentes en la historia

Los Tabaleros vuelven a las bases con un show performático: "Esto lo hacíamos antes que Louta"